Mi Moleskine Arquitectónico

El siguiente es un extracto de un artículo publicado en la revista rusa especializada URBAN, sobre un proyecto que tuve el honor de dirigir, en colaboración con mi colega Sergei Mostovoi y los estudiantes de la Universidad Federal del Lejano Oriente en Vladivostok, Rusia.

El gobierno ruso ha estado prestando especial atención a Vladivostok en los últimos años. La cumbre de la APEC celebrada en septiembre de 2012 dio un nuevo impulso al desarrollo de la ciudad como un centro de negocios y de cooperación innovadora entre Rusia y los países del Asia-Pacífico .
Los preparativos para un evento internacional tan significativo requirieron esfuerzos serios para crear y mejorar la infraestructura de Vladivostok y más de 50 proyectos alrededor de la ciudad han sido completados o restauradas. Entre ellas, la Universidad Federal del Lejano Oriente , un centro médico, tres puentes, un teatro de la ópera y el ballet, el aeropuerto internacional, etc.
Ha habido cambios importantes en la infraestructura de la isla Russky, donde se celebró la cumbre. El imponente puente cruzando ell llamado estrecho de Bósforo Oriental conectó a la isla con la red de transportes de Vladivostok y la hizo parte de la ciudad.
El rico paisaje natural de la isla hace que sea un buen lugar para crear una zona recreativa y turpistica, lo que tendría un impacto positivo en la vida socioeconómica de Vladivostok.
Hoy en día el desarrollo de la ciudad está gravitando hacia el modelo de desarrollo sostenible que combina una economía eficaz,un espacio social armonioso y un entorno urbano cómodo.

El puente más largo del mundo une Vladivostok y la isla Russky

A pesar de su esfuerzo por mejorar el medio ambiente urbano, sin embargo, el gobierno de la ciudad ha sido incapaz de resolver los problemas de larga data que se remontan al pasado. En los 1960-s el destacado arquitecto E. Vasiliev que estudió los problemas urbanos de Vladivostok criticó la política ambiental de la ciudad (1).
De acuerdo con el Plan Maestro de Vladivostok, el objetivo fundamental es la preservación y restauración del centro histórico de la ciudad, que incluye la Plaza de Armas, los frentes acuáticos de las bahías de Amur y el Cuerno de Oro (2).
El centro histórico, una firma icónica de Vladivostok, refleja la evolución del Lejano Oriente ruso y juega un papel clave en la infraestructura turística de la ciudad.
Ante esto, los responsables políticos deben tener en cuenta el problema relacionado con la construcción de nuevas torres de gran altura en el centro, ya que chocan con el patrimonio arquitectónico de la ciudad.
La creación de espacios públicos abiertos mejorará la imagen arquitectónica de Vladivostok y su entorno.

Vladivostok es rica en patrimonio urbano, sin embargo, el espacio urbano está ocupado en su mayoría por los estacionamientos que bloquean la vista de la zona monumental.

Sin embargo, hay algunos obstáculos que deben superarse. Uno de ellos es la falta de un enfoque sistemático integral para la formulación y el desarrollo de los espacios urbanos en el centro de Vladivostok.La solución a este problema es una prioridad del plan integral para el desarrollo de la línea de costa de Vladivostok, que se llevó a cabo por el Prof. Carlos Zeballos (de Perú), el Prof. Sergei Mostovoy del Laboratorio de Diseño Urbano y Paisaje de la Universidad Federal del Lejano Oriente.
A pesar del potencial que ofrecen las áreas frente al mar, Vladivostok, a diferencia de muchas otras ciudades portuarias, tiene muy pocos espacios públicos, donde la gente puede disfrutar de contacto con el agua. Paradójicamente, la mayoría de las áreas frente al mar con un paisaje natural único están ocupados por lotes industriales, estacionamientos y playas en desuso. Mientras tanto, los espacios públicos existentes, relativamente pequeños y dispersos a través de la línea de costa, tienen una débil conexión con la ciudad que limita el acceso de los residentes a la orilla del mar.

Grandes áreas del centro ubicadas frente al mar con un gran potencial para el desarrollo están ocupadas por industria o usos incompatibles.

Propuesta de un parque de metro, la vivienda social y la mejora de las condiciones ambientales de las instalaciones industriales.

De acuerdo con las tendencias mundiales recientes, las áreas frente al mar poseen recursos sociales y ambientales específicos. El reordenamiento arquitectónico y espacial de estas zonas podría ayudar a la ciudad para lograr un objetivo de armonizar el entorno urbano en el contexto del desarrollo sostenible.
El desarrollo de espacios abiertos en Vladivostok debe basarse en la identificación de las interfaces urbanas - las zonas de contacto entre los ecosistemas, a través de las cuales múltiples niveles de interrelación, así como los flujos de materiales, energía e información pueden converger. Desde el punto de vista de la comunicación, las interfaces pueden ser positivas cuando permiten la transmisión de la información, o negativas, cuando no lo hacen. Además, las interfaces pueden ser sociales o activa scuando tienen una función unificadora, al asumir el papel de un nodo o enlace institucional, o pueden ser físicas o pasivas cuando funcionan en el borde o límite entre las áreas activas del tejido urbano que unen.

