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LE CORBUSIER: CAPILLA DE NOTRE DAME DU HAUT, RONCHAMP (II)

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La primera parte del artículo sobre la afamada obra del maestro Le Corbusier, la capilla de Notre-Du-Haut, fue básicamente dedicada a enmarcar su contexto, tanto en la importancia de su emplazamiento en el paisaje de Ronchamp como los antecedentes históricos que llevaron a Le Corbusier a aceptar el encargo.
La presente entrada está dedicada a las características arquitectónicas del edificio en sí, así como algunas notas sobre su proceso constructivo.

CARACTERÍSTICAS ARQUITECTÓNICAS DE LA CAPILLA

Puede resultar paradójico que la obra más conocida de Le Corbusier se aleje de su tradicional discurso racionalista (de la misma forma como la obra más conocida de Frank L. Wright, la Casa de la Cascada, parece alejarse de sus principios organicistas). Sin embargo, la obra refleja algunos principios de la arquitectura moderna, como su austeridad, su apertura a la comunidad y su concepción como un elemento que contrasta en el paisaje, si bien se origina en él.



La capilla debe su forma a la configuración del terreno y su relación con el paisaje. Cada una de sus fachadas responde a diferentes actitudes: bienvenida, celebración, servicio, simbolismo. El techo dramatiza el carácter escultórico y el poder y maleabilidad del concreto para componer volúmenes orgánicos. Todos estos elementos confluyen para generar un espacio interior místico y dramático, en el cual la luz es protagonista.


Plantas y cortes esquemáticos. Modelo en 3D cortesía de Villa

LAS FACHADAS

El genio de Le Corbusier radica en lograr que el visitante tenga siempre una percepción distinta del edificio desde cualquier ángulo que lo vea, y al mismo tiempo mantener armonía, dinamismo y coherencia entre ellas. Esta particularidad fuerza a que el visitante tenga que circundar toda la obra para comprenderla, añadiendo una cuarta dimensión a la composición arquitectónica: el recorrido.


La Fachada sur


El muro cóncavo recibe al visitante que asciende por el sendero. Su sección triangular de ancha base parece ser una continuación de la colina, que asciende hasta sostener el techo.
El muro sur es bastante ancho en la proximidad del acceso (3.7 m), pero se adelgaza y gana altura en el otro extremo (1.7 m).



El muro evidencia su espesor al ser perforado por un patrón de ventanas rectangulares de distinto tamaño y orientación, cuyo aparente desorden será utilizado para crear un efecto lumínico al interior, como veremos más adelante.


El ingreso se halla flanqueado por un elemento vertical y cilíndrico, una de las tres capillas menores con las que cuenta la capilla. También se jerarquiza el acceso adoptando el color del concreto y separándolo de la pared blanca y curva.



La puerta en sí cuenta con un arte realizado por el propio Le Corbusier, a la usanza de otras de sus obras, como la Asamblea de Chandigarh, por ejemplo. Sin embargo, desde hace años esta puerta está clausurada, y el ingreso a la capilla se da por la puerta posterior.


Otros elementos en el acceso son dos bloques pequeños de concreto visto que configuran un marco virtual a la puerta.


Fachada este

Enfrentando una gran explanada para los fieles, esta fachada también cóncava acoge una pequeña capilla exterior.


Es aquí donde se puede apreciar la potencia del volumen del techo, que sobresale sobre la capilla.
Además del techo, la capilla es enmarcada por el muro sur y por un volumen semicircular, que juntos conforma una especie de "cueva" que subraya el carácter receptivo que se quiso dar en esta zona, o de "proscenio" que enfatiza su vocación de punto focal en el paisaje.


La pared es perforada por unas diminutas fenestraciones cuadradas y en el medio se inserta una urna con una imagen de la Virgen.


Complementan la composición elementos de concreto visto, como la mesa y el púlpito, y una sencilla cruz de metal.



Fachada norte

La fachada norte agrupa las funciones de servicio: una entrada secundaria y unas escaleras. Ese carácter más privado se caracteriza por su forma convexa. Frente a ella hay un espacio que es delimitado por unos árboles, donde originalmente se ubicaba una torre campanario que no se construyó.



Los elementos más llamativos de la fachada son las dos capillas que flanquean el ingreso secundario: ambas dispuestas simétricamente en torno al eje de la puerta. Sin embargo, no es un impacto abrupto, ya que por su forma invitan al acceso al interior.


Fachada oeste

Es la única fachada ciega, cuyo trazo convexo vincula la fachada principal con la posterior, y donde el arquitecto muestra la naturaleza de las capillas, unas torres semicilíndricas a las que se ha practicado una abertura lateral. La verticalidad de las mismas es un contrapunto al carácter horizontal de la edificación.
En el centro de la pared se ubica una gárgola, que recoge el agua de lluvia y la deriva a una fuente escultórica de concreto visto que se encuentra frente a ella.



EL TECHO

"Encima del tablero de dibujo tengo el caparazón de un cangrejo que recogí en Long Island, cerca de Nueva York. Será la cubierta de la capilla: dos membranas de hormigón de 5 cm. de espesor y separaciones de 2.26 m. El Caparazón descansará sobre paredes de piedra recuperada".



Un detalle que no me había percatado hasta la visita fue el hecho de que el techo está separado de las paredes por una fina ranura. Este hecho, que es más evidente desde el interior, y evidencia el interés del arquitecto por sugerir liviandad en la cobertura, a pesar de su masividad. El techo se apoya en unas columnas ocultas en los muros, que no son portantes.



"El cascarón ha sido colocado sobre las paredes que son absurdamente pero prácticamente gruesas. Dentro de ellas hay columnas de concreto reforzado. La caparazón descansará en estas columnas pero no tocará la pared. Una ranura horizontal de 10 cm de ancho asombrará"
Le Corbusier.


Foto cortesía de Pieter Morlion

INTERIOR

El protagonista del interior es, sin lugar a dudas, la luz. Pero, a diferencia de lo que me había imaginado, el interior no es plenamente iluminado, como lo es, por ejemplo, la Iglesia del Jubileo de Richard Meier. Por el contrario, es más bien una iglesia oscura, como lo son algunas iglesias góticas, lo que resalta más el dramatismo de la luz, hábilmente resuleta en distintas formas para enfatizar la naturaleza sacra del espacio.


El efecto más impresionante proviene del muro sur, aquél que goza de mayor incidencia solar en donde la luz penetra por las pequeñas aberturas de vidrios de colores. La forma de las ventanas en el muro grueso, cuyos cortes se ensanchan oblicuamente como un bisel, permiten que la luz se difumine suavemente al interior.



En contraste, el muro este, donde está el altar, tiene una pequeñas perforaciones que desde el interior semejan estrellas. En el borde de las paredes destaca la separación con el techo, demarcado por una línea de luz.


Otra fuente de luz indirecta son las capillas. La luz ingresa lateralmente y se difunde a través de la superficie rugosa de las paredes curvas. El tipo de luz aunado a la verticalidad del espacio transmiten un carácter de alteza, elevación y sublimidad, un recurso que ha sido utilizado desde entonces por muchos arquitectos, como Kenzo Tange en su Catedral de Tokio, por ejemplo.


Foto cortesía de ilgattodiviadeimacci

La exquisitez en la concepción lumínica interior es enfatizada por la sencillez y austeridad del mobiliario interior. El piso es de concreto visto y se halla inclinado ligeramente hacia el altar. Las bancas se disponen en ángulo en dirección opuesta al altar, intuyo que para reforzarlo como punto focal en el espacio.



CONSTRUCCIÓN

"La construcción del muro se realizó sobre la base de columnas angulares "El arriostramiento lateral se observa en la sección de los elementos interiores que representan el trazo continuo y los los exteriores, discontinuo".



"En los bocetos preliminares de Le Corbusier se aprecia cómo la cubierta se ideó como armaduras de sustentación dispuestas en dirección norte/sur y apoyadas en muros correspondientes a estas orientaciones, que se levantaban de piedra. La rigidez innecesaria corría a cargo de la forma de las capillas y de la irregularidad del muro septentrional. El muro sur es de hormigón armado." G. Baker.





DETALLES



"La capilla es un enunciado de contrastes, contrastes formales en alusión a un cúmulo de remisiones respecto a circunstancias vitales. Las figuras son vigorosas y serenas: los muros encierran fragmentos de espacio interior, pero también permiten en otros puntos que se extienda; coexisten la estabilidad y la tensión, la inquietud y el reposo: la iluminación es directa e indirecta, misteriosa y resplandeciente, en ocasiones variable, en otras no.


Foto cortesía de ricardo avella

Las formas son elementos continuos que se interrumpen en incisiones precisas; en respuesta al programa de necesidades externas e internas, la capilla es extrovertida e introvertida. Nada explicita la complejidad de una exposición que se contempla en la misma variedad de iluminación y figuras que inducen los contornos de los huecos repartidos en el muro sur. Este "penetrable" muro, en el interior, se convierte en un sinfín de luminosas figuras centellantes, contrapuestas a la presión del mismo, aparentemente suspendido en el aire por efecto de su separación y elevación respecto al mismo. La pared interior inclinada se opone también a su cara exterior con aspecto de castillo y apariencia maciza.
La capilla caracteriza en muchos sentidos la madurez de la obra de Le Corbusier... El significado... no es la transcripción explícita y literal de la edad de la máquina, es una declaración de interpretaciones alegóricas de la naturaleza que, por reducción, interpreta, a su vez la propia existencia."
Geoffrey Baker.

VER TAMBIÉN

OTRAS OBRAS DE LE CORBUSIER



-“Al margen de la pura teoría ¿qué se siente dentro y fuera de ese espacio?” me preguntó un buen amigo.
-“En una palabra: POESÍA”

RENZO PIANO: AMPLIACIÓN EN RONCHAMP

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ENGLISH

Una de las tareas más difíciles para un arquitecto es la de proyectar junto a una obra maestra. Tal es el caso de Renzo Piano, quien ha estado más de una vez en el ojo de la tormenta por la relación de sus controversiales propuestas (como el Centro Pompidou en París o el Shard en Londres), pero que también ha sabido adaptarse con maestría a obras preexistentes (como el museo High en Atlanta). En esta ocasión, ha asumido el reto de diseñar un monasterio para las Hermanas Clarisas Pobres y un centro de visitantes en la colina Bourlemont en Ronchamp, próximo a la Capilla de Notre Dame du Haut, obra maestra de Le Corbusier.




Como era de esperarse, la intervención en este emblemático lugar motivó la protesta de la Fundación Le Corbusier y de muchos arquitectos e intelectuales, como Richard Meier, Rafael Moneo y César Pelli. (quienes, imagino, no hubieran tenido reparos si ellos hubieran sido los elegidos para proyectar en este lugar). Por su parte, Tadao Ando, y Maximiliano Fuksas entre otros firmaron una carta apoyando al proyecto.



La alternativa de Piano, sin embargo, ha sido humilde al utilizar un lenguaje sobrio y severo, y al tratar de enterrar la propuesta en la colina, de manera que no sea percibida desde la capilla y no altere al peregrino la percepción y la experiencia durante la visita.



Vistas del complejo tomadas camino a la capilla

INTEGRACIÓN AL PAISAJE

El punto de partida de Piano ha sido la integración de su propuesta a la colina Bourlemont, donde se halla ubicada la capilla. Es un gesto respetuoso hacia Le Corbusier, quien más bien quería destacar su obra en el paisaje.




La arquitectura sincera su contemporaneidad pero se inserta siguiendo las características del paisaje. La transparencia que caracteriza la fachada de vidrio permite una comunicación visual fluida entre el edificio y el entorno,





Bosquejos de Renzo Piano sobre el sitio

Es necesario destacar el énfasis dado al paisajismo, proyectado por Michel Corajoud, relativo a la forestación, preservación de la vegetación y ajardinamiento de las áreas de expansión.


PROCESO CONSTRUCTIVO

Dado que las celdas ubican bajo tierra, se procedió a la excavación de la colina para luego vaciar la estructura de concreto que, asu vez contenga el empuje del terreno (el proceso me recuerda al utilizado por I.M. Pei en su Museo Miho, en Shiga, Japón).





EL CENTRO DE VISITANTES
Tras ascender por el sendero que repta por la colina frente a Ronchamp, el visitante será recibido en una explanada con oficinas, jardines y parqueo. Perpendicular a éste se ubica el sendero que lleva a la capilla, pero antes aparece ante sus ojos una estructura de concreto visto, y con una larga fachada de vidrio y carpintería de zinc, empotrada en la ladera de la colina: el centro de visitantes.




Este edificio viene a reemplazar una antigua boletería (que obviamente no fue diseñada por Le Corbusier) construida en los años 60s, pero que para muchos desmerecía la configuración del lugar a la vez que era poco funcional.


Contiene una boletería, una tienda, un área de reuniones, áreas administrativas y de investigación y y una pequeña zona de exhibición, de la cual he sacado algunas de las fotos que ilustran estos tres posts sobre la capilla de Ronchamp. Hay también una chimenea vaciada en concreto, un detalle inusual en una tienda, pero que personalmente agradecí en aquella fría mañana de la visita.




MONASTERIO

Ubicado a unos 100 metros al oeste de la capilla de Le Corbusier, se plantea un monasterio para las hermanas Clarisas Pobres. Las habitaciones son de 2.7 x 2.7 m y se hallan concatenadas linealmente en grupos ubicados hacia el este de la colina Bourlemont, disfrutando una vista del valle pero sin perturbar, como dije, la visual desde la capilla.





El programa comprende doce “celdas” o unidades de vivienda mínima para las monjas, cada una con un jardín de invierno, además de áreas comunales, oratorio y alojamiento para visitantes.


El monasterio cuenta con su propia capilla.

El monasterio cuenta con su propia capilla.

La orientación hacia el oeste y la fachada acristalada permiten una generosa iluminación e integración con la vegetación circundante.



El vocabulario, simple y minimalista empleado en esta ocasión por Piano, refleja la función austera y espiritual de las hermanas. La ligereza de su propuesta no le quita protagonismo a la robustez escultórica de la capilla corbusiana.



El acabado y sencillo mobiliario en madera contribuye a dar calidez y serenidad a estos ambientes, ocupados por monjas en su mayoría de avanzada edad.


Fotos cortesía de Michel Denancé

***

En mi opinión, el reclamo de algunos sobre la intervención en Ronchamp se debe a que se tiende a ver a la capilla como un monumento moderno más que como un edificio religioso. La obra de Piano logra el difícil reto de crear arquitectura contemporánea sin desvirtuar el paisaje ni el carácter de la obra maestra de Le Corbusier, y al mismo tiempo cumple un requerimiento de función: la capilla no es un monumento solitario en la cima de una colina sino fundamentalmente un lugar de culto, y por tanto el monasterio anexo soporta y complementa estas funciones.

VER TAMBIÉN

OTRAS OBRAS DE RENZO PIANO

Renzo Piano en el lugar de la obra

PROYECTO VÍA PARQUE RÍMAC. LIMA, PERÚ

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PRIMER PROYECTO DE CONCESIÓN DE VÍAS EXPRESAS URBANAS DE LIMA: PROYECTO VÍA PARQUE RÍMAC.
Invitado: Arq. José A. Oviedo L.*

Se encuentra en marcha desde fines del año 2011 la construcción del proyecto de Iniciativa de Inversión Privada (IP) VÍA PARQUE RÍMAC (antes denominado IP LÍNEA AMARILLA en su Declaración de Interés), y siendo un evento trascendental para el futuro de la ciudad de Lima merece ser compartido, no solo por su contenido y bondades técnicas que resumiremos, sino por el hecho de ser la primera experiencia de concesión de vías expresas urbanas a la inversión privada como fórmula de desarrollo y sostenibilidad del alto tránsito urbano, que trasciende los tiempos de gestión edil, lo cual aunado al contexto económico peruano e internacional ha dado un marco de confianza para que se propongan nuevas iniciativas semejantes, para incrementar bajo concesión mayor infraestructura vial a Lima, que tiene grandes necesidades y limitado presupuesto.

El Parque de la Muralla será integrado a un conjunto integrado de espacios públicos frente al río Rímac

CONTEXTO
El proyecto consiste en un sistema vial expreso total de 23km que comprende 14km de vías existentes y 9km de vías nuevas que forman parte del plan vial del Sistema Vial Metropolitano (Ord. Nº 341-MML) y se localiza en el corazón de la Ciudad de Lima Metropolitana, capital de la Provincia de Lima y de la República del Perú en la que se estima una población urbana de casi 9’000,000 habitantes.La Vía de Evitamiento sumada a Vía Parque Rí- mac es estratégica, por ser parte del eje vial expreso más importante de la ciudad, pues es el único recorrido continuo de casi 100km que articula la ciudad de norte a sur (junto a ambas autopistas Panamericana, Norte de 32km y Sur de 54km), por lo tanto es utilizado como eje troncal de transporte privado, público y de carga de casi todos los sectores de la ciudad y del país, razón por la cual tiene un alto aforo vial y por ende concierne e impactará favorablemente a la ciudad y al país. Además, la Vía de Evitamiento es el tramo de autopista que, complementado por el nuevo tramo hacia el oeste, también tendrá un rol estratégico al enlazar el este y el oeste de la ciudad, lo cual explica la concentración de tránsito en ese tramo, y justifica la necesidad de intervenir dicho tramo con un proyecto de gran envergadura y la ampliación de su capacidad al doble frente al Centro Histórico gracias al túnel debajo del río Rímac.




DESCRIPCION DEL ALCANCE DEL PROYECTO
La Vía de Evitamiento es una autopista de 14km entre los intercambios viales de las intersecciones con las avenidas Javier Prado al sur y Habich al norte, que comunica las autopistas nacionales e interregionales Panamericana Norte (32km) y Panamericana Sur (54km), conformando el “eje Panamericana”, que paralelo al Océano Pacífico atraviesa de norte a sur Sudamérica, el Perú, y la ciudad de Lima con casi 100km de autopista urbana entre los distritos de Ancón y Pucusana; pero Vía de Evitamiento también atraviesa el Centro Histórico de Lima (en adelante CHL) con casi 4km de recorrido, con la alta demanda de un aforo diario allí de hasta 117,000 vehículos diarios y simultánea congestión (velocidad promedio de hasta 4kmh en hora punta), debido a su deficiente y limitada capacidad física.