El método de interfaces difiere de la planificación urbana tradicional, ya que se centra en los puntos claves, sensibles, donde se desarrolla la ciudad. En lugar de invertir una gran cantidad de recursos que los planes urbanos generalmente involucran, los esfuerzos se centran en la resolución de las interfaces, que son especialmente sensibles a las necesidades de las personas y su entorno. Además, las interfaces pueden servir de catalizador para el cambio urbano y canalizar los impactos positivos controlados en sus áreas circundantes, para que a su vez afecten a otros.
Con el fin de identificar la localización de las interfaces, se utilizaron varios indicadores o tipos de información relacionados con las características físicas y socioeconómicas de la zona. Cada indicador fue mapeado y sus valores fueron asignados de acuerdo a su impacto positivo o negativo en el desarrollo de un waterfront público.El análisis se realizó utilizando Sistemas de Información Geográfica (QGIS específicamente), se sistematizaron y georeferenciaron los datos y se han reorganizado en capas temáticas de acuerdo con el tema de la investigación.

Análisis de interfaces. Las manchas rojas oscuras muestran las áreas más factibles para la intervención.

Las capas se combinan en un único mapa de interfaces. Las áreas más oscuras corresponden a las zonas de las principales interfaces situados en las proximidades del frente marítimo y adecuados para la intervención.
Los tonos más claros corresponden a cualquiera de las áreas lejos de la línea de costa o donde la intervención es no factible ni conveniente.
El análisis de las interfaces pasivas o físicas no sólo identifica la ubicación de las zonas más sensibles, sino también las características de su entorno. Además, las interfaces activas o sociales sugieren las características culturales y los patrones de apropiación del espacio público. Este estudio permite considerar tres ejes principales que estructuran el plan maestro para el desarrollo del centro de la ciudad y su paseo marítimo.

Las interfaces se organizaron en tres ejes principales: recreativos, monumentales y cívicos.

El primero es un eje que conecta los espacios ubicados en el extremo norte de la Bahía del Cuerno de Oro, como la Plaza Principal, el parque Korabelnaya y el Tsesarevitch . Este eje se extiende hacia el este a través de la calle Svetlankaya , que alberga algunos de los ejemplos más importantes del patrimonio arquitectónico de la ciudad. El segundo eje es paralelo a la costa a lo largo de la Bahía de Amur y contiene áreas de deportes, instalaciones turísticas y recreativas. El tercer eje se halla perpendicular a la Bahía del Cuerno de Oro , conectando Parque Pokrovskiy con la Plaza de Armas junto con la avenida Okeanskiy .
Estos tres ejes articulan una estructura multipolar que establece un circuito urbano que abarca las actividades ecológicas y de recreación, el transporte, el turismo y la preservación del patrimonio urbano.
Sin embargo, es discutible si la mera presencia de estos ejes aseguraría un diálogo fluido entre la ciudad y el mar, por lo que se llevó a cabo un análisis de integración usando Space Syntax. La clave del éxito del sistema recaía en elementos que faciliten la accesibilidad tanto horizontal como vertical a estos tres ejes.
Jane Jacobs hace hincapié en la importancia del acceso a los espacios urbanos con el fin de evitar que se conviertan áreas abandonadas que promueven el vandalismo y la delincuencia (3).
Con base en este análisis se propone un modelo espacial de la ciudad de Vladivostok, incluyendo la ubicación de los proyectos clave y su interconexión a través de ejes espaciales o corredores. El plan propone una continuidad de actividades de renovación urbana, así como enlaces entre el centro, la Bahía del Cuerno de Oro y la Bahía de Amur.

Plan maestro de Vladivostok, basado en una red de espacios públicos, vinculados en torno de tres ejes principales

El plan maestro comprende los siguientes proyectos:
Frente al Parque Metropolitano, ubicado en la costa de la Bahía de Amur en la parte central de la ciudad, se porpone un gran espacio verde multifuncional de alrededor de 20 hectáreas, vivienda social y actividades recreativas y culturales. Actualmente es una zona muy contaminada con aparcamientos, naves industriales y vertederos de basura. Tendría una conexión con el Parque Pokrovskiy a través de la ampliación de Krasnogo Znameni perspectiva a través de una sucesión de muros de contención y bulevares. La realización de este proyecto contribuirá al desarrollo de la infraestructura verde en el centro de Vladivostok.
Zonas verdes públicas frente al mar. Creación de un sistema de áreas verdes que implicaría abordar tres tareas: la mejora de los parques y terraplenes existentes a lo largo de las costas de las bahías Amur y el Cuerno de Oro , la creación de nuevos espacios públicos con playas, muelles de pesca, ciclovías y la articulación de estos por medio de corredores o centros comerciales peatonales.
Integración de la Central Energética, situada en la costa de la Bahía de Amur, con un gran complejo recreativo que ayudaría a transformar su territorio en un elemento atractivo en el paisaje urbano.Sin embargo, es necesario en primer lugar reducir las emisiones de la planta de energía y su nivel de contaminación.
Zonas peatonales. Una red de caminos inyecta el flujo del tráfico peatonal de la ciudad a lo largo de la costa. La construcción de una nueva plaza cubriendo la ruta de un tren existente conectaría zonas recreativas en la costa de las bahías Amur y el Cuerno de Oro.La creación de sendas peatonales proporcionaría un sistema de corredores con zonas frente al mar, promoviendo una mejor visualización de los edificios históricos del patrimonio.

Dos propuestas para la peatonalización y la recuperación del espacio urbano para la ciudad y su conexión con el mar a través de nuevos espacios urbanos.

Para este plan sus autores tomaron en cuenta las últimas tendencias en el diseño urbano contemporáneo. Según expertos europeos, las ciudades del futuro serán energéticamente eficientes y verdes. Los nuevos edificios no quemarán combustibles fósiles y generarán su propia electricidad.
Se minimizará el uso de asfalto y concreto. Una abundancia de vegetación urbana hace que la gente se sienta más cómoda (4).
En muchas ciudades de Europa, la movilidad sin coche ha venido ganando popularidad y el transporte público es ahora accesible en toda la ciudad. El nuevo plan maestro Vladivostok debe reflejar estas tendencias.
El desarrollo de los espacios públicos y la formación de una única zona de recreo en Vladivostok adaptada a las características únicas de las Bahías Amur y el Cuerno de Oro representa un diálogo equilibrado entre la ciudad y el mar. La realización de este proyecto mejorará sustancialmente la situación social y ambiental en el Vladivostok.

La recuperación de la zona costera y su vinculación con los espacios urbanos superiores a través de la accesibilidad vertical,

1 Vasiliev, EA, Orlova, MV, Sukhova, VI Problemas de verdor en Vladivostok. Vladivostok, 1962. PP. 3-14.
2 El Plan Maestro de Vladivostok Área Metropolitana. Reglamento de la planificación regional. 1028-PЗ1. Vol. 1. 2011. P. 13.
3 Jacobs, J. La muerte y la vida de las grandes ciudades / traducido del Inglés. Moscú. 2011. 460 p.
4 Ciudades del mañana - Retos, visiones, formas de avanzar / Comisión Europea - Dirección General de Política Regional.
Luxemburgo: Oficina de Publicaciones de la Unión Europea, 2011. P. 43-46.

VER TAMBIÉN

- Áreas ribereñas (Waterfront Development)

Me gustaría dar las gracias a mis queridos alumnos por su apoyo y entusiasmo durante el trabajo de campo y propuestas.

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La obra maestra del arquitecto holandés Gerrit Rielvield, la casa Schröder (1924), se yergue como el más importante ejemplo de la arquitectura neoplasticista. UNESCO la incluyó en la lista de Patrimonio Mundial en el 2000 debido a ser "un icono en la arquitectura del Movimiento Moderno y una extraordinaria expresión del genio creativo humano en su pureza de ideas desarrolladas por el movimiento De Stijl" y "con cuyo enfoque radical en el diseño y el uso del espacio, ocupa una posición fundamental en el desarrollo de la arquitectura de la era moderna".

ANTECEDENTES
Frits Schröder era un abogado casado con Truus Schräder, farmacista. Ellos tenían un edificio en la calle Biltstraat, en la tranquila ciudad holandesa de Utrecht. Ahí el Sr. Schröder permitió a su señora modificar una habitación a su antojo y encargó el diseño de ésta a Gerrit Rietveld. Cuando la Sra. Truss Schröder enviudó, decidió mudarse a una nueva propiedad, y dada su satisfactoria experiencia con el diseño de Rietveld, le encargó nuevamente el desarrollo de su vivienda en 1924, en la que quiso expresar su visión de cómo debería vivir una mujer moderna e independiente. Ella participó activamente en el diseño de la vivienda y el mobiliario (este edificio en realidad se conoce como la Casa Rietvield Schröder) y vivió en ella por 60 años hasta su muerte en 1984.
Rietvield, por su parte, utilizó esta oportunidad para plasmar los conceptos del movimiento De Stijl o Neoplasticismo, corriente que se basó en la abstracción de todas las formas a líneas y planos ortogonales, y de todos los colores a los primarios, el blanco y el negro.
El mismo Rietvield alquiló una oficina en la casa hasta 1932 y luego de la muerte de su esposa en 1958 se mudó a esta casa, hasta que falleció en 1964 a la edad de 76 años.