La parte estratégica de esta concesión son las obras de un tramo nuevo de autopista de 9km hacia el HUB Callao, que consisten en que el mayoritario tránsito de paso de Vía de Evitamiento, será captado en ambos sentidos (norte y sur) por una serie de viaductos e intercambios de derivación hacia un túnel de casi 2km que pasará debajo del lecho del río Rímac acatando el compromiso de preservación histórica del entorno arquitectónicourbano monumental y paisajístico del CHL que está declarado como patrimonio cultural de la humanidad por la UNESCO desde el año 1991 (lo que impide ensanches viales superficiales), dejando la antigua avenida Evitamiento superficial como una vía de menor intensidad (accesos y salidas) dando alivio al ambiente del CHL.La nueva vía expresa se inicia con un intercambio vial a desnivel en viaductos sobre Puente Huáscar en la frontera sur del CHL, recorre 1km por la margen derecha del río al costado de lo que será el parque Cantagallo de 25há, y luego de pasar debajo del Puente Huánuco empieza a deprimirse para ingresar al túnel de 2km debajo del lecho del río, y luego de cruzar debajo de los dos puentes históricos Balta y De Piedra o Trujillo, la ruta vuelve a ascender debajo del Puente Santa Rosa para ingresar al conjunto de viaductos de derivación del norte sobre Puente del Ejército-Trébol de Caquetá para retornar el tránsito de paso con rumbo a Panamericana Norte o virar hacia el oeste rumbo al puerto y aeropuerto del Callao, utilizando una ruta de casi 5km del derecho de vía ensanchado de la Avenida Morales Duárez existente, completando una ruta estratégica que estuvo planificada pero inconclusa desde el plan vial del año 1948 (Esquema Básico Regulador de Lima, que desde entonces tenía concebido un gran intercambio de derivación “A” al oeste), la cual fue postergada por la invasión de su recorrido por viviendas precarias colindantes a la margen izquierda del río Rímac (que es una zona en ladera de alto riesgo físico).



El proyecto mediante un Plan Integral de Reasentamiento involuntario (PACRI) reubicará a la población afectada en ese recorrido a nuevas viviendas multifamiliares a ser ejecutadas a cargo de la concesionaria en la misma zona a nuevas viviendas o los propietarios de predios mayores pueden decidir optar por ser expropiados y debidamente indemnizados, resolviendo un problema social y ambiental que no pudo enfrentar la inversión pública.Inicialmente el proyecto Línea Amarilla implicaba (Sección 2), la construcción de la infraestructura de vías y estaciones necesarias para la ejecución a cargo de la ciudad de un corredor segregado de Alta Capacidad (COSAC) para transporte público masivo, a lo largo de los 14km de la Vía de Evitamiento existente. Pero la nueva gestión edil 2011, decide sustituir esa obligación complementando esta obra vial, con el desarrollo de la recuperación del paisaje natural de ambas márgenes de la cuenca del río y áreas colindantes a lo largo de su recorrido, en un espacio urbano que se conoce como el igualmente postergado proyecto del Parque Metropolitano del Río Hablador, cuyo mayor parque denominado Cantagallo ubicado frente al CHL desocuparía y rehabilitaría aproximadamente 25há de áreas verdes y de equipamiento en una de las zonas más densas, áridas y contaminadas de Lima; además se optimizará el trazo de la nueva vía hacia el oeste reduciendo la cantidad de afectados e incrementando el presupuesto de reasentamiento para las viviendas informales, lo que significará una ampliación del plazo de concesión.


La ruta de Evitamiento albergaría uno de los Corredores Complementarios de transporte racionalizado de acuerdo a las nuevas políticas de transporte público.Las obras del túnel que no requieren de concluir las expropiaciones ya se iniciaron con las obras de canalización y desvío de las aguas delrío, lo que tomará hasta 2 años de obras.




SÍNTESIS ECONÓMICA FINANCIERA DE LA IP VÍAS NUEVAS DE LIMALa IP Vía Parque Rímac, consiste en un Monto Referencial de Inversión de USD 461MM, que comprenden los Estudios Definitivos de Ingeniería, Ejecución de Obras e Interferencias con redes de servicios, Plan de Reasentamiento Involuntario y las Expropiaciones, además de la Supervisión especializada de sus Estudios y Ejecución.Además de la Inversión referencial, los ingresos cubren los costos de operación y mantenimiento, para conservar las vías existentes y las nuevas en óptimas condiciones físicas y funcionales de transitabilidad y seguridad de acuerdo a las normas viales nacionales (del MTC) e internacionales (Highway Capacity Manual), atendiendo las obras menores de mejoramiento constante, y la eventual ampliación para conservar el Nivel de Servicio “E”.



Infografías cortesía Diario La República

El proyecto se financiará operando la plaza de peaje Principal de Monterrico, y sus plazas secundarias de fuga o ingreso con fórmulas de actualización gradual de tarifas por inflación. Una vez concluido el túnel y sus derivaciones se instalará un peaje adicional en sus accesos.La ingeniería financiera consiste en que el proponente poniendo los ingresos de peaje y sus proyecciones en Valor Actual Neto, acude a la Banca Privada para obtener un “cierre financiero”, donde el proponente deberá invertir el 25% de recursos propios y financie a largo plazo el 75% del monto de inversión.Es oportuno considerar que el presupuesto de la ciudad de Lima que asciende aprox. a USD 460MM (uno de los más bajos para ciudades capitales de su magnitud), del cual para el rubro de infraestructura de transporte solo ha podido invertir USD 60,4MM el 2011, y presupuesta USD 88,4MM para el año 2012 (incluyendo el servicio de la deuda de proyectos previos y por construirse (incluyendo el transporte público masivo). Bajo ese escenario era imposible que la MML pudiera sostener las obras de atención al crecimiento del tráfico de Vía de Evitamiento, y menos podría acceder a un crédito de largo plazo para una ejecución de menos de 5 años como formula la IP.


Obras del túnel bajo el río Rímac

En síntesis, el proyecto Vía Parque Rímac, ha sido considerado en foros especializados, como uno de los proyectos de infraestructura vial más importantes de Latinoamérica, y constituye un ejemplo de que la Asociación Pública Privada puede ser un importante instrumento de desarrollo urbano.


Vídeo Proyecto Vía Parque Rímac

*Mg. MDI Arq. JOSÉ OVIEDO LIRA.Jefe de Evaluación Técnica - Coordinador de Proyectos. Gerencia de Promoción de la Inversión Privada (GPIP) de la Municipalidad Metropolitana de Lima (MML)Administrador del blog urbvial

VER TAMBIÉN
- Áreas ribereñas (Waterfront Development)
Junto al destacado urbanista Arq. José Oviedo en el centro de Lima

CONVERSANDO CON MARCELLO BEROLATTI (1) ARQUITECTURA VERNACULAR

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La arquitectura arequipeña, tanto colonial como republicana, además de ser un patrimonio latinoamericano reconocido por UNESCO, también se constituye en un referente para arquitectos locales que han venido proyectando en esta ciudad durante las últimas décadas. En ese contexto, Marcello Berolatti es uno de los arquitectos arequipeños actuales cuyo ejercicio profesional ha mantenido solvencia a través del tiempo, y ha practicado a la vez una continua búsqueda por plasmar en sus propuestas los valores del lugar donde proyecta.


A lo largo de su trayectoria la producción de Berolatti ha experimentado un cambio estilístico, pero en su esencia ha mantenido una especial sensibilidad por el entorno, la historia, el usuario y la sinceridad de los materiales y elementos constructivos utilizados.

Durante mi última visita a Arequipa, Berolatti (quien además de arquitecto y constructor es docente en el Programa de Arquitectura de la Universidad Católica Santa María) tuvo la gentileza de hacerme un recorrido por varias de sus obras y, además de contarme detalles sobre éstas, conversamos sobre muchos temas de la teoría y el ejercicio arquitectónicos. El presente resumen antológico de su obra se complementará con fragmentos de esa conversación y será presentado en tres partes: la primera dedicada a la arquitectura vernacular y las dos siguientes enfocadas a su producción más contemporánea.


Aulas de educación inicial, Colegio San José,Arequipa. Fueron concebidas como un "campamento" en torno a una placita.
Marcello, ¿Cómo concibes la arquitectura, en relación a la materialidad de los elementos constructivos que la componen?
Creo que efectivamente la arquitectura pasa de ser un proyecto a ser un espacio habitable cuando colocas un ladrillo sobre otro, son los materiales los que conforman la realización física de la arquitectura. Por otro lado está la historia personal y la cultura nuestra: mi padre tenía una fábrica de materiales de construcción en Puno, producía cal, yeso, ladrillos, tubos de concreto, tejas, losetas, etc., entonces mi relación con los materiales viene desde la cuna; venimos de una cultura milenaria que ha manejado muy bien los materiales, el manejo de la piedra, desde Tiahuanaco hasta la época Inca, es insuperable, ni que decir del uso del adobe, la quincha y los tapiales, en Caral han encontrado vestigios de muros de quincha, de hace cinco mil años. Una cultura que se ha expresado arquitectónicamente por medio de sus materiales, la diferencia entre la casa “noble” y la casa “popular” no se daba por la cantidad de ornamentación que pudiese tener la primera, la diferencia la notas en la sofisticación del trabajo de la piedra.
RESTAURANTE LA CHOCITA (1989)


Este restaurante se ubica en una locación privilegiada en el valle de Chilina, apostado sobre el río Chili. El concepto era hacer un proyecto que se integrara a la topografía propuesta por los andenes o terrazas que existen en esta zona desde épocas pre-incas, sin interferir agresivamente con el paisaje.


A fin de minimizar ese impacto formal y como homenaje a las tecnologías constructivas locales se planteó utilizar elementos como la madera y la paja, cobinados con otros más contemporáneos como el vidrio y el concreto.


La cobertura, sin embargo utiliza una geometría estilizada en forma de estrella, que confiere al interior una elaborada espacialidad.



Lo insólito es que muy pocos edificadores profesionales conocían el proceso constructivo con materiales tradicionales, por lo que el propio Berolatti tuvo que invertir un buen tiempo en la investigación para el mejor uso de éstos y a la vez garantizar la seguridad antisísmica y el confort al interior del local.

Fotos de "La Chocita" cortesía de Berolatti Arquitectos
Tú has sido pionero en la construcción de arquitectura contemporánea con materiales tradicionales en lugares como el Colca o Puno. ¿Cómo se conjuga la tecnología vernácula con el espacio contemporáneo? ¿Cómo se logra el equilibrio entre pertinencia y pertenencia?
Si, en nuestro taller trabajamos mucho con materiales tradicionales, no por un cliché sino porquecreemos que son en muchos casos los que más se adaptan al medio. El adobe se adapta mucho a climas fríos como el de los andes nuestros, algunas veces proponemos techos de paja porque climáticamente son una maravilla, muy frescos en el día y muy cálidos en la noche. Creo que la tecnología tradicional (me gusta más que vernácula, porque se ha enriquecido con otras culturas de las que también formamos parte), puede adaptarse muy bien a muchos requerimientos contemporáneos. Hemos hecho hoteles en adobe, piedra y paja, en el valle Sagrado hicimos hoteles con adobe, piedra y tejas; en Chilina construimos unas cabañas en Quincha; y en Piura propusimos la cobertura de una capilla con Bambú (Guadua), porque era un material que se puede encontrar en la zona, por lo tanto la gente se va a apropiar con mayor facilidad de algo que le es familiar.

En el taller tratamos de enfocarnos y buscar nuestra pertinencia en el bienestar de nuestros usuarios, lo local no viene por una búsqueda figurativa que trate de repetir formas de nuestra historia, más bien lo que hacemos es aprender respetuosamente, y sí, hay muchas cosas en que la modernidad no ha superado aún a lo tradicional (especialmente en el aspecto ambiental) y si ese es el caso, nos quedamos con lo tradicional. Esto no quiere decir que nuestros espacios no tengan una expresión contemporánea, no podrían no tenerla, porque los usos a los que están dirigidos son contemporáneos. Al mismo tiempo no es que no utilicemos las nuevas tecnologías, esto tiene que ver con cada caso en particular y aquí te comento por ejemplo la intervención que se hiso en la ex cervecería, la que ahora es el “Instituto del Sur”, era una intervención en un edificio industrial, nosotros leímos (aunque no está calificado así por el Min. de Cultura) que más que solamente un edificio industrial era un patrimonio industrial y para poder intervenirlo usamos tecnologías muy nuevas en nuestro medio, como son las losas colaborantes (veremos este proyecto en el próximo post).


Comunidad rural en Ayaviri

¿Qué retos implicó para ti la construcción del hotel Colca Lodge, proyecto de Álvaro Pastor, utilizando tecnología del lugar y a la vez creando espacios que ofrecieran confort a los huéspedes?
Primero se tuvo que adaptar todo el proyecto a la normatividad Nacional (Norma E.080) de construcciones con adobe y en esos años Alvaro Pastor vivía en Paris, lo que me impidió tener un dialogo con él para poder adaptar su proyecto con la mayor rigurosidad al proyecto original. Estamos hablando de la primera etapa, más o menos el año 1989. Esto nos implicó tener que descubrir en los planos y maqueta, el fondo del proyecto, de cómo se adaptaba al terreno, a la topografía, de cómo tomaba algunas proporciones locales en cuanto a medidas internas, de cómo su proyecto estaba pensado en una armonía con el paisaje del lugar. Fue una experiencia gratificante porque de allí aprendí mucho. En etapas posteriores ya estaba Alvaro en nuestro medio y la coordinación fue mucho más fluida.
Ya el año de 1986 había trabajado con adobe en Puno, en la construcción de postas médicas en el ámbito rural, apenas a un año de haber terminado mis estudios de Arquitectura. La tecnología no me era extraña además que como te comenté, viví mi infancia y adolescencia en la ciudad de Puno y en ese entonces como ahora está técnica constructiva es muy difundida. Lo que sí fue nuevo para mí, es la construcción de coberturas de paja, la técnica del colca es muy diferente a la utilizada en Puno, donde se usa una cama de totora (Junco lacustre) y en el Colca se usa una cama de cigarrones de paja de trigo, después ambas son protegidas con una gruesa capa de paja de puna, que es muy resistente a los drásticos efectos del clima serrano.


Hotel Colca Lodge, cerca a Chivay, Perú, proyecto de Álvaro Pastor y construido por Berolatti Arquitectos, es un importante ejemplo de utilización de tecnología tradicional para la creación de espacios contemporáneos.
HOTEL LA MAISON D'ELISE (1995)


El concepto de este hotel es el distribuir las habitaciones a manera de un pequeño poblado, a través de una secuencia de plazas y espacios abiertos. Tanto la organización espacial como la re-semantización de algunos iconos de la arquitectura arequipeña colonial -como bóvedas y contrafuertes- evocan la composición del Monasterio de Santa Catalina, el monumento colonial más importante de la ciudad. La experiencia fenomenológica que conlleva el recorrido de este acogedor hotel fue también una respuesta a la coyuntura de que el propietario fue adquiriendo este terreno irregular por partes.

Más allá de una emulación historicista , el uso de la bóveda implica una unión entre el techo y las paredes a la vez que confiere una marcada direccionalidad a los ambientes.


A lo largo de tu obra has buscado referentes en la arquitectura tradicional arequipeña ¿Cuáles son las características que más valoras en esta arquitectura?Permíteme hablar en plural cuando me refiera a la reflexión y producción en nuestro taller, es que si bien siempre es necesario un liderazgo, el trabajo es en equipo y sería ingrato e irreal de mi parte atribuirme los aciertos que podamos haber tenido, más bien como líder del equipo, me declaro único responsable de las deficiencias y desaciertos del Taller.
Ahora con respecto a tu pregunta: En nuestro taller intentamos ser muy respetuosos de la cultura del lugar, creemos que la arquitectura siempre ha sido una respuesta natural a una cultura y que una cultura siempre es el resultado de su gente y de su adaptación al medio que escogió para vivir, Al geólogo Rualdo Menegat (de quien hablas en tu blog) le escuché una frase que se me quedó grabada en la memoria, decía que una cultura no es más que la adecuada lectura del paisaje donde se asienta. Por esto donde sea que nos toque ir, tratamos de conocer a la gente, conocer su historia, su manera de construir, así no solo respetamos al lugar sino que aprendemos, ellos ya resolvieron muchos temas que nos encargan resolver, como los condicionamientos climáticos, el manejo de los materiales de la zona, la relación con el relieve y el suelo y la relación de las personas con su arquitectura, el cómo intiman con su medio construido.
Por otro lado, yo nací en Arequipa en una casona arequipeña de la calle “La Merced”, si bien de niño viví en Puno, me formé arquitecto en Arequipa y vivo en Arequipa, la arquitectura arequipeña forma parte de mi formación de cuna.




A través de los años algunos elementos estilísticos en tu diseño han ido cambiando ¿Qué es lo que ha cambiado en tu práctica profesional? ¿Qué es lo que has mantenido?
No sé, hay cosas que antes se hacía y que ahora se extraña, antes la arquitectura local era más artesanal, uno experimentaba más con los materiales, con sus características térmicas, con sus posibilidades estructurales y sobre todo con el objetivo de hacer arquitectura de calidad pero con costos muy bajos; por otro lado debo reconocer que la propuesta arquitectónica de nuestro taller todavía no era propia, había todavía mucha influencia de otras arquitecturas, lo puedes ver en el pequeño patio receptor del “Sol de Mayo”, donde colocamos un muro que fue expresamente un humilde homenaje a Barragán, lo dibujamos como un muro perforado con un arco y una vez dibujado nos dimos cuenta que ese muro era más de Barragán que nuestro, por eso decidimos trasformar el arco en una perforación ortogonal. Había también un poco de inseguridad por eso caía algunas veces en la redundancia de lo evidente, de subrayar lo evidente.



Hoy en día, el proceso constructivo es más automático, más rápido, nuestro país se mueve más rápido, algunas veces comento (con cierta tristeza) con mis estudiantes que la arquitectura ahora ya no se construye, se ensambla.

Pero nuestra reflexión sigue afianzada en el respeto a la cultura, en la sinceridad de los materiales, que pueden ser tremendamente potentes a la hora de expresar la arquitectura. Intentamos ser menos redundantes, tratamos de ser muy sutiles en la composición de nuestra arquitectura, nos dejamos llevar por el lugar, el barrio, el paisaje, creemos que la arquitectura no debe ser grandilocuente ni objetual, más bien creemos que es mejor acomodar nuestra arquitectura a un contexto determinado para intentar mejorarlo a irrumpir prepotentemente.

RESTAURANTE SOL DE MAYO (1996-97)



La renovación del restaurante Sol de Mayo, recoge el estilo aplicado en la Maison D'Elise, hotel que además pertenece a los mismos dueños. Sin bien existen algunos elementos recurrentes como el uso de muros macizos y bóvedas, éstos evidencian una mayor estilización, dando lugar a algunos artificios más contemporáneos.


Por ejemplo, la separación de la bóveda del muro, ya que esta descansa sobre pilares cilíndricos, permite el uso de luz vertical rasante, que evidencia el dramatismo de las imperfecciones en la textura de la pared. Estas imperfecciones, estudiadas y hechas adrede, por cierto, coadyuvan a establecer un vínculo con la arquitectura tradicional arequipeña, si ie el espacio es meramente contemporáneo.


En este local Berolatti muestra su admiración por la obra del arquitecto mexicano Luis Barragán, de quien se presta el uso de las fuentes trabajadas sobre planos perpendiculares.


¿Cuáles son tus referentes de arquitectura internacional?
Siempre he admirado a Louis Kahn, creo que le debemos mucho a Le Corbusier, la contundencia de la arquitectura de Mies siempre me ha cautivado. De los arquitectos latinoamericanos, en primer lugar a Barragán, de cómo integra en su arquitectura elementos tradicionales y vernáculos sin dejar de ser fuertemente moderno, su sensibilidad para con la luz y el color me enseñan mucho; el uso casi artesanal de los materiales de Rogelio Salmona y nunca dejaré de admirar a Oscar Niemeyer y la gran plasticidad de su arquitectura.
Y de los arquitectos locales, debo referirme a Alvaro Pastor. No tuve la suerte de tenerlo como profesor en la universidad, pero si he tenido la suerte de construir alguno de sus proyectos, esto me dio la oportunidad de interactuar con él, creo que sin pensarlo me ha enseñado mucho.


PROTOTIPO DE VIVIENDA DE PASTORES EN LLALLI, PUNO, 2011


- ¿Cuál es tu experiencia en el proyecto de vivienda para pastores alto andinos que has planteado en Puno?
Es un proyecto muy interesante, en él propone una alternativa de vivienda saludable a las familias de pastores de camélidos sudamericanos especialmente alpacas que viven por encima de los 4000 m.s.n.m. Primero en esos lugares el clima es muy frío ventoso y seco; esto obliga a que la familia se desintegre, viviendo el padre en las zonas de pastoreo y la madre con los hijos en los pueblos más bajos donde el clima es más benigno y los niños tienen acceso a las escuelas y servicios. Algunas veces cuando el trabajo lo requiere, la madre ayuda al esposo en las labores de pastoreo, dejando solos a los hijos, con el consecuente desarraigo familiar que esto implica.
El proyecto es promovido y financiado por una empresa textil muy conocida en el medio, la idea es contar con una vivienda más digna en términos de espacio y salubridad, de manera que la familia no se desintegre, que los niños puedan regresar a la casa paterna semanalmente o todos los días dependiendo de la distancia.
Lo primero que pensamos fue en dotar a estas familias de una tipología de vivienda que responda a los patrones de asentamiento propios en el lugar, por eso es que propusimos como unidad de vivienda una “cancha andina”, que consiste en un patio central de 7 x 7 metros flanqueado por tres habitaciones que abrigan el patio y cuarto lado orientado hacia los corrales que hay que vigilar. Este es una tipología ancestral que data de épocas pre incaicas. Se propuso también la implementación de muros trombe para calentar las habitaciones, un paso abrigado entre la cocina y el dormitorio, cocinas mejoradas y un invernadero donde se puedan cultivar hortalizas y criar cuyes (principal fuente de proteína en la sierra peruana).


Planta
Elevaciones
Cortes

Continuará en el siguiente post.

VER TAMBIÉN
- ARQUITECTURA AREQUIPEÑA CONTEMPORÁNEA

CONVERSANDO CON MARCELLO BEROLATTI (2): ARQUITECTURA EDUCACIONAL

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El anterior post estuvo dedicado al trabajo del arquitecto arequipeño Marcello Berolatti relacionado con la arquitectura vernacular y su aplicación para funciones actuales. En esta segunda entrega, presentaré algunas obras de Marcello Berolatti realizadas en un lenguaje contemporáneo. relacionadas a la adaptación a arquitecturas modernas preexistentes para fines educativos.

INSTITUTO DEL SUR (2011-12)



En los últimos años se ha puesto énfasis a la renovación de antiguas estructuras industriales para otros fines como viviendas, oficinas o incluso áreas de exhibición (el Museo Judío Contemporáneo de San Francisco de Libeskind and el Tate Modern en Londres por Herzog y De Meuron son dos ejemplos elocuentes, presentados anteriormente en este moleskine). Hay sin embago pocas referencias de esta adaptación de edificios industriales para fines educativos. Tal es el caso del Insituto del Sur, ubicado en el barrio de Vallecito, Arequipa, en un lote alargado, irregular y de complicada topografía.

En 1998 se crea el Instituto del Sur sobre las instalaciones de la antigua fábrica de cerveza, uno de los más emblemáticos ejemplos de arquitectura industrial del mediados del siglo XX en Arequipa, la cual se organiza en torno a un patio..



El proyecto de Berolatti para la adaptación de estos espacios para fines académicos, evidencia y pone en valor su carácter industrial. Este aspecto se percibe en el esfuerzo por mostrar los elementos estructurales –vigas y columnas metálicas- de la antigua construcción industrial y por resaltarlos con colores diferenciados.






Obviamente, el uso educativo ha sido resuelto teniendo en cuenta la funcionalidad, iluminación y acústica que le son inherentes, pero con el reto de superponerla eficientemente a una estructura preexistente.



En el proyecto de rehabilitación del Instituto del Sur propusiste la puesta en valor del patrimonio industrial. ¿Qué aspectos has considerado para ello?
Varias cosas, lo que más me conmovió de esta nave era la estructura, una estructura metálica de inicios del siglo XX, con vigas en H con remaches y columnas metálicas expuestas; decidimos no ocultar la estructura, más bien la evidenciamos, ahuecamos el entrepiso todo lo que el programa nos permitió para que tanto vigas como columnas se evidenciaran.


La estructuración de nuestra intervención también tuvo que ser metálica, pero por un acto de delicadeza y respeto al edificio original ya no se usaron remaches sino soldadura y al mismo tiempo pintamos las estructuras nuevas de otro color; los cielos rasos acústicos (necesarios por el nuevo uso) se separaron de las vigas ocultando una iluminación indirecta que evidencia en su primer plano a las vigas, dándoles presencia y homenaje. Las paredes laterales de la nave siempre estuvieron revestidas, por lo que decidimos dejarlas así (aunque tuviesen en su interior una preciosa mampostería de ladrillo).
Vista del auditorio
Detalles de la carpintería metálica

UNIVERSIDAD SAN PABLO (2004-09)



"El concepto de interfase se basa en reconocer el punto de contacto entre dos o más sistemas, como el sitio de mayor intercambio de materia, energía e información entre esos sistemas.
Si se detectan las interfases, se atiende lo esencial de los sistemas en interacción. Entrando por las interfases se está más cerca de reconocer prontamente la identidad y la complejidad de esos sistemas.
Proyectar las interfases es proyectar el ADN de un territorio o de una ciudad."
 Rubén Pesci en Ambitectura:



En 1978, a orillas del río Chili se construyó un hotel, proyecto de los arquitectos limeños Cooper, Graña Nicolini. Lamentablemente el edificio fue abandonado y por décadas fue habitado por malvivientes y posteriomente fue utilizado como centro de prácticas de la policía. Era realmente lamentable la condición de abandono de este edificio, ubicado en tan importante locación paisajista. Berolatti asumió entonces el reto de la transformación de esta infraestructura hotelera en una universidad.





Es más, convirtió el proyecto de la universidad en una interfase entre el río y la ciudad, diseñando para ello grandes explanadas verdes como frente ribereño, semienterrando nuevos pabellones de manera que sus techos puedan ser también usados como expansiones de césped y reforzando en lo posible la relación interior-exterior.



Esta relación del edificio con su entorno paisajista tiene también un fin educativo, el fomentar en el estudiante el valor por la naturaleza y el ambiente. De allí que, en algunos casos, el usuario sea expuesto a elementos del medio, como el sol, el viento o la lluvia, así como el murmullo del río.

Al interior, el uso de la luz vertical no solamente provee de una cálida iluminación a las circulaciones, sino que evidencia la rugosidad de la textura en la pared lateral. La luz cenital expresa una conectividad entre el espacio interior y el ambiente externo, casi en una forma filosófica más que meramente funcional. Es también un elemento recurrente en la arquitectura de Berolatti.


¿Cuál es el rol que cumple la Universidad San Pablo con respecto a la ciudad y el río?
Este fue un tema que nos gustó mucho, la Universidad Católica San Pablo (UCSP), compró con asesoramiento de nuestro taller un hotel abandonado por casi 30 años, junto con un terreno de más de veinte mil metros cuadrados en el valle del río Chili, colindando con el Valle de Chilina (sobre el mismo río). Es una locación difícil, por el gran impacto que este edificio tenía con respecto a la campiña.
Nosotros entendimos el tema casi desde el principio como una “interfase” entre la campiña que hay que preservar y defender y la ciudad que tiende (y muchas veces lo logra) a comerse las campiña.

Entonces resolvimos que las intervenciones de remodelación y ampliación deberían ser lo más discretas posible, que deberíamos mitigar en lo que se pudiera el impacto del edificio existente y de las ampliaciones que debieran hacerse. Y siempre pensando que la Universidad debería hacer docencia no solo en sus aulas sino también en la forma cómo se asentaba en un lugar tan difícil.El edificio entonces fue discretamente intervenido y las ampliaciones se concentraron en un pabellón que literalmente se enterró casi en su totalidad, aprovechando un desnivel de aproximadamente 6 metros.


Vista exterior del auditorio
Deatlle de la capilla


Nuevo bloque de aulas en construcción.

En el próximo post finalizaremos este ciclo de conversaciones con Marcello Berolatti algunos ejemplos de su diseño de vivienda unifamiliar. Hasta entonces.

VER TAMBIÉN:
- EDUCACIÓN SUPERIOR.

- PUESTA EN VALOR DE ARQUITECTURA INDUSTRIAL.



CONVERSANDO CON MARCELLO BEROLATTI (3): VIVIENDA UNIFAMILIAR

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Esta es la entrega final dedicada a la obra del arquitecto arequipeño Marcello Berolatti. Las dos primeras estuvieron dedicadas a su apuesta por la arquitectura vernacular y a la conversión de edificios exitentes a edificios académicos respectivamente. El presente post se enfoca en la vivienda unifamiliar de clase media, y la respuesta del arquitecto tanto a las limitaciones económicas y culturales del medio como las limitaciones que se auto impone un arquitecto al diseñar su propia vivienda.

CASA ESTUDIO BEROLATTI (2009-10)


Diseñar la casa propia es a la vez, para todo arquitecto, un sueño y una pesadilla. Y es que nadie conoce sus necesidades personales como el propio arquitecto, pero al plasmar su diseño debe encontrar el balance perfecto entre funcionalidad y belleza, el equilibrio entre algo que mostrar a los clientes y amigos (como lo hizo Frank Lloyd Wright en Oak Park) o más bien buscar el refugio austero que permita al proyectista concentrase sin distracciones (a la manera de Luis Barragán en México).

Enlace

La respuesta de Berolatti se acerca más al segundo caso, optando por una propuesta moderna de proporciones minimalistas.



"- ¿Qué retos implican para un arquitecto el diseñar su propia vivienda?
Entiendo tu pregunta, porque creo que lo más difícil para un arquitecto es tener que afrontar el diseño de su propia casa, ya sea que uno tiene más o menos la libertad de poder proponer libremente o las ganas de poder plasmar allí todo; por esto, la actitud que tomé fue considerar a mi familia como un cliente más, me obligué a separar mi condición de arquitecto de mi condición de usuario, conversé el proyecto con mi esposa para poder llegar al proyecto construido.



En un terreno irregular y de topografía agreste, ubicado en el distrito de Sachaca cerca al Palacio de Goyeneche y al otrora pintoresco balneario de Tingo, Berolatti dispone dos bloques en los que acomoda su estudio arquitectónico y su vivienda. El estudio se ubica a la misma altura de la vivienda, pese a que por topografía se acomoda en un segundo nivel sobre la cochera.



- ¿Cuáles son los conceptos de diseño que has aplicado en tu casa-estudio?
Lo primero que pensé es que debería ser una casa muy sencilla, que debería adaptarse al contexto, con condiciones climáticas adecuadas y espacios agradables para vivir; por otro lado, el terreno ofrecía unas vistas muy agradables hacia la campiña arequipeña y restricciones normativas nos obligaban a retirar la casa al extremo posterior del lote (ahora agradecemos esto), lo que dejaba un área a construir con una orientación poco favorable con respecto al asoleamiento.
Entendí, que debería orientar todas la habitaciones al paisaje, por donde recibirían sol solo en las tardes.

Quedó un espacioso jardín delante , el que balconea al paisaje, para cerrarlo un poco y darle mayor intimidad, se colocó a un costado el volumen de nuestro taller de arquitectura, con ingreso propio desde la calle, pero que de alguna manera participa también del jardín.



Nos hemos preocupado de que la covivencia de ambos volúmenes: taller y casa , no se vean afectados por invasiones a la privacidad que ambos requiren, por lo que, si bien están juntos, tienen cada uno su propia independencia, sin dejar de tener una circulación entre ellos.

El taller es un prisma también muy sencillo, el frente esta abierto hacia un balcón que mira al paisaje y al sol de la tarde, a un costado tiene una ventana horizontal corrida que deja filtrar la luz a nivel del área de trabajo. En el costado opuesto, exite una iluminación cenital, que brinda luz filtrada por paneles translúcidos de policarbonato, lo que la convierte en una lámpara corrida de luz natural y en la noche se convierte en una lampara eléctrica."

La fachada del estudio se halla enmarcada por un marco de concreto que acoge un balcón y una celosía de madera, lo que implica un estudio por otorgar buena calidad bioclimática del interior.



Un detalle interesante al interior del estudio es la ventana en forma de cinta lateral, que ofrece magníficas vistas de la campiña circundante pero que está alineada a la altura de un usuario sentado (un gesto que me recuerda a muchos restaurantes japoneses, que tienen las ventanas hacia el jardín a la altura de los ojos del comensal sentado). “Es un premio para los que trabajan” bromea Marcello. “Los que están de pie sólo ven los techos de las construcciones vecinas”.



La casa está precedida por una explana de césped, que se asienta sobre una antigua terraza agrícola. Aprovechando la topografía, desde afuera este patio está definido por un cerco alto, pero desde adentro, éste sólo es un parapeto de 80 cm.


Fachada lateral



La fachada de la casa hacia la calle es maciza, simple e introvertida, debido a que explota sus mejores visuales hacia el jardín hacia donde se vuelcan también los ambientes sociales y los dormitorios en el segundo nivel.




La casa en sí no ocupa mucha área, pero amplía su sensación espacial gracias a la doble altura en la zona de la sala.





Dos vistas de la sala: Izquierda, una lámpara por Ana María González. Derecha, una pintura de José Alvarez.

Hacia atrás, la circulación se desarrolla como una escalera lineal y transparente ubicada bajo un pozo de luz alargado, lo cual permite una generosa iluminación y una lectura clara del espacio interior. Este es un tema recurrente en otros proyectos de Berolatti, como veremos en la siguiente Casa Vertical.


El clima en nuestra ciudad es seco, por lo que las diferencias de temperatura en el sol y en la sombra son bastante considerables, es por esto que decidí colocar en la parte posterior una gran claraboya lineal que le de un equilibrio térmico a la casa; esta deja pasar el sol y la luz a raudales sobre el pasillo del segundo piso. De allí una cosa llevó a la otra, se propuso una escalera muy ligera para dejar filtrar la luz hasta el primer nivel, se texturó y pintó de amarillo la pared que recibe sol prácticamente todo el día con la finalidad de dramatizar la luz, de manera que sirviera de luminoso telón de fondo a toda la casa.

CASA VERTICAL (2011-12)



Esta casa se ubica en el distrito de Cayma, en un estrecho lote de 18 x 8 m y con una pendiente de 45°. La casa se desarrolla teniendo a la circulación como eje de la composición. Esta se evidencia en un muro curvo que transcurre longitudinalmente al lote y que aparece dramáticamente como un corte a la fachada.


La escalera asciende junto al muro curvo de concreto visto, que hace su aparición cortando la fachada. La luz cenital acompaña la ascensión, y dramatiza la textura del muro de concreto, contrastando con la blancura del resto de la casa. La circulación va hilvanando ambientes sociales tangenciales en los tres niveles.





En el segundo nivel hay un despliegue de elementos simples que conforman un conjunto equilibrado de gran calidad visual: la composición de la columna, el parapeto y las barandas me evocan a la casa Curutchet y su juego de volúmenes bajo la luz (como diría Le Corbusier).


Tal vez el aporte más significativo de la casa es la de haber explotado su espacialidad, logrando una sensación espacial amplia, luminosa y holgada en un tereno estrecho y con muchas limitaciones.



Finalmente, como docente de arquitectura, ¿qué criterios recomendarías a los estudiantes que se adentran a la profesión?
Hace dos días conversaba con los alumnos recién egresados este año y lo que les recomendé fue principalmente que no sucumbieran ante la vorágine de las inversiones inmobiliarias que muchas veces lo que logran no es otra cosa que destrozar la ciudad. Hablábamos también de la tradición, de la cual tenemos mucho que aprender; hablamos de la técnica, que hay que saber utilizar, aprovechar; y hablamos de la ciudad, de la gran responsabilidad que tiene el arquitecto en la ciudad, con los espacios públicos, y que el arquitecto es en gran parte responsable de que la ciudad sea más humana, dependiendo por ejemplo de cuán abiertos al espacio público sean los edificios.Por último estuvimos de acuerdo en que nada de esto tiene sentido si no está basado en una fuerte y profunda reflexión.
VER TAMBIÉN

VIVIENDA UNIFAMILIAR



Junto a Marcello y Luccia, en la casa de los Berolatti

EL CAMPUS UNIVERSITARIO DE LA FEFU EN LA ISLA RUSSKY, VLADIVOSTOK

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ENGLISH

El campus de la Universidad Federal del  Lejano Oriente (FEFU en inglés o DVFU en ruso) es uno de los más modernos de Rusia. Ubicado en la llamada isla Russky, se conecta a la ciudad-puerto de Vladivostok a través del puente más largo del mundo. Su construcción simboliza la modernización de esta ciudad (que había estado olvidada por Moscú durante décadas), y una apuesta para el desarrollo de una arquitectura integrada  al paisaje.