UBICACIÓN

La casa Rietvield Schröder se ubica en un suburbio de la ciudad de Utretcht, en el centro de Holanda. Este suburbio está compuesto por casas neoclásicas de ladrillo, al punto que al caminar por la calle Hendriklaan, su paisaje conservador me hizo pensar que me había equivocado de lugar.

La casa se ubica al final de la calle, enfrentando una autopista que cruza perpendicularmente (que por cierto no existía cuando se construyó la casa, ya que se realizó en los 60's. Anteriormente había allí un pequeño bosque hacia el cual se dirigieron las visuales de la zona social). La casa contrasta con su entorno, tanto en la forma como en sus proporciones y materiales, y precisamente la masividad de las casas circundantes de ladrillo permite resaltar la ligereza y transparencia de esta vivienda hecha de concreto, acero y cristal.

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CONCEPTO

El volumen cúbico del edificio es descompuesto, casi desmaterializado y rearmado en elementos primarios, como planos y líneas que se disponen evidenciando la transparencia del interior. Balcones, terrazas y columnas metálicas se entrelazan tratando de enfatizar la inmaterialidad del volumen.

La estructura también permite liberar a los componentes del edificio, separando la envolvente de la función que acoge.

Los planos, líneas y colores de la fachada y del interior, pintados en blanco, negro, rojo azul y amarillo, evocan una composición de Piet Mondrian.

Sin embargo, el mayor aporte de la casa se encuentra en su espacio interior, tanto por su fluidez interna como por su conexión con el exterior. La casa consta de dos niveles, vinculados por una escalera central en espiral.

La casa Rietveld destaca por su flexibilidad, particularmente en el segundo nivel, ya que los ambientes pueden ser ampliados o divididos mediante el despliegue de paneles, un concepto que los diseñadores modernos tomaron de la arquitectura tradicional japonesa. Su planta abierta contrasta con la compartimentarización de las casas de esa época, compuestas de habitaciones y espacios rígidos. La multiplicidad de opciones que ofrece la función fue una contribución directa de la señora Schroder, que quería una casa que ofreciera distintas alternativas de estilo de vida.

Curiosamente, los espacios privados se encuentran dispuestos en el primer nivel, mientras que los más públicos se hallan en el segundo nivel.

Primer nivel. Planta y axonométrica.

Segundo nivel. Planta y axonométrica.

Secciones.

"...Quisimos evitar estilos antiguos no porque fueran feos o porque no queríamos reproducirlos, sino porque nuestros tiempos demandaban nuestra propia forma, es decir, nuestra propia manifestación. Por suepuesto fue muy difícil obtener todo esto a pesar de las regulaciones vigentes, y es por ello que la parte inferior de la casa es algo tradicional, es decir, con paredes fijas. Pero al nivel superior simplemente lo llamamos el "'atico" y es allí donde realmente hicimos la casa que queríamos."
Gerrit Rietveld.

Para tal efecto Rietvield, quien era en un principio carpintero, instaló una serie de paneles plegables que pueden dividir el espacio en diversas formas, cambiando el interior de acuerdo a las necesidades de área, iluminación y privacidad.

El siguiente modelo en 3D explica los componentes arquitectónicos de la casa.

DETALLES

El lenguaje neoplasticista de la casa se complementa con sus detalles, tanto en los vanos y accesorios, como en el mobiliario, al punto de establecer un diálogo continuo con la arquitectura que los contiene.

Silla Roja y Azul y Silla Zigzag, dos creaciones de Rietveld

La casa Schroder se mantiene vigente hasta nuestros días gracias a su evidente modernidad: sus volúmenes simples y líneas racionales que evocan un cuadro de Piet Mondrian en tercera dimensión, su máxima flexibilidad, su diáfana transparencia y fluida espacialidad han inspirado e inspiran numerosas obras contemporáneas.

Nota: Agradezco al arquitecto Fredy Ovando G. por la información brindada.

VER TAMBIÉN
- OTRAS OBRAS DE GERRIT RIETVELD

Museo de Van Gogh

- ARQUITECTURA MODERNA

Junto a Cristina, una guapa española, estudiante de arquitectura.

Desde hace muchos años había querido visitar Chichen Itzá, la espectacular ciudad maya ubicada en la foresta de la península de Yucatán al este de México, mucho antes de que sea nombrada una de las 7 maravillas o de que se pusiera de moda en los tabloides gracias a una interpretación apocalíptica de las “profecías” mayas.

Allí, debemos usar la imaginación para idear una impresionante ciudadela, llena de coloridos monumentos cuyas moles de tonos ocre, turquesa, verde, naranja, blanco y negro se erguían hacia el cielo. Al igual que sus ancestros de Teotihuacán, los mayas de Chichen Itza alternaban la riqueza arquitectónica y cromática con la escultórica, que se evidencia en el detalle de una profusa escultura en relieve en la que representaban serpientes y otras criaturas divinas.

Las ciudades gozaban de una sofisticada planificación urbana y arquitectónica, con complejos sistemas de acueductos, canales y alcantarillado.

La ciudad de Chichen Itza era enorme y cubría una superficie de 24 kilómetros cuadrados con cerca de 400 edificios de piedra distribuídos en 46 grupos que fueron construyéndose a través de los siglos. Si bien no es necesario usar la imaginación para conocer los rasgos de sus habitantes, pues sus descendientes pupulan en todo el complejo cmo vendedores de artesanía, sí lo es para imaginar su número: más de 100,000 habitantes (sólo 10 ciudades en el mundo tenían esa población hace 1000 años).

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Sobre el paisaje urbano, le pregunté al guía qué tan verídico había sido el film Apocalypto de Mel Gibson y me respondió: “Es extemporáneo, los mayas estaban en declive cuando llegaron los españoles ni salían a capturar prisioneros. Fuera de eso la representación es bastante realista.”

Sin embargo, el área que vemos y que corresponde a la zona ritual era separada por un muro y podía ser visitada generalmente sólo autoridades prominentes. De noche, esta área debió haber presenciado un espectáculo maravilloso, al ser iluminadas las pirámides por cientos de antorchas, como lo atestiguan los restos de aceite encontrados en las pirámides.

Las pirámides eran hechas de piedra caliza y unidas con un cemento hecho en base a cal quemada, triturada y mezclada con agua y eran frecuentemente construidas sobre estructuras precedentes. Excavaciones confirman que la pirámide de Kukulcán se yergue envolviendo tres estructuras antiguas, lo cual le permitió alcanzar una altura de 24 metros hasta la plataforma superior. A ellos se añaden los 6 metros del templo ubicado en su cénit, alcanzando un total de 30 m de altura.

Cada uno de los lados de la base tiene 55 m, lo que la hace más pequeña que la pirámide del Sol en Teotihuacan.

Pero además de su monumentalidad y elaborada calidad artística, Chichen Itza es un ejemplo de virtuosismo astronómico. Un detalle de la pirámide Kukulcán, también llamada el Castillo son las dos serpientes que flanquean la escalinata central.

Pues bien el 23 de diciembre, durante el solsticio de invierno (sí, el día en que "se acaba el mundo") las graderías de la pirámide producen una sobra en forma de serpiente y que, partiendo en la cabeza conforma el cuerpo del reptil mágico, uniendo de esta forma cielo y tierra. Los detallados calendarios mayas les permitían además conocer los ciclos de los astros y los eclipses, y usaban esa información para regir, controlar e impresionar a la población.

Otro aspecto impresionante en este espacio es la acústica. La reberveración sonora era perfectamente estudiada, y permitía escuchar claramente a una persona hablando en la cima de la pirámide. El siguiente vídeo demuestra el impresionante efecto obtenido al ampliarse un solo aplauso de 10 a 12 veces. ¿Imagina Ud. el grito de una multitud?

El efecto acústico no sólo se daba en la pirámide, sino también en la estructura para el juego de pelota.

Este era un espacio solemne, donde se disputaba un juego de balompié (aunque también se podía jugar con hombros, codos y rodillas), haciendo rebotar una pelota de goma entre dos equipos de 7 jugadores.

El juego terminaba cuando la pelota pasaba por alguno de los dos anillos de piedra especialmente labrados en cada uno de los lados de este espacio.

El juego era un ritual sagrado, y el equipo perdedor era sacrificado, tal como lo evidencian los relieves que se encuentran a un lado de la estructura

Además de los edificios, el complejo contiene un gran pozo de agua o cenote, vital para el abastecimiento de la población y al que, paradójicamente se ofrecían sacrificios humanos en época de sequía. A ellos la ciudad debe su nombre: Chi cheén Itz a significa "boca del pozo de los brujos de agua".