ANTECEDENTES
Russky (97.6 km²), una gran isla más grande que la de Hong Kong, ubicada al extremo sur de la península Muraiov-Amurski, sirvió como base militar desde hace más de un siglo, pero tras la caída de la Unión Soviética sus numerosas fortificaciones  quedaron abandonadas. La isla posee numerosas formaciones geográficas, entre ellas la pequeña bahía de Ajax que sirvió de marco perfecto para construcción del nuevo campus de la universidad, luego de ser usada como sede del APEC, Asia Pacífica Economic Cooperation 2012. 



Este evento fue una oportunidad para Rusia para prestar su atención hacia las economías del Pacífico. Puede resultar irónico pero a pesar de su localización estratégica, desde la Revolución soviética Vladivostok mantuvo su mirada hacia Moscú, y fue una ciudad de acceso limitado para los propios  rusos. La consecuencia de ello tras la época comunista fue una continua disminución poblacional debido a la falta de oportunidades. Ante la crisis económica europea y el acelerado crecimiento chino en la zona, el desarrollo de Vladivostok y la isla Russky se volvió una prioridad para el gobierno ruso.


El campus durante su proceso de construcción

He sido testigo de ese rápido desarrollo. Cuando vine por primera vez en el 2009 la ciudad carecía de muchos servicios y lucía lúgubre y atrasada. En marzo de 2012 estaba en pleno proceso de construcción trabajando contrarreloj para culminar a tiempo las mega-obras para el evento. En octubre de 2012 la ciudad parecía irreconocible con respecto a aquella que vi apenas tres años atrás, engalanada como una novia que acaba de despedirse tras su fiesta de matrimonio. Algunos de los equipamientos más importantes que se construyeron fueron el nuevo aeropuerto y su autopista, dos nuevos puentes, una planta de tratamiento de residuos y el nuevo campus de la universidad.


 Durante el APEC 2012, evento que congregó a los países del Asia-Pacífico

 Puente Russky (o Puente Ruso), el más largo del mundo 


EL NUEVO CAMPUS
Tal vez el aspecto que más valoro en el diseño de la ciudad universitaria es su respeto al sitio y a la topografía, especialmente por que contrasta con el trazo de varios sectores de la ciudad, que copiaron la plantilla de unidades habitacionales diseñadas en Moscú o San Petersburgo sin consideración del agreste  relieve del territorio  o el clima en que se sitúan. Esta circunstancia dificulta la vida cotidiana, especialmente durante las fuertes lluvias en verano o las heladas en invierno.


Este tipo de inundaciones se repiten cada año en la ciudad debido al mal diseño del trazado urbano y a la falta de infraestructura de desagüe pluvial. Ambos aspectos han sido tenidos en cuenta en el nuevo campus universitario.

En contraste, los numerosos edificios que componen el campus universitario se disponen radialmente siguiendo un trazado paralelo a la topografía de la bahía. La conformación geográfica abraza la configuración urbana de la universidad, casi como una matriz que protege un organismo en su interior. 


El trazado se asienta gentilmente en el relieve a través de tres calles paralelas y concéntricas. Existen pocas vías perpendiculares, el resto es asumido por caminerías peatonales. 



De las 120 hectáreas que componen el campus 54 corresponden a parques y áreas verdes, lo permite  una buena calidad ambiental y visual, posibilita que todos los edificios gocen de visuales al mar y al mismo tiempo absorbe las áreas con mayor dificultad de relieve topográfico. En el centro de la composición radial se encuentra un gran parque que culmina en un malecón estableciendo un borde con el mar. Las diferencias topográficas son aprovechadas para generar caídas de agua, tratamientos paisajistas o pequeños bosques que complementan el recorrido a través de la ciudad universitaria.


Detalles del diseño paisajista del parque

Los edificios se agrupan en 3 áreas: al centro se ubica la zona administrativa, hacia el este laboratorios y aulas y hacia el norte las residencias universitarias. 
El ingreso principal está presidido por un edificio de 8 niveles que contiene servicios múltiples, un banco y las oficinas del rectorado. En su fachada principal aparece como un cubo fragmentado, al que se superponen aristas de cristal.


En la parte posterior la fachada es dominada por una gran pantalla acristalada de forma convexa. El edificio es coronado por un gran parasol que da unidad a la composición del volumen.


El edificio envuelve un gran hall central al que balconean numerosas terrazas y que goza de una espectacular vista gracias a un generosa pantalla acristalada de forma ligeramente curva. 



Esta concavidad es soportada por una doble membrana de vidrio que descansa sobre una estructura de acero. 
A ambos lados de este se ubican numerosas funciones administrativas y de gestión, auditorios, comedores y oficinas. Sucesivamente se encuentra bloques que contienen, aulas, laboratorios salas de reunión, etc. 
En un extremo se halla la piscina y el gimnasio , que es utilizado en algunas oportunidades para eventos regionales e internacionales.


Detalles del gimnasio y piscina, que es también uno de los edificios de la Facultad de Artes, Cultura y Deportes

Un detalle importante es que esos edificios se hallan vinculados por puentes de acero y cristal que al margen de darle una imagen futurista al conjunto son de especial utilidad durante los largos 6 meses de invierno en los que la temperatura puede llegar a 25 grados bajo cero.

Un puente conecta dos de los edificios de la Facultad de Artes, Cultura y Deportes
 

Presentando un estilo ecléctico y diferente a las áreas administrativas educativas los dormitorios (llamados aquí hoteles) son dispuestos en forma de u abierta hacia el mar y presentan una volumetría aterrazada,también integrándose al relieve topográfico y cuya forma contrasta con los masivos bloques que caracterizaban los dormitorios del antiguo campos,  ejemplos de la lúgubre arquitectura moderna soviética. Además de residencias, estos hoteles incluyen comedores, restaurantes, servicios y minimercados.

La biblioteca, a la derecha, es uno de los edificios que ha quedado en el antiguo campus de la universidad, en el centro de Vladivostok. Al fondo se observan los antiguos dormitorios en estilo moderno de la época soviética.

El aterrazamiento de las residencias evoca la pendiente de la topografía de la isla.

Durante el verano, la población hace uso del parque y la playa

Otros edificios complementarios incluen el terminal de buses que hacen servicio interno en la ciudad universitaria, el centro médico y la planta de energía, que si bien se encuentra fuera del campus, es la que provee agua caliente a toda población de 20,000 estudiantes que habita en la universidad.

El nuevo campus de la Universidad FEFU se ha convertido en un nuevo símbolo para el desarrollo de la ciudad y en particular de la isla Russky. A pocos kilómetros se encuentra en construcción el nuevo acuario de la región de Primorie y dado el enorme potencial de la isla se vislumbra en desarrollo de nuevos centros de investigación y recreación de alcance metropolitano regional e internacional. Sin embargo esperamos que esta sea una oportunidad para hacer también un ejemplo de desarrollo ambientalmente viable.


El nuevo acuario, que deberá ser culminado el próximo año


VER TAMBIÉN:
EDUCACIÓN.
Con un grupo de estudiantes de la universidad

CONGRESO MUNDIAL DE ARQUITECTURA. DURBAN, SUDÁFRICA 2014

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Hace tres años comentamos en este blog el desarrollo del Congreso Mundial de Arquitectura, realizado en Tokio, Japón. En esta ocasión, y tras 66 años de historia, el más importante evento global de arquitectura se realizará por primera vez en el África Subsahariana, concretamente en la ciudad de Durban, Sudáfrica.
El tema de la conferencia es la Achitecture: Otherwhere, un provocativo juego de palabras que significa "Arquitectura, otro sitio menos aquí", el cual refleja el espíritu rebelde e innovador de este evento que buscará discutir "otros" lugares, problemas y soluciones, "otros" puntos de vista de aquellos arquitectos que frecuentemente han sido privados de voz y cuya obra e ideas no se discute en los medios arquitecturales tradicionales. 


El congreso abarcará 3 subtemas principales:
Resiliencia, que se explorará a través de ideas de emergencia, reducción de la pobreza y economía espacial, concretamente explorando estrategias comunales e intervenciones críticas que contribuyen a la disminución de la pobreza, el rol del gobierno en la inversión y la reconfiguración de la economía espacial para el beneficio de todos. 
Ecología, enfatizando el rol del arquitecto en una red interconectada y sistémica fomentando una perspectiva a largo plazo en el diseño del ambiente construido. 
Valores, analizando críticamente las experiencias de práctica y enseñanza, intentando fomentar valores de relación con el planeta respeto a la diversidad y comunicación con la comunidad. 
En días sucesivos compartiré algunas experiencias de este evento.
Hasta entonces 


VER TAMBIÉN

- UIA TOKIO 2011: DISEÑO 2050.




TOYO ITO. BEYOND DISASTERS

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Durante el Congreso Mundial de Arquitectura en Tokio en 2011, Toyo Ito junto a otros arquitectos japoneses compartieron algunas ideas para la recuperación de la zona afectada por el tsunami que había golpeado Japón apenas meses atrás. Tres años después, en Sudáfrica, fue muy interesante escuchar las propuestas de Ito y algunos de sus proyectos culminados. Su presentación “Beyond Disasters” (más allá de los desastres) ofrece una visión sobre su concepto de “House for All” (Casa para Todos), una alternativa de vivienda para los más de 150 ,000 damnificados del maremoto que están actualmente viviendo en viviendas temporales.


Dado que el gobierno no apoya sus iniciativas, estas son pequeños módulos experimentales que albergan algunas personas y les proveen de sustanciales mejoras en su calidad de vida, aún usando recursos limitados .Ito explicó que el rechazo gubernamental se basa en un principio de equidad, prefieren dar viviendas de baja calidad para todos antes que privilegiar a unos cuantos. Por tanto las propuestas de Ito se deben hacer con fondos privados. Sin embargo esta política no toma en cuenta las necesidades sociales de la gente. Muchos de estos damnificados lo han perdido todo: casa, familia, amigos. Por eso muchos de ellos preferían la vida en los gimnasios donde fueron localizados originalmente, pero donde podían interactuar con otras personas, a su vida solitaria en las casas de refugiados.


Por tanto, el concepto de “House for All” se basa en tres principios: 1) Las casas deben ser creadas y construidas por todos. 2) Se deben recuperar las conexiones. 3) Deben fomentar la energía de vivir

Actualmente se han realizado 11 “Casas para todos” cada una especializada en alguna función especial, con áreas comunales o espacios para comunidades agrícolas. Ito enfatizó la importancia del diálogo con los habitantes quienes enfatizaron la importancia de espacios para interacción social dentro de la vivienda. En este pequeño ejemplo, fue diseñado un pequeño corredor abierto “engawa” donde la gente puede tener interacción social. “Ellos sintieron que tenían su casa de vuelta” dice Ito.


Finalmente, es interesante observar el impacto que estas propuestas han tenido en Ito como arquitecto, que ha evolucionado de un intelectual preocupado por crear una arquitectura hiper tecnológica, a un profesional preocupado por las implicancias sociales de la arquitectura, por aprender de la gente y regocijarse en las experiencias positivas que incluso un pequeño edificio puede traer a sus habitantes.

 “¿Qué es arquitectura?” se pregunta Toyo Ito. “Arquitectura es un lugar para que la gente se encuentre y comunique” 
 

 VER TAMBIÉN
- OBRAS DE TOYO ITO

 

CASA MELNIKOV Y EL CONSTRUCTIVISMO RUSO

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En la apacible calle Krivoarbatsky, paralela a la bulliciosa via peatonal Arbat en Moscú, oculta tras el follage del único árbol en la cuadra, se yergue la principal obra de Konstantin Melnikov, el padre del Constructivismo ruso: su propia casa-estudio.

Llama la atención, en primera instancia, que es la única casa que tiene retiro hacia la calle. Un jardín delantero pone en manifiesto la geometría curva del edificio y su composición única. Estas características, disímiles a la arquitectura estalinista de la época, fueron permitidas gracias a la popularidad de Konstantin Melnikov, tras haber ganado la medalla de oro en la exposición de París en 1930. No obstante, en las décadas posteriores fue aislado y ridiculizado por sus colegas y la casa fue amenazada varias veces con su demolición.



Además, resulta curioso que esta fuera una de las poquísimas residencias en que se permitíó vivir a una familia individual, en una época en que entre 3 a 4 familias debían convivir comunalmente en una misma casa. La razón probablemente es que las autoridades quisieron tomar este caso como un experimento para estudiar nuevas tipologías habitacionales.

En efecto, en 1927 Melnikov recibió un pequeño terreno para construir su casa privada y su taller de pintura y arquitectura. Una vez aprobado el proyecto, el mismo arquitecto se lanzó a la construcción de la obra, que culminó en 1929.

 
Croquis de la planta
La edificación está compuesta por dos cilindros de tres niveles entrelazados los cuales presentan el mismo diámetro pero tienen altura diferente, siendo el cilindro hacia el sur, que contiene el ingreso, el menos alto. Este detalle permite que la luz pueda ingresar por la diferencia de alturas.

En la fachada hacia  la calle, es decir hacia el sur, el cilindro es cortado mediante una pantalla de vidrio que ocupa toda la frentera.


En contraste el resto del volumen es más masivo, y  es horadado por una serie de ventanas hexagonales.
 La geometría de las ventanas permite ahorro de material, ya que los ladrillos eran escasos en la época.

 

La estructura funciona como un panal de abejas, algunos de los hexágonos fueron cubiertos con arcilla y escombros (lo cual además tiene propiedades térmicas en invierno).


Otros fueron convertidos en marcos que acogían unas 60 ventanas de diferente tamaño, cuya  función evidentemente es la de proveer iluminación al interior de los espacios.

Esquema contructivo y disposición de las ventanas en la casa

 
 
Interior de la casa cuando el arquitecto estaba en vida
 
 Taller del arquitecto.



Interior de la casa durante una reciente exposición de arte

Toda la carga de la estructura es absorbirda en estas paredes cilíndricas a fin de liberar el espacio interior de paredes portantes lo cual permite flexibilidad en el espacio interior.

El primero de los tres niveles acoge el ingreso, vestíbulo, cocina, comedor y cuartos de trabajo para la mujer y los niños del arquitecto. El segundo nivel en uno de los cilindros contiene una sala y en el otro un dormitorio. El tercer nivel está compuesto por el taller de pintura y arquitectura del maestro y una terraza hacia la doble altura del cilindro de ingreso

El  arquitecto también diseño el mobiliario el cual ha sido mantenido por sus descendientes.


Debo confesar que me impresionó mucho ver la situación en que se halla eta icónica obra de la arquitectura moderna del siglo XX. Como se puede ver en las fotografías es lamentable el estado en que se encuentra el edificio, a pesar de los esfuerzos de la familia el ministerio de cultura para convertir la casa en un museo. Grietas estructurales ponen en riesgo de colapso esta estructura, que si bien ha sido declarada en emergencia hace ya un par de años, aún no parece tener posibilidades concretas para su restauración a corto plazo.





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FRANCIS KÉRÉ Y LA ARQUITECTURA EN TIERRA

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Una de las presentaciones más celebradas del XXV Congreso Mundial de Arquitectura en Durban, fue la del arquitecto africano Diébédo Francis Kéré.
Nacido en la pequeña aldea de Gando en Burkina Faso, uno de los países más pobres del mundo, Kéré ofreció una conferencia cuyos pilares fueron la importancia del trabajo comunal y el uso de materiales locales, especialmente la tierra, pero con gran innovación, a fin de promover prácticas sustentables de desarrollo.


La arquitectura tradicional africana hace uso frecuente de la tierra

Con su característica espontaneidad, Kéré relató cómo tuvo que desplazarse desde su pequeña aldea, donde no había ni electricidad ni escuela, a una ciudad lejana, pues su padre quería que aprendiese a leer y escribir. Posteriormente, y tras ganar una beca que le permitió realizar estudios de arquitectura en la Universidad Técnica de Berlín, Alemania. Durante sus estudios creó una fundación con la que logró conseguir $50,000 mediante donaciones de sus compañeros. Posteriormente regresó a su pueblo y usó ese dinero para construir una escuela, utilizando materiales locales y haciendo uso de la mano de obra de la comunidad.
Más allá de la nobleza de este gesto, resalta su evidente capacidad innovadora y su habilidad en el diseño, lo que demuestra que no se necesitan grandes presupuestos o materiales de lujo para hacer obras memorables y útiles. Resulta muy inspirador comprobar cómo Kéré logra dotar de calidad plástica y práctica funcionalidad a los ambientes más sencillos y austeros.
Sin embargo, su propuesta de usar arcilla no fue bienvenida por sus comuneros, que esperaban el uso de materiales más "occidentales". Usando técnicas experimentales como varillas de acero para reforzar la arcilla, o elementos abovedados, y apisonando la arcilla manualmente para luego pulirla a mano con piedras, Keré y su comunidad desarrollaron con éxito su primera escuela en Gando.


Diversas etapas del apisonado de tierra

Al volumen primario de la escuela, inspirado en la racionalidad de Mies van der Rohe, se le dotó de un prominente techo en voladizo. El cielorraso abierto permite una ventilación natural en un ambiente que, en otras escuelas de villas aledañas, puede llegar a alcanzar los 45 °C en verano.



Tras el desarrollo de la escuela, otros equipamientos fueron añadiéndose. Para la biblioteca, usó una estrategia interesante, al reutilizar vasijas de arcilla cocida, rebanarlas y colocarlas como tragaluces, obteniendo un rico juego de luz y sombra al interior.