Esto trae a colación la enorme huella ambiental que esta ciudad debió haber tenido, no solo por la deforestación que supuso el área que cubría, sino por la gran cantidad de árboles y agua que se requirieron en el proceso de construcción. Esta devastación forestal fue una de las causas del declive de la civilización maya. En efecto, la ciudad fue abandonada en el siglo XIII, tres siglos antes de la llegada de los españoles, debido al colapso ambiental y a la brutalidad y crueldad de la clase dirigente, que para entonces estaba conformada por una coalición entre mayas y toltecas. Esta última cultura subyugó a los mayas y ejercitó su poder a través de sacrificios humanos para adorar al sol, el cual según ellos se alimentaba de los corazones de los ofrendados. Por este motivo mucha gente escapó hacia la selva, acelerando el proceso de colapso.
Para cuando los europeos llegaron a esta ciudad, la selva la había reclamado para sí.

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- PIRÁMIDES AMERICANAS PREHISPÁNICAS

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De acuerdo a los cálculos astronómicos mayas, algo extraordinario ocurrirá este 21-12-12. Sin embargo, no tendrá nada que ver con la disparatada historia del apocalíptico fin del mundo, sino con alineamiento de diversos monumentos arquitectónicos en las ciudades mayas con la posición del sol en ese día. Uno de esos casos, menos conocido que Chichen Itzá es Tulum, una ciudad del periodo Postclásico Tardío (1200-1521 d.C.) que se apuesta, dominante, sobre un impresionante mar Caribe de aguas turquesas y playas de arenas blancas.

Al amanecer del solsticio de invierno, el sol aparecerá por una pequeña ventana del edificio llamado el Castillo, evidenciando la conexión de la ciudad no solo con su paisaje marino circundante sino con su entorno cosmológico.

Similares alineamientos se dan también durante los equinoccios, cuando los rayos solares atravesaban un vano y se proyectaban sobre un edificio específico. Semejante cálculo astronómico permitía a los gobernantes mayas controlar a la población, que seguramente contemplaba pasmada cómo el dios sol era confinado y atrapado en un vano según las "órdenes" de sus autoridades.

Por esta razón esta ciudad era conocida por los mayas originalmente como Zama, que significa "Amanecer" y evidencia el impacto que este fenómeno tenía en la memoria colectiva local (el uso de cálculos astronómicos en la arquitectura no es exclusividad de los mayas, aunque estos tuvieron un sistema calendárico muy avanzado. En este blog hemos comentado similares recursos en los monumentos neolíticos de Stonehenge en Inglaterra y Newgrange en Irlanda, así como también los templos del sol en Ollantaytambo y Machu Picchu en Perú).

Sin embargo, el nombre actual deviene más bien de una cualidad urbanística: Tulum significa muro o cerco y se refiere a la muralla rectangular de 380 x 170 metros que protege la ciudad por tres lados (los cortos al norte y al sur y el largo al oeste).

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El lado este estaba protegido naturalmente por el despeñadero que da hacia el mar, y que le da a la ciudad una privilegiada visibilidad del paisaje marino. Los accesos en la muralla se vinculan en un patrón urbanístico único, basado en la existencia de avenidas pavimentadas que conectaban estos ingresos con el templo principal.

El Castillo, vistas frontales (desde el oeste)

El Castillo, vistas posteriores (desde el este)

Sobre la arquitectura de sus edificios, escribe el historiador Gustavo de J. Gutiérrez León:

" El uso de amplios techos abovedados con forma de cuello de botella, propios de la cultura Maya, conviven con techos planos construidos con troncos soportados en los muros. Los espacios internos son rectangulares y a veces ampliados por el uso de columnas centrales en las que se apoyaba una trabe de madera –Palacio y Casa de las Columnas–. Ocasionalmente los edificios cuentan con un pórtico de columnas, que en El Castillo tomaron forma de serpientes, como ocurrió en el análogo edificio de Chichén Itzá. Internamente las estructuras llegan a tener dos o más habitaciones –en la más profunda un pequeño santuario: Templo de los Frescos, Casa de las Columnas–, aspecto que comparte con Palenque. Igualmente es común el uso de adoratorios: estructuras pequeñas e independientes que no sobrepasan el metro de altura.

En general, los edificios son bajos con fachadas divididas por molduras, resaltando así su horizontalidad. Usualmente los frisos tienen tableros en los que se representa un personaje boca abajo –Templos del Dios Descendente y de los Frescos–. Las paredes de los templos están intencionalmente inclinadas hacia afuera, dando un efecto peculiar. Para contrarrestar la carga, los vanos de las puertas son estrechos en su parte superior. Los dinteles están remetidos con respecto a la fachada más allá del borde de los accesos.

Templo de los Frescos

Pero hay también rasgos arquitectónicos únicos del lugar. Mascarones modelados en estuco en las esquinas de algunas edificaciones, como en el Templo de los Frescos; ahí el personaje es identificado como Itzamná, la deidad Maya más importante en el Postclásico. Otra característica propia de la cultura Maya en general, ligada a la arquitectura, aparece en Tulum: la pintura mural. Como en otros sitios del Postclásico, los personajes son deidades y ya no seres humanos –Templos de los Frescos y del Dios Descendente–."