 

Su innovación en el uso de la arquitectura con tierra lo han llevado a desarrollar varios proyectos en Burkina Faso (como la Opera Village y el Centre de Santé et Promotion Sociale) y en Mali (como el Parque Nacional de Mali y el Centre de l'Architecture en Terre).



Ópera Village, Laongo, Burkina Faso
Secondary School, Dano, Burkina Faso
 
 
 Centre de Santé et Promotion Sociale


Surgical Clinic and Health Center, Léo, Burkina Faso

Centre de l'Architecture en Terre, Mopti, Mali

Sin embargo, su producción no se limita a proyectos africanos, ya que ha sido ganador del cuncurso para la rehabilitación de Oxford-Kaserne en Münster, Alemania, un proyecto de renovación urbana que integra construcciones históricas a nuevos equipamientos,, admás de una propuesta paisajista.




Además, ha participado en la muestra "Sensing Spaces: Architecture Reimagined" en la galería de la Royal Academy of Arts en Londres. Se trata de una estructura temporal hecha de pequeños paneles formando bóvedas, en la que el público era invitado a colocar sorbertes de plástico, una manera de tomar conciencia de la contaminación que éstos producen al no ser reciclados adecuadamente.




Con talento y sencillez, Kéré no pierde sus raíces y utiliza su creciente popularidad para desarrollar proyectos para su comunidad, que ciertamente debe sentirse muy orgullosa de él.

"Si piensas en términos de un año planta una semilla,
en términos de 10 años, planta árboles
en términos de 100 años, enseña a la gente"
Confucio
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- ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA EN ADOBE


LA PIRÁMIDE Y EL COMPLEJO DE ZOSER EN SAQQARA

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La pirámide escalonada de Zoser o Djoser en Saqqara es el primer monumento construido en piedra en la historia de la humanidad, y aquél que marcara el camino para el desarrollo de futuras pirámides durante las diferentes dinastías egipcias. De la mano del genial arquitecto, filósofo y médico Imhotep, el complejo en Saqqara no solamente dio un gigantesco salto en el desarrollo de la arquitectura funeraria egipcia sino también (un hecho menos conocido) experimentó con un elemento que tendría un impacto enorme en la arquitectura egipcia y greco romana: la columna portante.

 UBICACIÓN 

 Uno de los aspectos más significativos del complejo de Saqqara es su emplazamiento, al Oeste de Menfis, la capital faraónica y a unos 7 kms del río Nilo. Cabe resaltar que Saqara, al igual que Giza, no eran asentamientos habitados, eran ciudades para los muertos. La ubicación al Oeste tiene relación con el ocaso, una representación de la muerte y del punto donde el sol toca la tierra. La meseta de Saqqara era ideal tanto por su emplazamiento en altura, protegiéndose de las inundaciones del Nilo, como por el carácter desértico de la misma, un contraste con la vida que simbolizaba la capital Menfis. Aún hoy es evidente esa abrupta separación entre el área cultivos y el árido emplazamiento del complejo funerario. Tanto la complicada distribución general del complejo como el detalle de muchos de sus edificios individuales puede ser explicado como la traducción de arquitectura secular residencial de Menfis en arquitectura funeraria de piedra en Saqqara.


 LAS MASTABAS, LOS ANTECEDENTES 

 Anteriormente a Zoser, las tumbas de los nobles y dignatarios eran las mastabas (que en árabe significan "bancas", dada su forma trapezoidal), que eran equivalentes en piedra de las casas de adobe de las ciudades. Eran estructuras de planta rectangular y de paredes ligeramente inclinadas, con techo plano y una única entrada. Una vez colocado el sarcófago y los tesoros del difunto en una habitación interior llamada serdab la puerta era sellada y cubierta de rocas y arena.


 LA PIRÁMIDE ESCALONADA 

 La forma de la pirámide no fue planificada desde un principio. Inicialmente sólo se desarrolló una mastaba, como era la tradición. Pero se dice que Zoser se encontró muy decepcionado al ver la baja estatura de su tumba y demandó que se haga más alta. Es así que al genial arquitecto Imhotep se le ocurrió crear una plataforma encima de la primera, y luego otra, y otra, hasta un total de 6. Para ello iba ampliando las mastabas inferiores, hasta cubrir una base de 125 x 109 meters. Estas adiciones se hacen evidentes al haber colapsado una parte de la pared, revelando su estructura interior.



Por supuesto, ni Zoser ni nadie habrían notado este artilugio ya que los bloques de piedra caliza que conformaban las plataformas fueron recubiertos con granito, otorgándole unidad y homogeneidad estilística al monumento.



Puedo imaginar la alegría de Zoser al ver su tumba terminada al rededor de 2650 a.C. Con sus 62 metros no solamente era muchísimo más alta que cualquier otra tumba anterior, sino que su forma escalonada estimulaba la idea de la ascención a los cielos y la conexión con el más allá. Además, la pirámide escalonada significaba la concreción de dos estilos funerarios paradigmáticos del Reino Antiguo: el tipo casa y el tipo montículo funerario, que eran típicos de los asentamientos del Alto y Bajo Egipto respectivamente. Al ser combinarlos en la pirámide, la arquitectura de la tumba real se convirtió en símbolo de los dos componentes del Estado egipcio. Además de su impresionante porte, la pirámide contenía un laberinto de pasajes y un innovador sistema para que la tumba pudiera sostener el enorme peso de semejante estructura.



 EL COMPLEJO DE ZOSER


 El complejo funerario real está rodeado por una pared con nichos, enmarcando un enorme recinto de 277 x 544 metros, el cual es una imitación de la pared de adobe que circundaba la residencia del faraón en Menfis, siendo el objetivo el proveer al rey de un uso continuo de su palacio en el más allá. Por esta razón muchos de los edificios son estructuras sólidas, macizas, sin ningún espacio o habitación interior y careciendo de alguna función particular más allá de la escenográfica.

1. Pirámide. 2. Tumba del sur. 3. Capillas de la fiesta Sed. 4. Templo "T". 5. Patio sur. 6. Pabellón del sur. 7. Pabellón del norte. 8. Templo funerario. 10. Columnata. 11. Corte del norte. 12 almacenes del norte. 13. Galerías del norte. 14. Serdab. 15. Altar del norte.

La gran plaza frente la pirámide es una tipología espacial que busca resaltar la escala y monumentalidad de la estructura. Es un recurso utilizado en las pirámides de otras culturas muy distantes a la egipcia como la teotihuacana, la maya y la mochica.

Ingreso al complejo


Sólo una de las 13 puertas falsas de esta muralla conduce al interior de la plaza, a traves de un pasaje techado, cuya cobertura estaba sostenida por vigas apoyadas en columnas. Estas son la primeras columnas portantes en la historia, y al parecer Imhotep no estaba muy seguro de que funcionarían, ya que las agrupó en pares y rellenó el espacio entre ellas. Esta experiencia sería la base para futuras columnas individuales en Luxor, Karnak, etc. En Saqqara las columnas fueron redondeadas a fin de parecer palmeras.


Fueron construidas superponiendo bloques individuales y tienen una base más ancha que su tope a fin de distribuir las cargas del techo.




Luego de recorrer este pasaje en la semipenumbra, el visitante se deslumbraba al acceder  a una gran plaza donde se llevaba a cabo el Heb Sed, una ceremonia efectuada en el vigésimo o trigésimo año del reinado del faraón, una especie de jubileo real en el que el monarca era "bendecido" por los dioses tras haber participado en ceremonias religiosas y realizado una serie de demostraciones físicas. Para ello, unas capillas (cuya forma asemejaba las tiendas del desierto), acogían una procesión y una serie de ceremonias oficiadas por el Sumo Sacerdote. Luego de la ceremonia el faraón era coronado nuevamente con los símbolos del alto y bajo Egipto.

Capillas laterales.

EL PROCESO DE RESTAURACIÓN

Actualmente un equipo combinado de expertos egipcios y británicos viene llevando a cabo un proceso de restauración y de reforzamiento estructural de la pirámide, especialmente la cámara funeraria que está en peligro de colapsar. El proyecto consiste en introducir un grupo de varillas de acero que permitan incrementar la estabilidad de las rocas que conforman la cobertura de la cámara mortuaria. Sin embargo, y ya que la propia perforación podría ocasionar el colapso, fue necesario primero limpiar el interior de la cámara y luego instalar un andamio conteniendo una especie de colchones de aire, que pudieran contener las rocas en caso de que colapsaran. El proyecto se ha venido realizando a pesar de condiciones muy difíciles, tanto logísticas como políticas, debido a la reciente revolución.





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OTRAS PIRÁMIDES ANTIGUAS





HAGIA SOFÍA, ESTAMBUL. CONSTRUCCIÓN

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Hagia Sofía o Santa Sofía, la soberbia basílica que se yergue por más de 1500 años en el centro de Estambul, Turquía, es el mayor ejemplo de arquitectura bizantina y la joya indiscutible de la ciudad. Esta magnífica obra de Justiniano ha sido discutida ampliamente en libros de historia de la arquitectura por sus innegables innovaciones constructivas. Sin embargo, poco se menciona sobre su calidad estilística formal y espacial así como por la riqueza de su ornamentación, aspectos que tuvieron notable influencia en otras obras tanto cristianas como islámicas. A fin de hacer justicia a ambos aspectos, dividiré el presente post en dos partes, la primera dedicada a su historia y proceso constructivo y la segunda a sus características arquitectónicas y artísticas.

EMPLAZAMIENTO

Estambul, la única ciudad que se extiende por dos continentes. Debido a su ubicación estratégica la antigua villa de Bizancio fue elegida por Constantino como la capital de su imperio y la renombró como Constantinopla. Desde aquí floreció el Imperio Romano de Oriente y sobrevivió por más de mil años más que su hermano de occidente, al amparo de la Iglesia Ortodoxa y hablando griego en vez de latín. Sólo en 1453 luego de su caída los otomanos la rebautizaron Estambul, y desde aquí controlaron el vasto imperio que se extendió hasta el África y Medio Oriente.



Hagia Sofía se ubica en el extremo de la península de Estambul donde el Bósforo se encuentra con el Cuerno Dorado, flanqueada por el noreste por el antiguo palacio del Sultán y por el suroeste con la Mezquita Azul.
 
 Emplazamiento del conjunto monumental en la península de Estambul
 Detalle del conjunto de Santa Sofía (izquierda) y la Mezquita Azul (derecha). (La imagen ha sido rotada unos 60° en dirección de las agujas del reloj en relación a la vista precedente)

Su volumen masivo contrasta con la esbeltez de los minaretes que la anuncian como un edificio musulmán, y el espacio público adyacente permite establecer un diálogo visual con la mezquita que se halla al otro extremo del parque.


Si bien esta zona goza de una ubicación estratégica, también se encuentra muy cerca de una de las fallas tectónicas más activas del planeta, por lo que ha sufrido frecuentes terremotos a lo largo de toda su historia.

ANTECEDENTES

La primera iglesia, conocida como Iglesia Magna fue concluida en 360 d.C bajo órdenes de Costancio II, hijo de Constantino, muy cerca a su palacio. Tenía las características de una basílica paleocristiana, un edificio alargado y techo de madera. Fue destruida por el fuego durante las revueltas del año 404.

 
Reconstrucción hipotética de la primera iglesia

Planta hipotética de la primera iglesia

Una segunda iglesia, también de planta basilical, fue culminada en el 415, consagrada por Teodosio II. Construida también con un techo de madera, colapsó durante un incendio en 532, en la llamada revuelta de Nika contra Justiniano. Sólo ha sobrevivido un volumen cilíndrico dedicado al tesoro.

Reconstrucción del propileo de la segunda iglesia
Planta hipotética de la segunda iglesia

CONCEPCIÓN

Tras el incendio el emperador Justiniano quiso construir una nueva basílica de forma única y de proporciones más grandes que cualquier otra iglesia, como símbolo de su poder y para mejorar su prestigio ante la población. Justiniano quiso unir la forma rectangular, típica de las basílicas paleocristianas, con el círculo, arquetipo tipológico del estado y representado por el Panteón en Roma, (cuya cúpula descansa sobre una base cilíndrica). ¿Cómo construir un domo semiesférico sobre una base cuadrada?

Para resolver este problema tan original, Justiniano requirió el concurso de dos académicos: el matemático Artemio de Tralles y el físico Isidoro de Mileto. Ellos no eran arquitectos, sino especialistas en la llamada “ciencia de la mecánica”, pero llevaron a cabo la tarea de calcular y edificar el edificio.

Planearon colocar la cúpula sobre cuatro arcos, cada uno de 31 m de ancho, generando un espacio cuadrado central. En sus esquinas cuatro grandes columnas sustentan la estructura, circundado por pasillos laterales a distintos niveles. El espacio es coronado por una enorme cúpula de medio punto de 31 m de diámetro que se eleva a 56 m de altura.

Vista de la nave desde el suelo, usando una lente "ojo de pez"

Para combinar ambas geometrías, el círculo y el cuadrado, se crearon pechinas, que son unas formas triangulares de superficie curva que unían el cuadrante de la cúpula con la mitad de dos arcos perpendiculares. Además de cubrir el espacio, las pechinas contribuyen a una mejor distribución de las cargas de la cúpula, ya que de otro modo descansarían únicamente en la parte superior de los arcos, y las distribuyen uniformemente hacia las columnas.





Sin embargo, la cúpula original, que era más chata que la actual, no descansaba directamente sobre las pechinas, sino sobre una estructura cilíndrica, un tambor al que se le colocaron 40 ventanas alrededor.
A fin de ampliar el espacio de la nave, dos semicúpulas descienden desde los arcos a ambos lados de la cúpula central y que a su vez contienen tres pequeñas semicúpulas.





Sin embargo, el problema con los arcos es el empuje lateral que reciben, por lo que tienden a abrirse hacia los costados. Por tanto se construyeron grandes contrafuertes a cada lado de los arcos, a fin de contrarrestar la deformación por el peso de la cúpula.



Estos elementos prominentes son visibles en la fachada, y en su interior han sido perforados para albergar unos pasillos que circundan la nave principal. Éste fue, sin embargo, un error, ya que al introducir estas perforaciones los contrafuertes se debilitaron y empezaron a rajarse. Por tanto, los diseñadores tuvieron que crear arcos de refuerzo en los contrafuertes existentes y aumentar su altura. La deformación es evidente en algunas partes de los arcos.


Reforzamiento de los arcos y su deformación por las cargas


Otro aspecto crítico e innovador en la construcción del edificio fueron sus materiales. Contrario a la costumbre de la época, que era construir edificios masivos y pesados para resistir los terremotos, Isidoro y Artemio trataron de hacer el suyo lo más ligero posible (un criterio utilizado en la ingeniería civil moderna). Los ladrillos fueron importados de Rodas y fueron cocinados a bajas temperaturas (800°C), haciéndolos más porosos, menos densos y más resistentes y ligeros que los ladrillos comunes (cocidos a 1200°C). En el mortero también se utilizó ladrillo molido, mezclado con cal, arena de río y agua para crear un mortero especial, fuerte , ligero y flexible.


El edificio se completó en menos de 6 años, entre 532 y 537, gracias al concurso de dos cuadrillas de 5000 trabajadores cada uno. Este tiempo récord implicó que se reutilizaran elementos de otras estructuras, traídos de diversas partes del imperio, y acomodados a las dimensiones de Santa Sofía. Por ejemplo, algunas columnas son más cortas y la diferencia fue resuelta in situ. Otro ejemplo es la diferencia de alturas entre las columnatas de las dos galerías laterales, probablemente debida a que no se encontraron columnas del tamaño de las de la galería inferior.


LA SEGUNDA CÚPULA

20 años después de su culminación, en 557 un terremoto provocó grietas en la cúpula, la cual se vino abajo debido a la poca resistencia que ofrecía el tambor que la sostenía. Debido a que Isidoro falleció durante la construcción de la iglesia original, la tarea de reconstrucción de la nueva cúpula (que es la que vemos hoy) recayó sobre su sobrino Isidoro el joven. Para ello, prescindió del cilindro y la diseñó más alta, descansando directamente sobre las pechinas, distribuyendo mejor las cargas.

 

 Además, estudiando el Panteón de Roma descubrió unas grietas en la base de la cúpula y decidió aligerarla construyendo una serie de 40 ventanas a su alrededor. Además de aliviar las cargas, estas ventanas ofrecen un efecto lumínico que sugiere la impresión de que la cúpula está flotando en una base de luz. La reconstrucción de la cúpula tomó 4 años.


La cúpula fue la más grande el mundo hasta ser sobrepasada por la de la basílica de San Pedro en Roma en 1590, así como la superficie de Hagia Sofía fue la mayor de un edificio religioso hasta la construcción de la la catedral de Sevilla en 1520.


Reconstrucción de Santa Sofía como basílica cristiana, antes de su conversión a mezquita por los otomanos


PERFORMANCE

Luego de su culminación, y dado el enorme peso de la cúpula, fue necesario incluir contrafuertes adicionales, añadidos algunos en época bizantina y otros ya bajo el dominio otomano.



Pese a ello y no obstante encontrarse en una de las zonas sísmicas más activas del mundo, Hagia Sofía ha resistido terremotos devastadores y ha sobrevivido incluso a edificios modernos de concreto armado. La revolucionaria concepción estructural y el uso de material ligero han facilitado su supervivencia por más de 1500 años. Diversos estudios y simulaciones han predicho que la iglesia podrá resitir el embate de sismos mayores a 7.2, pero a pesar de ello la estructura se encuentra siempre en mantenimiento y continuamente monitoreada.

En la siguiente entrega dicutiremos algunos aspectos de su calidad espacial arquitectónica así como la contribución musulmana a esta obra que ha devenido en símbolo de ambas religiones. Hatsa entonces

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HAGIA SOFÍA, ARQUITECTURA Y ARTE

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En la anterior entrega me referí algunos aspectos relacionados con la historia y la construcción de Hagia Sofía, el soberbio monumento edificado por el emperador Justiniano. En esta ocasión, me gustaría comentar algunas de sus características formales y espaciales que más me impactaron durante la visita, así como sus principales elementos artísticos.



Es importante remarcar que la estructura que vemos hoy difiere de aquella original construida en tiempos del imperio bizantino, tanto en su forma como en su uso. El cambio más evidente se da en las adiciones y reforzamientos estructurales añadidos y en los cuatro  minaretes que flanquean la antigua basílica, los cuales establecen un campo virtual y un mensaje sutil pero evidente de dominación.