En el 2006 Arquine llevó a cabo un concurso académico para un museo de sitio (nunca construido, por cierto) cuyos ganadores fueron el equipo 5NOVE/Alessandro Consol. La propuesta era totalmente subterránea para no interferir con los monumentos del entorno, pero se conectaba al exterior mediante unos pozos de luz en forma de pirámides truncadas.

Por su emplazamiento, Tulum debió tener un importante rol en el comercio regional. Si bien la escala de los edificios no es tan monumental como otras ciudades mayas, ni tampoco es muy especial el acabado de las contrucciones, pero nos impresionó enormemente por su espectacular ubicación en el paisaje y por el profundo conocimiento astronómico puesto al servicio de la arquitectura.

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- ARQUITECTURA ANTIGUA Y ASTRONOMÍA

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* En colaboración con la Srta. Oriana Nakano, Asistente de Curador en el National Museum of Art Osaka, NMAO

El Museo Nacional de Arte (2004), diseñado en Osaka por César Pelli, es tan diferente a las Torres Petronas en Kuala Lumpur, que cuesta creer a primera vista que se trata del trabajo del mismo arquitecto. Mientras las Petronas se yerguen altivas hacia el cielo malasio llevándose a su paso récords mundiales, el museo en Osaka escoge esconderse tres niveles bajo el subsuelo. Mientras el conjunto en Malasia se desarrolló basado en una meticulosa y estricta geometría que se expresa claramente en la forma y la silueta de las torres, el museo en Japón presenta una fachada explosiva, amorfa y completamente libre de restricciones geométricas. Es posible sin embargo reconocer en ambos ejemplos una intención de crear un lugar significativo, en establecer un hito en la memoria colectiva del sitio. Queda demostrada la versatilidad del arquitecto tucumano al enfrentar problemas con soluciones tan diferentes.

Panorama del conjunto con el Museo de Arte en primer plano y el Museo de Ciencias al fondo.
Foto cortesía de AIA

ANTECEDENTES.

En 1970 se desarrolló en las afueras de Osaka la Exposición Universal Expo'70. Entre los equipamientos que se implementaron se incluyó el Museo de Bellas Artes de la Expo. En 1977 aquel edificio fue transformado en el Museo Nacional de Arte en Osaka, dedicado básicamente a colecciones de arte contemporáneo.

"Torre del sol", monumento por Taro Okamoto, en el parque de la Expo, Osaka.

Foto cortesía de girlsmell.

En el año 2004 se decidió trasladar el museo al extremo Este de la ciudad, cerca a la costa, en un estrecho terreno en la isla Nakano (es en realidad un islote), entre los ríos Tosabori y Dojima, un distrito reconocido por su vocación hacia las artes.

DESARROLLO

Por limitaciones de la zona se decidió que el proyecto, con sus 13500 m2, debería desarrollarse en el subsuelo, en dos galerías subterráneas para instalaciones permanentes y temporales. Debido a la freaticidad del terreno, ubicado en una zona con muchas corrientes subterráneas, y dado que el edificio estaría bajo el nivel de los ríos, las paredes tuvieron que construirse en una triple capa compuesta de concreto, impermebilizante y la pared interior del museo, llegando a los 3 m de espesor. Esta coraza ofrece protección adicional al edificio contra humedad y terremotos, y le ha hecho ganar el apelativo de "submarino".

El museo ubicado en la isla Nakano. Imagen Google Earth

Vista aérea del Museo de Arte de Osaka, junto al edificio elíptico del Museo de Ciencias de Osaka. Foto Cortesía de Pelli Clarke Pelli.

La fachada, sin embargo, se alza como una estructura hecha en tubos de acero inoxidable recubierto de titanio que emerge a nivel del suelo para desenvolverse en un espasmo escultórico que sobrepasa los 50 m. de altura, extendiéndose como las alas de un ave mística.

Detalle de la fachada. Foto C. Zeballos

Fachada. Foto cortesía de Oriana Nakano.

"La estructura de acero permite balancearse, hasta cierto punto, en todas direcciones" dice Pelli. "Dada su altura y ubicación, el diseño antisísmico y contra vientos propuso retos de ingeniería únicos. De igual modo, muchos los tubos presentan un juego con el vidrio a través de fuelles herméticos que permiten al tubo un juego de 10 a 15 cm en cualquier dirección sin quebrar los vidrios u ocasionar filtraciones de agua".

Photo courtesy of Oriana Nakano.

Detalles de la fachada. Foto C. Zeballos

Actualización: gracias a una pregunta de Cristina acerca del significado de esta escultura, volví a visitar el museo para informarme al respecto. Esta "selva" de tubos metálicos es una alegoría de un bosque de bambú, como los que seguramente había originalmente en la isla de Nakanoshima. Por ese motivo hay un pequeño grupo de bambús en una fuente frente al museo.