Reconstrucción de la basílica en tiempos del imperio bizantino
 


Los otomanos, tras conquistar Constantinopla, en lugar de destruir Santa Sofía por ser un templo perteneciente a otra religión,  quedaron impresionados por su magneficencia y decidieron preservarla, pero con la adición de los minaretes dejaban en claro su dominio como nuevo poder en la zona.

 “¡Qué tal cúpula, que compite en rango con las nueve esferas del Cielo! En este traba un maestro perfecto ha mostrado la ciencia arquitectónica completa” 
Historiador otomano Tursun Beg, siglo XV.



El espacio interior es en extremo complejo si se lo compara con otras edificaciones de la época: la monumentalidad de su espacio central que se diluye en una la concatenación de  semicúpulas conexas, la diversidad de escalas y grados transparencia y permeabilidad que se generan en las galerías, la dramática secuencia de luz, que va desde el casi celestial anillo de ventanas en torno a la cúpula hasta la semipenumbra de los ambientes y galerías laterales, propicia para la reflexión y el recogimiento.


Si bien en términos generales, es posible percibir hoy la misma estructura que hace 15 siglos atrás, sin embargo, el uso del espacio en la basílica en épocas bizantinas ha sido diferente al de su etapa de mezquita musulmana y a la libertad de tránsito que se vive hoy, en su etapa de museo.

Tal como las iglesias ortodoxas, Santa Sofía tenía un iconostasis, un espacio sacro al que sólo accedían el emperador y la más alta jerarquía eclesial. Las galerías laterales habrían supuesto algún tipo de segregación social en el uso del espacio.



Luego de la conquista otomana, el iconostasis desapareció, por lo que el espacio se centralizó, pero se añadió un nuevo punto focal ubicado hacia la Meca: el mihrab. Además, imagino que el uso del espacio habría sido similar al de la actual Mezquita Azul: segregado, diferenciado por sexos, abierto tanto a la oración como al descanso.



Además de la imponencia de la estructura, sobrecoge la calidad y riqueza de sus acabados. Los capiteles de las columnas, tanto simples como dobles, eran tallados finamente, incluyendo símbolos del emperador.






Los mejores mármoles, traídos de varios rincones de Bizancio, revestían las paredes y sus colores variados constituyen una representación geográfica del vasto imperio.



Los mármoles se alternaban con dorados mosaicos que adornaban las coberturas y algunos muros. Si bien los romanos ya habían usado mosaicos para la decoración (particularmente de pisos), como hemos visto en las termas de Caraccalla, en Roma, es en el imperio bizantino donde el mosaico adquiere mayor esplendor, incluyendo láminas de oro para resaltar el carácter divino de los motivos que representaba.

 Las decoraciones al momento de la construcción debieron haber sido muy simples, básicamente algunos símbolos o cruces, dado que la tendencia iconoclasta de la época buscaba prescindir de representaciones figurativistas.



Con el tiempo empezaron a aparecer mosaicos con representaciones bíblicas, acompañadas de figuras políticas. En realidad, los mosaicos son el primer esfuerzo artistico a gran escala de propaganda para la evangelización cristiana y para la remarcar la consolidación del poder imperial como nexo entre lo religioso y lo mundano.

Uno de los mosaicos muestra la figura de la Virgen flanqueada por los emperadores Constantino y Justiniano, estableciendo un claro mensaje del vínculo entre el poder imperial y el religioso. Constantino presenta un modelo de la ciudad mientras que Justiniano ofrece a la virgen la basílica de Santa Sofía.


El mosaico del Juicio Final muestra a Cristo como figura central y a sus costados se ubican la virgen y Juan el Bautista.


Tras la conquista otomana y dada la prohibición islámica de incluir representaciones figurativas, muchos de los iconos fueron recubiertos con yeso y se les añadió una nueva capa de decoraciones con motivos geométricos y textos del Corán. Por ejemplo, en el centro de la cúpula debió haber una imagen de Cristo Pantocrator, la cual parece mirar a los fieles desde cualquier posición. Hoy, en su lugar aparece una inscripción en árabe que circunda un motivo radial.



La mayoría de las decoraciones en el nivel inferior son islámicas, con figuras geométricas y sin representaciones de animales o humanas. En las galerías circundantes del segundo nivel se han descubierto antiguos mosaicos, que se hicieron evidentes tras una restauración en el siglo XIX.





Los medallones con inscripciones islámicas fueron adiciones añadidas por los hermanos Fossatti, arquitectos italianos que en a mediados del siglo XIX recibieron el encargo de la remodelación del interior de la mezquita. En mi opinión la geometría y material de estos elementos contrasta con la riqueza y severidad de la arquitectura de la iglesia y le dan cierto carácter de improvisación y efimeridad.


Pero no sólo riqueza material era acumulada en esta gran iglesia, sino también sacralidad y simbolismo. Reliquias de dos santos, la cruz, el martillo y los clavos de la crucifixión de Cristo, la mesa de la Última Cena entre otras reliquias poblaban este sacro recinto, pero que lamentablemente  fueron saqueadas principalmente por los cruzados que conquistaron la ciudad y que se llevaron muchas riquezas para pagar sus campañas.

Si bien el recorrido por el monumento impresiona por la calidad y riqueza de su ornato, es difícil imaginar la riqueza de éste en su época de esplendor, cargado de riquezas y de las mejores obras de arte del imperio bizantino.

No obstante, creo que es un privilegio poder ser testigos de un monumento arqutectónico tan magnífico como trascendental, cuya influencia ha sido gravitante en el desarrollo de la arquitectura tanto musumana como cristiana (la Mezquita Azul en Estambul y la Catedral de San Marcos den Venecia son dos ejemplos notables de ésta) y que por muchos siglos ha sobrevivido altiva los terribles embates de la naturaleza y la belicidad humana.

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- ARQUITECTURA BIZANTINA

DIÁLOGOS: PAISAJES DEL MUNDO (II)

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A partir de este 11 de diciembre en la sede del Colegio de Arquitectos del Perú, situada en la Av. San Felipe 999, Jesús María, Lima, se presentará la exhibición fotográfica personal "DIÁLOGOS / DIALOGUES / ДИАЛОГИ: PAISAJES DEL MUNDO".

MÁS ALLÁ DE LA FRACTURA
1. Templo de Angkor Wat, Camboya
2. La monumental Tesorería en Petra, Jordania, vista desde el ondulante pasaje llamado Siq.


La muestra se compone de una serie de pares fotográficos, representando diversos paisajes, separados en tiempo  y espacio pero unidos por una idea común, ya sea formal o simbólica, sugerida sutilmente por un título.

Por tanto, el espectador es invitado a establecer esta conexión, y de esta manera se convierte en agente del diálogo entre ambos lugares.

ENREDADOS
1) Ruinas del templo de Ta Prohm, Camboya, invadido por la jungla. 2) Detalle del moderno Estadio Olímpico de Pekín, China, que evoca un "Nido de Pájaro"

Esta muestra es una selección de lugares presentados en este blog y fue exhibida anteriormente en el Museo de Arte Contemporáneo de Vladivostok, Rusia, ARTETAGE.



CONFERENCIA “POTENCIANDO LA RESILIENCIA URBANA A TRAVÉS DE INTERFACES. EL CASO DE LA REGENERACIÓN DEL FRENTE MARÍTIMO DE VLADIVOSTOK”

También el día 11 de diciembre en la misma sede estaré presentado la conferencia “Potenciando la resiliencia urbana a través de interfaces. El caso de la regeneración del frente marítimo de Vladivostok”
A fin de fortalecer tanto la resiliencia a potenciales peligros como al desarrollo del espacio público para mejorar social y ambientalmente las condiciones de la ciudad, se propuso una metodología que se enfoca en identificar las interfases urbanas, que son las áreas de mayor intercambio entre los diferentes sistemas y que pueden ser usados como catalizadores para mejorar las áreas circundantes. La exposición mostrará ejemplos de recuperación de frentes ribereños en ciudades rusas, en particular el estudio en la ciudad de Vladivostok.


Agradezco enormemente la gentileza de la  Comisión Nacional de Congresos y Eventos Institucionales del  Colegio de Arquitectos del Perú, tanto en su Sede Nacional como en la Junta Regional Arequipa por la invitación y el apoyo en la realización de estos eventos. Asimismo a la Unión Internacional de Arquitectos UIA, la Federación Panamericana de Asociaciones de Arquitectos FPAA y a la Regional de Arquitectos del Grupo Andino RAGA por su amable auspicio.

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MUESTRAS FOTOGRÁFICAS PERSONALES


TRES EXPERIENCIAS A SEIS MANOS

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Vivimos entre objetos, nos movemos por espacios construidos, el mundo se manifiesta a través de ellos y erigimos nuestra realidad por una suerte de recomposición de fragmentos de la información percibida e interpretada. La arquitectura no es pues solo cobijo para nuestro cuerpo, es muchas veces tamiz a través del cual el orden que rige el universo se hace presente. Orden que es percibido, luego relacionado y finalmente transformado en significados individuales y colectivos. Siempre fue así y así estuvo bien.

Habituados hoy en día a  permanecer cada vez más en espacios virtuales, satisfechos con imágenes fáciles, presurosos en distinguir nuestras preferencias con un “like it”, reconocemos cada vez menos la función reveladora de la arquitectura, o en todo caso seleccionamos la información más superficial y útil en la medida que nos permita permanecer en espacios supuestamente confortables, haciendo todo ello caldo de cultivo para que germine una arquitectura mediática que esconde tras epidérmicos alardes formales la monotonía de la producción estandarizada y la falta de atención a lo que el contexto le demanda. 

Tres arquitectos que comparten estas preocupaciones se reúnen en un café arequipeño y acuerdan hacer un post a seis manos (utilizando el teclado del ordenador, claro está) Cada uno con blog propio se reconocen también  habitués de espacios virtuales, sin embargo se animan a echar un cable a tierra y anclar en experiencias vividas en que la arquitectura trascendió lo cotidiano y que de alguna u otra manera influyó en su manera de percibir el mundo o tal vez de reconocerse a sí mismos. Saben del peligro de su empresa, pues es probable que en el intento de descodificación parte de la magia que habita en su memoria sea alterada al reconocer la lógica del mecanismo, pero asumen el riesgo. Tienen la esperanza que a través de estas experiencias animen a más gente a contar las suyas y así colaborar, aunque sea en algo a poner la arquitectura en el lugar que le corresponde.

 Cristina Dreifuss                                                        Gonzalo Ríos                          Carlos Zeballos

Experiencia 1.0
La casa Hundertwasser
Cristina Dreifuss  

Lo huachafo en la arquitectura limeña 
Divagaciones y Arquitectura


Los arquitectos, con mucha frecuencia, dividimos nuestra vida en antes y después de nuestro paso por la facultad. Imagino que lo mismo debe pasar con otras profesiones; la formación profesional no sólo nos da habilidades y conocimientos, sino que nos enseña a ver con otros ojos. Es por eso que hablar de una experiencia trascendente de la arquitectura en términos pre-arquitectónicos se vuelve un reto.

Conocí la “Casa Hundertwasser” un año antes de entrar a la facultad, en ese período en el que uno anda madurando y preguntándose una serie de cosas, trascendentales en sí mismas. En medio de un recorrido turístico lleno de dorados y barroco vienés, terminamos en esa  esquina de Kegelgasse donde parecería que alguien dejó libre acción a un lunático.



El edificio, un multifamiliar, es un manifiesto. No hay una sola línea recta (“la línea recta conduce a la perdición”, diría su autor, el pintor F. Hundertwasser). Cada unidad de habitación es de un color distinto, con lo que la imagen final es la de una especie de colcha de parches, salpicada de ventanas desordenadas. El primer piso se apoya en columnas distintas, algunas chuecas, forradas con materiales de reciclaje, cuyo brillo contrastaba con el cielo.
La rápida visita exterior – porque nunca llegué a entrar a una de estas viviendas – me enseñó sobre la libertad de expresión, sobre la economía de recursos, sobre la creatividad y el uso libre de colores y formas, sobre el cuestionamiento de estereotipos establecidos, y sobre todo, que la arquitectura es una profesión al servicio de las personas y que su objetivo es la felicidad. Fue ahí que decidí que eso es lo que quería hacer.


Años después, luego de sustentar mi tesis de grado, volví al sitio. En el fondo, quería comprobar si efectivamente la magia seguía ahí. El edificio fue tan impresionante como la primera vez y, de algún modo, era como si algún tío mayor y buena gente me guiñara el ojo y me asegurara que no me estaba equivocando. 





Experiencia 2.0
Habitando un relicario:
La Sainte Chapelle de Paris,  Febrero de 2014, 
Gonzalo Ríos, Trampantojo

Resultaba poco menos que iluso aspirar a tener una experiencia de mediana trascendencia en un ambiente en donde todo confluía para no conseguirla.  La preciosa capilla gótica en donde Luis IX de Francia, el santo,  pasó gran parte de su vida contemplando las reliquias que adquirió de la pasión de Cristo, era poco menos que profanada por una horda de turistas en busca del espectáculo banal que probablemente el día anterior lo vivieron  en Euro Disney y estaban ansiosos de replicarlo. Los guías atentos y acomedidos con su público se transformaban en bufones solazándose  en la anécdota histriónica para conseguir la risa fácil que seguramente se vería recompensada con un reconocimiento monetario final.

Vistas exteriores de la Sainte Chapelle. La masividad del nivel de acceso contrasta la ligereza del nivel superior en donde prima la transparencia de los vitrales 
Fotos: Eric Rougier

Nada de góticos radiantes, nada de explicar cómo es que se logró desmaterializar los muros opacos casi en su totalidad, reduciéndolos a estilizados haces de baquetones que se separaban hasta convertirse en la frágil estructura de una bóveda azul que parece levitar sobre vitrales pareados. No eso no era importante. Tampoco lo era la historia del pobre Luis IX, tan criticado por gastarse media fortuna en comprar a Bolduino II de Constantinopla  la corona de espinas, un pedazo de la cruz, el hierro de la lanza y la esponja del martirio de Cristo y la otra media en la construcción de esa capilla cuyo destino era convertirse en un enorme relicario en donde el monarca pasaría en estado de contemplación días enteros descuidando seguramente las funciones propias de su cargo. No, de eso nada. El espacio era de una belleza suprema y estaba agradecido, sin embargo el entorno hostil era superior a mis ganas de intentar una reflexión más profunda sobre la estética o la historia.

Vistas Interiores del actual nivel de acceso, en donde se anclan las estructuras que hacen posible la levedad del nivel superior.

Fotos: Eric Rougier


Dispuesto ya a abandonar la capilla el nublado clima invernal parisino disipó por unos instantes sus nubes y dio paso a un rayo de luz que penetro al ambiente atravesando los coloridos vitrales, convirtiendo esta inicial luz blanca en una emulsión de rojos y azules que inundándolo todo propiciaron una atmósfera en donde cualquier hecho físico, inanimado o vivo, pareció inmaterial y perteneciente a una misma substancia. Por unos breves segundos todo pareció detenerse, paralizarse; el silencio del entorno hostil superficialmente conmovido, al menos por el breve instante que duró el fenómeno, intensificó la impresión de cohesión.

Vistas Interiores del nivel superior, máximo exponente del gótico radiante francés con la desmaterialización casi total de los muros en favor de los vitrales.
Fotos: Eric Rougier


Este espacio místico, banalizado por el uso,  lo había vuelto a lograr. Pese a lo efímero del fenómeno, o tal vez por ello, se me revelaron estructuras normalmente no visibles del mundo, poniéndome en sintonía con el orden profundo de las cosas a la que todos estamos sujetos, y también en sincronía con mis eventuales acompañantes y hasta con el mismo Luis IX, él desde el siglo XIII y yo desde el XXI  entendiendo y dando significado a un fenómeno revelador propiciado por la arquitectura.






Experiencia 3.0
Hipérbole simbólica:
Asamblea legislativa de Chandigarh, India,  Mayo de 2007, 
Carlos Zeballos, Mi Moleskine Arquitectónico


Monumental. Así me pareció la escala del Capitolio de Chandigarh. Aquel lugar transmitía una sensación de poder magno, casi megalómano. Estaba hecho para impresionar, aunque parecía no haberse preocupado en dar cabida al ser humano. En aquella calurosa mañana de primavera india, hubiera sido muy acogedor sentarse bajo un árbol pero aquella banalidad hubiera interferido con la colosal perspectiva del espacio, algo con lo que el arquitecto suizo no estaba dispuesto a transigir.


Salvo indicación, todas las fotografías pertenecen a Carlos Zeballos Velarde


Aún así, me sentía agradecido por estar parado por primera vez frente a una obra del gran maestro Le Corbusier y de poder disfrutarla enmarcada por los Himalayas que se perfilan como telón de fondo hacia el este. Antes sólo había visto reproducciones en blanco y negro así que era una experiencia estar parado ahí apreciando la monumentalidad del Capitolio, la solidez de sus volúmenes, la aspereza y plasticidad del concreto armado y respirar la pasión por el diseño que el maestro suizo supo traducir en esta obra, desde su trazo urbano hasta la concepción de sus murales y alfombras.

Había llegado allí con un pariente de un amigo al que conocí por internet , y que luego de mostrarme de lejos el complejo, se dispuso a regresar al centro de la ciudad. Cuando le insistí en aproximarnos, me dijo nerviosamente que era complicado, y que había que pedir un permiso especial que duraba un día conseguirlo. Pude entender su turbación, ya que Chandigarh se encuentra cerca de la frontera con Pakistán, en una zona muy tensa y donde no se escatiman las medidas de seguridad.




Pero no iba a rendirme así no más. Fui a obtener el permiso a un par de oficinas y la reticencia inicial de los oficiales se convirtió poco a poco en eficaz colaboración. “Soy un arquitecto, vengo de Perú, un país pacífico” le dije, convincente (aunque hubiera sido más exacto decir “un país en el Pacífico”). “Sí, lo sabemos”, replicaron con severidad, y en ese momento comprendí que ellos no tenían la más mínima idea de dónde quedaba Perú. Sin embargo, halagados ante la presencia de un visitante tan exótico, no dudaron en otorgarme el permiso además de muchos souvenirs e información sobre la ciudad.

Al día siguiente me encontraba de nuevo en el Capitolio, con sus tres simbólicas construcciones: la secretaría, el Palacio de la Asamblea Legislativa y la Corte Superior de Justicia. De todos los elementos del conjunto, fue el Palais de l’Asambleé el edificio que más llamó mi atención, por su matemática grilla de brise-soleil, imprescindible en aquel tórrido clima y su fotogénica fachada sur reflejándose en un espejo de agua.




La grilla aligeraba la fachada de esa caja rectangular, sobre el cual asomaba principalmente el gran volumen de una cáscara hiperbólica truncada, una figura escultórica cuya inspiración proviene de chimeneas industriales.
Habría de recorrerlo custodiado por un soldado armado con un fusil automático y la seguridad era particularmente estricta.
Ingresamos al edificio, adornado con murales diseñados por el propio Le Corbusier, que no había descuidado detalles en el momento de su gran obra.


Al interior, la luz se filtraba indirectamente por los brise-soleil y daba un efecto de profundidad a aquella sala hipóstila, reminiscente de los templos clásicos que el maestro había admirado en su viaje de descubrimiento por Grecia.

En medio de aquella trama de columnas emergía, como un volcán impetuoso, el volumen de la asamblea.

Izquierda y centro, Fotos cortesía de Fondation Le Corbusier. Derecha, foto Carlos Zeballos

Entonces, nos acercamos a la cámara legislativa, que por suerte se hallaba en receso y podía ser visitada. Ni los libros sobre el maestro suizo ni los tratados sobre arquitectura moderna, nada podría haberme preparado para aquella impresión. El espacio, moldeado en aquella cáscara de apenas 15 cm de espesor, se alzaba monumental sobre los asientos tapizados de los legisladores. La sección truncada con la que culminaba la hipérbole acentuaba su direccionalidad y su geometría favorecía la acústica. La estatura del espacio obedecía también a fines climáticos, ya que permite la circulación de aire por conducción.

Pero aquél no parecía un espacio cívico, sino uno sacro. La luz filtrándose indirectamente producía un efecto espiritual que volvería a encontrar algunos años después en la capilla hecha por Le Corbusier en Ronchamp. Sin embargo, a diferencia de las paredes blancas de aquella, la epidermis de concreto de la sala se hallaba cubierta por coloridas láminas de aluminio, que como una infección reptaban produciendo manchas de color.

Fotos cortesía de The Tribune

Era un momento sublime, que no parecía ser compartido por el cancerbero que me acompañaba, quien insistía en que las fotografías estaban estrictamente prohibidas. Traté de impregnar en mi memoria cada detalle de aquel momento sabiendo que probablemente esta experiencia no se repetiría. Traté de respirar al máximo ese espacio bello, magno, dramático. Pero en aquel momento, un gesto poco amigable del soldado me indicó que la visita había acabado.



SHIGERU BAN EN EL PARQUE GORKY, MOSCÚ

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ENGLISH
"I follow the Moskva
down to Gorky Park,
listening to the wind of change..."
(Sigo el Moscova
hacia el parque Gorky
escuchando los vientos de cambio)

Scorpions, de la canción "Wind of Change"

El parque Gorky es uno de los más famosos si no el más emblemático parque en Moscú, especialmente ligado a connotaciones políticas durante la revolución soviética, ya que fue concebido como un espacio abierto a toda la sociedad, dedicado al ocio y la cultura de las clases trabajadoras.



Fue concebido por el renombrado arquitecto constructivista Konstantin Melnikov (cuya casa-estudio fue tratada anteriormente en este moleskine) y dedicado al escritor soviético Maxim Gorky.

El parque saca ventaja de su posición frente al río Moskva y se organiza en torno a un gran eje que discurre más o menos paralelo a éste. La ligera inclinación del  eje en la composición obedece a la perpendicularidad a la gran avenida Krimsky Val -que cruza el río en el puente Krimsky- y la búsqueda de un equilibrio entre la irregular geometría del lote trapezoidal que ocupa el parque.



Este eje monumental está presidido por una gran entrada con una columnata que me recuerda en algo a la Puerta de Brandemburgo en Berlín, sólo que la versión moscovita tiene los cuerpos laterales macizos, ideales para albergar iconografía soviética. La puerta Gorky es un ejemplo clásico de arquitectura monumental estalinista.

 

Acompañan al eje una serie de piletas y emblemáticas estatuas, así como juegos y recreación para niños y adultos, que hicieron del Gorky un espacio muy popular, especialmente en verano.




Pero además el Parque Gorky ha acogido numerosas exposiciones a fin de diseminar la cultura entre la población. Los pabellones de exposición fueron una tipología predilecta por los arquitectos soviéticos, ya que pudieron experimentar con propuestas en las que plasmaban sus ideales de lo que la sociedad soviética debería haber sido.


Tras el colapso de la Unión Soviética el parque empezó a deteriorarse, llenándose de atracciones baratas y puestos de comida chatarra. Sin embargo, en el 2011 el parque sufrió una renovación integral, incluyendo grandes áreas de paisajismo, una enorme pista de patinaje, ciclovías, y acceso WiFi libre.


En el 2008 se formó el Centro para la Cultura Contemporánea Garage que se ha convertido en un gran promotor del arte y la cultura en el parque, llevando a cabo exhibiciones y programas de educación con grandes exponentes del arte contemporáneo.



Entre otras actividades, Garage invitó al arquitecto Rem Koolhas para la puesta en valor del otrora famoso restaurante Vremena Goda (Estaciones del Año). El proyecto de OMA ofrecía un edificio de 5400 m2, incluyendo dos niveles para galerías de exhibición, centro creativo para niños, tienda, café, auditorio y oficinas.
La conclusión de este edificio estaba prevista para el 2014, pero ha sido postergada dada la situación económica del gigante ruso.

 
Maqueta de la propuesta de OMA para la remodelación del restaurante Vremena Goda

Además, Garage  -que debe su nombre a haberse instalado originalmente en el antiguo garage de buses- organiza frecuentes eventos y exposiciones temporales, que promueven el intercambio y desarrollo de actividades artísticas y culturales contemporáneas.


Lugar para el verano, 2013. Estructuras en papel.

En octubre el 2012, Garage organizó la muestra "Exposiciones Temporales en el Parque Gorky: desde Melnikov hasta Ban". El centro de esta exposición fue un pabellón temporal diseñado por el arquitecto japonés Shigeru Ban, quien fuera posteriormente galardonado con el premio Pritzker en el 2014 (el más reciente, al momento que escribo este post).



Ban ha sido internacionalmente reconocido por sus estructuras efímeras y su aporte ha sido muy valioso especialmente después de tragedias que requerían la ejecución de edificios baratos y de rápida construcción, como la Catedral erigida luego del terremoto de Christchurch en Nueva Zelandia o los albergues construidos luego del terrible tsunami en Japón el 2011, financiados con su propio peculio.

Detalle de la maqueta para el pabellón en el Parque Gorky.
La arquitectura de Shigeru Ban se caracteriza por el uso de materiales reciclables, como el cartón o el papel. En ese sentido, la propuesta para el pabellón en el parque Gorki comprende una secuencia de tubos de cartón describiendo una elipse de 2400 m2 de área y encerrando una estructura transparente de metal y vidrio de forma rectangular que comprende el área de exhibición de 800 m2.

 


Los tubos de cartón, además de un carácter estético tienen una función estructural, ya que soportan toda la carga del techo. Shigeru Ban los denomina "la estructura invisible".


 
 
 


En la intersección de ambas geometrías se acomoda una cafetería y hacia el otro extremo ambientes de apoyo. La cafetería logra una atmósfera de calidez gracias a materiales simples como la madera y el cartón, contrastando con el blanco del prisma rectangular.


Esta simpleza en el material y la composición permitió que el pabellón sea construido en tiempo récord y a un costo muy reducido. El pabellón debía haber sido demolido en diciembre del 2012, pero afortunadamente Garage ha decidido mantenerlo, y estaba en exhibición al menos hasta Setiembre del 2014.



La propuesta es sencilla, pero logra interesantes juegos de luz, la cual se filtra a través de los intesticios entre los tubos. ëstos sostienen una cobertura que corona la composición de la fachada, la cual por momentos pareciera estar levitando dada la ligereza del material.

Al interior, el arquitecto nipón ha hecho también uso de tubos de cartón para la composición del mobiliario, como la recepción y algunos de las mesas que tiene un diseño suigéneris.




Al momento de la visita, el pabellón al interior no incluía la exposición original de los trabajos de Melnikov y otros, pero sí trabajos de finales de los 1990s bajo el título de The New International, una muestra que recoge una forma de describir cómo los individuos comparten, entienden o experimentan situaciones de contexto específico sin universalizar sus resultados.

"Estaba interesado en trabajar en Rusia especialmente por la cultura, arquitectura, música y arte rusos, debido a sus conexiones con Japón. Si bien Rusia y Japón son vecinos, tenemos cultuas muy diferentes. Garage es muy conocido en la comunidad artística internacional por sus proyectos progresistas. "
Shigeru Ban


VER TAMBIÉN 

- Parques Urbanos

 - Pequeños Museos y Galerías de Arte


EL PALACIO DE CNOSSOS, CRETA

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Foto cortesía de lepidoptero


Encuentro fascinante el recorrido por antiguas ruinas de civilizaciones pretéreas, cubrirme de polvo deambulando por entre sus desgastados restos y ejercitar la imaginación para elucubrar el magnífico aspecto que debieron ostentar en sus eras de máximo esplendor. En esta ocasión, el Palacio de Cnossos o Knossos en la isla de Creta,  me produce, por un lado la emoción inmensa de transitar por el corazón de la cultura minoica, que fuera predecesora de la griega y a su vez cuna de nuestra civilización. Por el otro requiere de un gran ejercicio de síntesis, al tratar de entender la laberíntica estructura espacial. Este adjetivo no es una mera metáfora, ya que, para algunos, el laberinto nació aquí y dio origen a la leyenda del Minotauro.

Palacio de Knossos. Detalle de la Gran Escalera Central.

La civilización minoica floreció 1500 años antes del esplendor de la Grecia Clásica en Atenas, constituyéndose en una de las primeras y más sofisticadas culturas europeas de la Edad de Cobre y de Bronce. Su centro de desarrollo fue la isla de Creta y su monumento más conocido es el palacio de Cnossos, descubierto en 1900 por Sir Arthur Evans. Si bien la reconstrucción  hecha por Evans en algunas zonas de este complejo resulta muy controversial para los criterios arqueológicos contemporáneos, desde el punto de vista arquitectónico permite una lectura más clara de este intricado complejo.

Mujeres en azul, famoso fresco minoico

EMPLAZAMIENTO.

Creta, ubicada al sur de Grecia continental, es una isla con un área aproximada a la de Puerto Rico, y cuya geografía cuenta con fértiles tierras que se alternan con agrestes cadenas montañosas, variados microclimas, recursos, fauna y paisajes. Sin embargo, Creta es también una tierra de intensa actividad telúrica, habiendo experimentado en su historia devastadores terremotos cuyas cicatrices se evidencian en las sucesivas reconstrucciones efectuadas en sus ciudades y complejos arquitectónicos.


Los minoicos, que florecieron entre los siglos XXVII y XV a.C. dejaron numerosas muestras de su avanzada cultura y sofisticado arte y arquitectura, incluyendo tumbas, palacios, templos y ciudades; entre todos ellos destaca el llamado palacio de Cnossos, ubicado al borde de un valle que desemboca en el mar Egeo, a unos 5 km de la moderna Heraclión.



A pesar de que los habitantes de esta región eran llamados “Keftiu” o “Kaftor”, Evans les dio el nombre de Minoicos basándose en la leyenda del rey Minos, quien se decía tenía un minotauro encerrado en un laberinto (ver esta leyenda en más detalle en Anécdotas de Moleskine). Esta leyenda también llevó a Evans a asumir que Cnossos era un palacio, pero diversos estudios realizados durante las décadas subsiguientes han concluido que éste sería más bien un complejo multiusos.

La complicada disposición de las habitaciones llevó a Evans a pensar que éste sería el laberinto del que hablaba la leyenda (de hecho, es este lugar el que daría origen a la palabra “Laberinto”, que viene del griego “labyrynthos”, o sea “lugar de los labrys”, que eran unas hachas de doble filo que habrían sido usadas para el sacrificio de los toros y que fueron representadas numerosas veces en Creta). Sin embargo, la composición enmarañada de Cnosos habría provenido de la influencia de algunas construcciones egipcias, dado que éstos habrían tenido contacto fluido con los cretenses (los minoicos eran reconocidos por su fina artesanía y por la producción de artículos de lujo, particularmente de púrpura).



CARACTERÍSTICAS

El complejo de Cnossos se yergue sobre una pequeña colina y comprende casi un millar de habitaciones, dispuestas en una superficie de cerca de 2.25 ha. Si bien la geometría de estos ambientes es básicamente ortogonal, éstos se ubican en bloques que se disponen “centrífugamente” en torno una plaza rectangular, típica de los complejos minoicos.



La característica más resaltante es la disposición de las habitaciones que se conectaban entre sí por una serie de corredores. Las habitaciones se habrían agrupado por su función en áreas de administración, almacenamiento, rituales religiosos, alojamiento del personal, talleres y la vivienda de la familia real. Sin embargo, este primer complejo fue destruido por un terremoto ocurrido alrededor de 1700 a.C. lo que obligó a los minoicos a construir un nuevo conjunto sobre la base del anterior, adicionando algunas funciones nuevas como templos, y especialmente infraestructura de almacenamiento de agua y sistemas de drenaje de aguas servidas y pluviales.



SISTEMA CONSTRUCTIVO
Las columnas de Cnosos son características de la cultura minoica. Estas columnas de sección circular eran hechas de madera de ciprés -a diferencia de las posteriores columnas griegas de piedra- y tenían la base ligeramente más delgada que su tope, dando la impresión de tener más altura (éntasis). Esta técnica también impedía que, una vez instaladas, la madera vuelva a a brotar. Fue la primera vez que  las columnas eran colocadas encima de otras a fin de distribuir mejor las cargas de las vigas horizontales (una técnica inventada por los minoicos y que se emplea hasta nuestros días).



Fueron coronadas por un capitel en forma de dona, al igual que su basa que el almohadillada, y pintadas por Evans de colores vivos, como negros, blancos y ocres.


Las paredes eran hechas de piedra y ladrillos de adobe. Los pisos se cubrían con piedra caliza o yeso. Los recintos fueron decorados con mármoles y murales, aprovechando la variedad de tintes naturales que se hallaban en la isla. Los pisos eran cubiertos de piedra caliza o yeso.

 Vista del llamado Salón de las Hachas, un ejemplo de la colorida decoración con frescos en los interiores del palacio. Acuarela de Piet de Jong

ALGUNOS AMBIENTES ESPECIALES

El complejo contiene un enorme repertorio de tesoros arquitectónicos, escultóricos y pictóricos, pero quisiera resaltar algunos de los lugares y recintos más notables que encontramos durante nuestra visita.

Kouloures

Al ingresar, encontramos tres grandes pozas de paredes de piedra, que habrían sido construidas en el periodo del palacio antiguo (1900-1700 a.C.) El nombre koulour significa anillo. ¿Eran estos pozos utilizados para sacrificios sagrados o simplemente depósitos de basura?  Es una pregunta que aún no tiene respuesta concreta.


 
Teatro

Este es uno de los teatros más antiguos del mundo, contaba con una capacidad para 400 personas y era  probablemente usado para representaciones rituales y sagradas. Estaba compuesto por dos rampas de escalones que enfrentaban a la calle que llevaba al puerto.

Foto cortesía de Leon Mauldin

Corredor de las procesiones
Este espacio de al rededor de 1 m de ancho y 3.3 m de altura, cruza el patio oeste y desembocaba en medio del palacio.


Recibe su nombre debido a que estaba decorado con frescos representando grupos de sacerdotes y otros ciudadanos en el llamado "Fresco de la procesión". En realidad, se trata de una interpretación artística, ya que sólo se conservaron fragmentos del original.


Propileo Sur 
Este palacio de 3 a 5 pisos de altura, fue la entrada sur del palacio minoico de Knossos, o al menos la interpretación en la reconstrucción de Evans. El palacio fue construido con  piedra y mortero de barro en combinación con madera y sustentado en gruesas paredes de 1 metro de espesor. Se trata de una secuencia de dos salones, siendo el exterior más del doble de profundo (8.5 m) que el interior (4.3 m). 




El interior de las paredes estaba recubierto con seis o siete capas de yeso mineral blanco, cuyos cristales brillaban a la luz, dándole al recinto una impresión de lujo y belleza. Las paredes de la planta baja eran más gruesas y las habitaciones más pequeñas, con pilares que sostienen la superestructura. 




El Patio Central

Este es el espacio organizador del conjunto palaciego, donde se habrían llevado a cabo ceremonias y rituales, a su vez que permitía brindar iluminación y ventilación a las habitaciones. Mide aproximadamente 25 x 50 metros, medidas que coinciden con las de otros patios en palacion minoicos, como Mallia y Faistos, lo que sugiere debio tener un uso estandarizado para un rol específico.

 Algunos investigadores especulan que aquí se habrían llevado a cabo la ceremonia religiosa del salto sobre los toros (cabe destacar que en aquel entonces existían una especie de bóvidos, extinta hace unos cuatro siglos, que era mucho más grande que el toro actual, alcanzando una altura de 2 m en su lomo). Otros, sin embargo dudan de esta función, ya que hubiera sido muy difícil ejecutar en un espacio de esquinas agudas y piso resbaladizo.

En este espacio tiene un piso pavimentado con losa de piedra. Conservó el enlosetado en su piso hasta el medioevo, cuando conquistadores venecianos utilizaron estos materiales para la construcción de una fortaleza en Heraklión.



El Cuarto del trono

Este es probablemente el recinto principal, localizado al oeste del patio central del palacio, llamado así por el trono de alabastro encontrado en el lugar. Evans asumió que pertenecía a Minos, aunque se cree que más bien habría pertenecido a una mujer, dada las formas curvas del trono, la forma del asiento y el cuarto creciente tallado en su base.


Está precedido por una antesala, que a su vez se vinculaba a la plaza central. Tanto la antesala como el cuarto del trono tienen bancas., donde hay un un trono de madera sobre un podio bajo en la pared norte, con bancos de alabastro lo largo de la pared opuesta. También es posible encontrar una hilera de vasos de alabastro con forma de hoja.

Luego, una doble puerta conduce a la antesala del Salón del Trono y está cerrado al público. En la pared norte se encuentra el trono de alabastro, con bancos a cada lado y una cuenca porfirita en el suelo delante de él, en el centro de la habitación. En la pared sur está un fresco representando grifos sentados en cuclillas, figuras mitológicas con cuerpo de león y cabeza de ave., que simbolizaban el poder real y divino.


El Salón del Trono fue un lugar sagrado, ya que incluia un lavabo utilizado para la limpieza ritual. La puerta detrás de esta área lleva a las habitaciones secundarias sin ventanas, que albergaban figuras de divinidades y los vasos rituales. Hay además una escalera que lleva a una sala inferior donde se realizaban ritos de purificación.




La gran escalera monumental 

El interior del palacio de Knossos era luminoso y ventilado, gracias a la presencia de pozos de luz, una característica integral de la arquitectura palaciega minoica.  La gran escalera tiene dos alas y está enmarcada por una columnata de soporte de la superestructura. La anchura, la altura y la ligera inclinación de los pasos hacen que la escalera particularmente fácil de usar. Los dos niveles inferiores son originales, mientras que los dos superiores han sido restaurados.



Los Aposentos del rey Minos

Los Apartamentos del rey Minos también se conocen como el Salón de las hachas dobles, debido a  los símbolos característicos de las paredes. La habitación está especialmente bien construida, y usa piedras sin argamasa. El llamado Megaron se compone de la sala principal, con "polythyra" (varias entradas) y los pasillos circundantes que proporcionan luz y el aire. En el corredor oeste se encuentran los restos de un impresionante trono, ahora protegidos por cristal. En alguna oportunidad hubo frescos en las paredes, y en algunas partes puede aun verse  la "figura de ocho escudos", la "Argonauta" y el "Toro"


Aposentos de la Reina
Bellamente decorados, en especial por los llamados "frescos de los delfines". Las habitaciones contenían ventanas, bancos y un pasillo . En las habitaciones secundarias conexas se ubica un baño con agua corriente y sarcófagos. En la planta superior, en una pequeña capilla, fue encontrado un tesoro de marfil


 

El Propileo del Norte 
Es la entrada norte al Palacio de Knossos y se encuentra al final de la carretera del puerto. El Propileo enmarca la rampa de entrada.


Hace miles de años, los visitantes que llegaban por mar solían ingresar Knossos por el Propileo Norte.  Esta es una de las imágenes más representativas de Knosos, debido a las coloridas columnas recreadas por Evans Y al llamado Fresco del Toro, de vivos colores rojizos sobre fondo azul.


La reconstrucción gráfica siguiente permite apreciar la escala y longitudinalidad del espacio. También es posible apreciar algunos detalles, como el tipo de columnas y el característico friso que coronaba los edificios.



Es posible apreciar la escala y forma de unos de estos ornnamentos que recuerda la cornatura de un toro, y que debieron haber sido un icono simbólico de la cultura minoica.


***

Más allá de la controversia generada por la restauración de Evans, lo cierto es que el Palacio de Knossos marcó un importante hito en la historia de la arquitectura, por su imponente relación con el paisaje, por la contundente organización de sus espacios urbanos en contraposición con la intrincada disposición de sus habitaciones, por la innovadora utilización de pilares como elementos constructivos, y por la calidez lumínica, decoración y colorido que supieron imprimir a sus espacios arquitectónicos.

 Fresco de "Los toreadores" o "saltadores de toros" actividad ritual, artística y deportiva que representaba el dominio del hombre sobre la bestia y a la vez una especial admiración a estos animales, una especie extinta que superaba los 2 m de altura.



VER TAMBIÉN
 
ARQUITECTURA EN LA EDAD DE BRONCE



ARQUITECTURA CLÁSICA


DIÁLOGOS: PAISAJES DEL MUNDO (III)

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Desde este martes 7 de abril, en la Galería de Arte de la Biblioteca del Centro Cultural Peruano Norteamericano, ubicada en la calle Rivero 415, Arequipa, se presentará la exhibición fotográfica personal "Diálogos: Paisajes del Mundo"

La muestra se compone de una serie de pares fotográficos, representando diversos paisajes, separados en tiempo  y espacio pero unidos por una idea común, ya sea formal o simbólica, sugerida sutilmente por un título.

Sin embargo, espectador es invitado a establecer esta conexión, y de esta manera se convierte en agente del diálogo entre ambos lugares.

MÁS ALLÁ DE LA FRACTURA
1. Templo de Angkor Wat, Camboya
2. La monumental Tesorería en Petra, Jordania, vista desde el ondulante pasaje llamado Siq.


ENREDADOS
1) Ruinas del templo de Ta Prohm, Camboya, invadido por la jungla. 2) Detalle del moderno Estadio Olímpico de Pekín, China, que evoca un "Nido de Pájaro"


La colección ha sido anteriormente exhibida en el Colegio de Arquitectos del Perú en Lima y en ARTETAGE, el Museo de Arte Contemporáneo de Vladivostok, Rusia

Esta muestra es una selección de lugares presentados en este blog.

Agradezco la deferencia del Centro Cultural Peruano Norteamericano, especialmente a la Sra. Martha Valencia, por su acogida y apoyo para la realización de esta exhibición.




VER TAMBIÉN:

EL PALACIO DE CNOSSOS, CRETA

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Foto cortesía de lepidoptero


Encuentro fascinante el recorrido por antiguas ruinas de civilizaciones pretéreas, cubrirme de polvo deambulando por entre sus desgastados restos y ejercitar la imaginación para elucubrar el magnífico aspecto que debieron ostentar en sus eras de máximo esplendor. En esta ocasión, el Palacio de Cnossos o Knossos en la isla de Creta,  me produce, por un lado la emoción inmensa de transitar por el corazón de la cultura minoica, que fuera predecesora de la griega y a su vez cuna de nuestra civilización. Por el otro requiere de un gran ejercicio de síntesis, al tratar de entender la laberíntica estructura espacial. Este adjetivo no es una mera metáfora, ya que, para algunos, el laberinto nació aquí y dio origen a la leyenda del Minotauro.

Palacio de Knossos. Detalle de la Gran Escalera Central.

La civilización minoica floreció 1500 años antes del esplendor de la Grecia Clásica en Atenas, constituyéndose en una de las primeras y más sofisticadas culturas europeas de la Edad de Cobre y de Bronce. Su centro de desarrollo fue la isla de Creta y su monumento más conocido es el palacio de Cnossos, descubierto en 1900 por Sir Arthur Evans. Si bien la reconstrucción  hecha por Evans en algunas zonas de este complejo resulta muy controversial para los criterios arqueológicos contemporáneos, desde el punto de vista arquitectónico permite una lectura más clara de este intricado complejo.

Mujeres en azul, famoso fresco minoico

EMPLAZAMIENTO.

Creta, ubicada al sur de Grecia continental, es una isla con un área aproximada a la de Puerto Rico, y cuya geografía cuenta con fértiles tierras que se alternan con agrestes cadenas montañosas, variados microclimas, recursos, fauna y paisajes. Sin embargo, Creta es también una tierra de intensa actividad telúrica, habiendo experimentado en su historia devastadores terremotos cuyas cicatrices se evidencian en las sucesivas reconstrucciones efectuadas en sus ciudades y complejos arquitectónicos.


Los minoicos, que florecieron entre los siglos XXVII y XV a.C. dejaron numerosas muestras de su avanzada cultura y sofisticado arte y arquitectura, incluyendo tumbas, palacios, templos y ciudades; entre todos ellos destaca el llamado palacio de Cnossos, ubicado al borde de un valle que desemboca en el mar Egeo, a unos 5 km de la moderna Heraclión.



A pesar de que los habitantes de esta región eran llamados “Keftiu” o “Kaftor”, Evans les dio el nombre de Minoicos basándose en la leyenda del rey Minos, quien se decía tenía un minotauro encerrado en un laberinto (ver esta leyenda en más detalle en Anécdotas de Moleskine). Esta leyenda también llevó a Evans a asumir que Cnossos era un palacio, pero diversos estudios realizados durante las décadas subsiguientes han concluido que éste sería más bien un complejo multiusos.

La complicada disposición de las habitaciones llevó a Evans a pensar que éste sería el laberinto del que hablaba la leyenda (de hecho, es este lugar el que daría origen a la palabra “Laberinto”, que viene del griego “labyrynthos”, o sea “lugar de los labrys”, que eran unas hachas de doble filo que habrían sido usadas para el sacrificio de los toros y que fueron representadas numerosas veces en Creta). Sin embargo, la composición enmarañada de Cnosos habría provenido de la influencia de algunas construcciones egipcias, dado que éstos habrían tenido contacto fluido con los cretenses (los minoicos eran reconocidos por su fina artesanía y por la producción de artículos de lujo, particularmente de púrpura).



CARACTERÍSTICAS

El complejo de Cnossos se yergue sobre una pequeña colina y comprende casi un millar de habitaciones, dispuestas en una superficie de cerca de 2.25 ha. Si bien la geometría de estos ambientes es básicamente ortogonal, éstos se ubican en bloques que se disponen “centrífugamente” en torno una plaza rectangular, típica de los complejos minoicos.



La característica más resaltante es la disposición de las habitaciones que se conectaban entre sí por una serie de corredores. Las habitaciones se habrían agrupado por su función en áreas de administración, almacenamiento, rituales religiosos, alojamiento del personal, talleres y la vivienda de la familia real. Sin embargo, este primer complejo fue destruido por un terremoto ocurrido alrededor de 1700 a.C. lo que obligó a los minoicos a construir un nuevo conjunto sobre la base del anterior, adicionando algunas funciones nuevas como templos, y especialmente infraestructura de almacenamiento de agua y sistemas de drenaje de aguas servidas y pluviales.



SISTEMA CONSTRUCTIVO
Las columnas de Cnosos son características de la cultura minoica. Estas columnas de sección circular eran hechas de madera de ciprés -a diferencia de las posteriores columnas griegas de piedra- y tenían la base ligeramente más delgada que su tope, dando la impresión de tener más altura (éntasis). Esta técnica también impedía que, una vez instaladas, la madera vuelva a a brotar. Fue la primera vez que  las columnas eran colocadas encima de otras a fin de distribuir mejor las cargas de las vigas horizontales (una técnica inventada por los minoicos y que se emplea hasta nuestros días).



Fueron coronadas por un capitel en forma de dona, al igual que su basa que el almohadillada, y pintadas por Evans de colores vivos, como negros, blancos y ocres.


Las paredes eran hechas de piedra y ladrillos de adobe. Los pisos se cubrían con piedra caliza o yeso. Los recintos fueron decorados con mármoles y murales, aprovechando la variedad de tintes naturales que se hallaban en la isla. Los pisos eran cubiertos de piedra caliza o yeso.

 Vista del llamado Salón de las Hachas, un ejemplo de la colorida decoración con frescos en los interiores del palacio. Acuarela de Piet de Jong

ALGUNOS AMBIENTES ESPECIALES

El complejo contiene un enorme repertorio de tesoros arquitectónicos, escultóricos y pictóricos, pero quisiera resaltar algunos de los lugares y recintos más notables que encontramos durante nuestra visita.

Kouloures

Al ingresar, encontramos tres grandes pozas de paredes de piedra, que habrían sido construidas en el periodo del palacio antiguo (1900-1700 a.C.) El nombre koulour significa anillo. ¿Eran estos pozos utilizados para sacrificios sagrados o simplemente depósitos de basura?  Es una pregunta que aún no tiene respuesta concreta.


 
Teatro

Este es uno de los teatros más antiguos del mundo, contaba con una capacidad para 400 personas y era  probablemente usado para representaciones rituales y sagradas. Estaba compuesto por dos rampas de escalones que enfrentaban a la calle que llevaba al puerto.

Foto cortesía de Leon Mauldin

Corredor de las procesiones
Este espacio de al rededor de 1 m de ancho y 3.3 m de altura, cruza el patio oeste y desembocaba en medio del palacio.


Recibe su nombre debido a que estaba decorado con frescos representando grupos de sacerdotes y otros ciudadanos en el llamado "Fresco de la procesión". En realidad, se trata de una interpretación artística, ya que sólo se conservaron fragmentos del original.


Propileo Sur 
Este palacio de 3 a 5 pisos de altura, fue la entrada sur del palacio minoico de Knossos, o al menos la interpretación en la reconstrucción de Evans. El palacio fue construido con  piedra y mortero de barro en combinación con madera y sustentado en gruesas paredes de 1 metro de espesor. Se trata de una secuencia de dos salones, siendo el exterior más del doble de profundo (8.5 m) que el interior (4.3 m). 




El interior de las paredes estaba recubierto con seis o siete capas de yeso mineral blanco, cuyos cristales brillaban a la luz, dándole al recinto una impresión de lujo y belleza. Las paredes de la planta baja eran más gruesas y las habitaciones más pequeñas, con pilares que sostienen la superestructura. 




El Patio Central

Este es el espacio organizador del conjunto palaciego, donde se habrían llevado a cabo ceremonias y rituales, a su vez que permitía brindar iluminación y ventilación a las habitaciones. Mide aproximadamente 25 x 50 metros, medidas que coinciden con las de otros patios en palacion minoicos, como Mallia y Faistos, lo que sugiere debio tener un uso estandarizado para un rol específico.

 Algunos investigadores especulan que aquí se habrían llevado a cabo la ceremonia religiosa del salto sobre los toros (cabe destacar que en aquel entonces existían una especie de bóvidos, extinta hace unos cuatro siglos, que era mucho más grande que el toro actual, alcanzando una altura de 2 m en su lomo). Otros, sin embargo dudan de esta función, ya que hubiera sido muy difícil ejecutar en un espacio de esquinas agudas y piso resbaladizo.

En este espacio tiene un piso pavimentado con losa de piedra. Conservó el enlosetado en su piso hasta el medioevo, cuando conquistadores venecianos utilizaron estos materiales para la construcción de una fortaleza en Heraklión.



El Cuarto del trono

Este es probablemente el recinto principal, localizado al oeste del patio central del palacio, llamado así por el trono de alabastro encontrado en el lugar. Evans asumió que pertenecía a Minos, aunque se cree que más bien habría pertenecido a una mujer, dada las formas curvas del trono, la forma del asiento y el cuarto creciente tallado en su base.


Está precedido por una antesala, que a su vez se vinculaba a la plaza central. Tanto la antesala como el cuarto del trono tienen bancas., donde hay un un trono de madera sobre un podio bajo en la pared norte, con bancos de alabastro lo largo de la pared opuesta. También es posible encontrar una hilera de vasos de alabastro con forma de hoja.

Luego, una doble puerta conduce a la antesala del Salón del Trono y está cerrado al público. En la pared norte se encuentra el trono de alabastro, con bancos a cada lado y una cuenca porfirita en el suelo delante de él, en el centro de la habitación. En la pared sur está un fresco representando grifos sentados en cuclillas, figuras mitológicas con cuerpo de león y cabeza de ave., que simbolizaban el poder real y divino.


El Salón del Trono fue un lugar sagrado, ya que incluia un lavabo utilizado para la limpieza ritual. La puerta detrás de esta área lleva a las habitaciones secundarias sin ventanas, que albergaban figuras de divinidades y los vasos rituales. Hay además una escalera que lleva a una sala inferior donde se realizaban ritos de purificación.




La gran escalera monumental 

El interior del palacio de Knossos era luminoso y ventilado, gracias a la presencia de pozos de luz, una característica integral de la arquitectura palaciega minoica.  La gran escalera tiene dos alas y está enmarcada por una columnata de soporte de la superestructura. La anchura, la altura y la ligera inclinación de los pasos hacen que la escalera particularmente fácil de usar. Los dos niveles inferiores son originales, mientras que los dos superiores han sido restaurados.



Los Aposentos del rey Minos

Los Apartamentos del rey Minos también se conocen como el Salón de las hachas dobles, debido a  los símbolos característicos de las paredes. La habitación está especialmente bien construida, y usa piedras sin argamasa. El llamado Megaron se compone de la sala principal, con "polythyra" (varias entradas) y los pasillos circundantes que proporcionan luz y el aire. En el corredor oeste se encuentran los restos de un impresionante trono, ahora protegidos por cristal. En alguna oportunidad hubo frescos en las paredes, y en algunas partes puede aun verse  la "figura de ocho escudos", la "Argonauta" y el "Toro"


Aposentos de la Reina
Bellamente decorados, en especial por los llamados "frescos de los delfines". Las habitaciones contenían ventanas, bancos y un pasillo . En las habitaciones secundarias conexas se ubica un baño con agua corriente y sarcófagos. En la planta superior, en una pequeña capilla, fue encontrado un tesoro de marfil


 

El Propileo del Norte 
Es la entrada norte al Palacio de Knossos y se encuentra al final de la carretera del puerto. El Propileo enmarca la rampa de entrada.


Hace miles de años, los visitantes que llegaban por mar solían ingresar Knossos por el Propileo Norte.  Esta es una de las imágenes más representativas de Knosos, debido a las coloridas columnas recreadas por Evans Y al llamado Fresco del Toro, de vivos colores rojizos sobre fondo azul.


La reconstrucción gráfica siguiente permite apreciar la escala y longitudinalidad del espacio. También es posible apreciar algunos detalles, como el tipo de columnas y el característico friso que coronaba los edificios.



Es posible apreciar la escala y forma de unos de estos ornnamentos que recuerda la cornatura de un toro, y que debieron haber sido un icono simbólico de la cultura minoica.


***

Más allá de la controversia generada por la restauración de Evans, lo cierto es que el Palacio de Knossos marcó un importante hito en la historia de la arquitectura, por su imponente relación con el paisaje, por la contundente organización de sus espacios urbanos en contraposición con la intrincada disposición de sus habitaciones, por la innovadora utilización de pilares como elementos constructivos, y por la calidez lumínica, decoración y colorido que supieron imprimir a sus espacios arquitectónicos.

 Fresco de "Los toreadores" o "saltadores de toros" actividad ritual, artística y deportiva que representaba el dominio del hombre sobre la bestia y a la vez una especial admiración a estos animales, una especie extinta que superaba los 2 m de altura.



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ARQUITECTURA CLÁSICA


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