Hay quienes han criticado esta drástica ruptura con el entorno, pero personalmente me causó una grata impresión esta síntesis entre arquitectura y escultura y el mensaje explícito de libertad y contemporaneidad que expresa la fachada. Sin embargo, a pesar de que la estructura de metal y vidrio se curva y se retuerce para dar lugar a la entrada al edificio, no llega a ofrecer la sensación de dramatismo que conllevan, por ejemplo, las obras de Frank Gehry. Yo diría que a pesar de su aparente caos, es posible percibir la mano ordenada de Pelli.

Interior del lobby. Foto cortesía de AIA

Entrada y recibidor. Fotos cortesía de Oriana Nakano

Tal vez tan interesante como su ímpetu exterior, sea la sensación espacial interior de este lobby transparente, un espacio monumental bañado de una luz tibia y acogedora que se deposita, en un siempre cambiante juego de luz y sombra, en las paredes del museo, recubiertas de colores terrosos.

Secciones del museo. Cortesía de Pelli Clark Pelli

Primera planta, cortesía del National Museum of Art, Osaka.

Plagada de detalles simpáticos, como por ejemplo la serie de columnas que nacen cual ramillete de un solo punto para sotener el techo, la función principal de este moderno invernadero es de proveer abundante luz natural a las galerías subterráneas.

Detalles del interior, las columnas ramificadas que sostienen el techo. Fotos C. Zeballos

Fotos cortesía de Oriana Nakano

Desde el lobby acristalado se desciende por escaleras mecánicas a las galerías dispuestas en forma de L.
El primer nivel aloja la recepción, el auditorio, restaurant, oficinas y la infaltable tienda de souvernirs (razón por la cual en los museos en Japón no es posible tomar fotografías al interior de los mismos).

Primera sótano, cortesía del National Museum of Art, Osaka.

Este nivel balconea hacia el segundo, conformando una doble altura desde donde se puede contemplar un impresionante cuadro de Miró (Innocent Laughter, 1969, 640 piezas de mosaico en cerámica, 500x1200 cm, en 1977 fue recibido como obsequio de la Asociación Conmemorativa de la Exposición Mundial Osaka’70).

Detalles del salón a doble altura, que alberga un cuadro de Miró y la escultura colgante de Alexander Calder. Foto C. Zeballos

Otros trabajos notables en el primer nivel son: Study for “Shadow”, Two men de Jiro Takamatsu, Two men (1977), lápiz, lápices de colores sobre papel, que se encuentran cerca a la entrada en la tienda del museo; la Large Standing Figure: Knife Edge de Henry Moore (1961-1976), una estatua de bronce que en 1977 fue obsequiada por la Agencia de Asuntos Culturales y está colocada cerca a la boletería y London, por Alexander Calder (1962), una escultura metálica colgante hecha en aluminio y acero pintada de rojo.

Tanto el segundo sótano (B2) como el tercero (B3) presentan exhibiciones temporales -cerca de ocho cada año, en tanto las exhibiciones de la colección permanente del museo (cerca de 6500 trabajos) se presentan en el segundo sótano B2 (Colección 1: arte desde 1960s (2010), Colección 2: adquisiciones recientes (2010), Colección 3: Arte Japonés 1950-2010 (2010), Colección 4: un siglo de arte contemporáneo (2011), Exhibición de Colección: Artistas Japoneses en EEUU (2011), Colecciones de Nakanoshima (2011), el 35 Aniversario del NMAO, etc.

Segundo y tercer sótano, cortesía del National Museum of Art, Osaka.

Detalle del perfil de la escalera interior. Foto C. Zeballos

Las siguientes imágenes ilustran la exhibición "Eternity of Eternal Eternity", mostrando algunos de los trabajos de la famosa artista japonesa Yayoi Kusama. Las fotos son una cortesía de la Srta. Oriana Nakano.

"Eternity of Eternal Eternity" by Yayoi Kusama

Puede verse más sobre el trabajo de Yayoi Kusama en nuestro post sober elThe Watari Museum, por Mario Botta y en este post dedicado a ella

Con un diseño exterior inspirado en la fuerza viva del bambú y el desarrollo del arte contemporáneo, se espera que este nuevo equipamiento sirva como espacio de interacción entre el público y el arte. El Museo de Arte se encuentra conexo al Museo de ciencias, un edificio elíptico que comparte un espacio plaza. En las proximidades se encuentra un edificio llamado Nakanoshima Mitsui Building, también diseñado por Cesar Pelli & Associates.

VER TAMBIÉN:

- MUSEOS.

Quisiera agradecer a la Srta. Oriana Nakano, Asistente de Curador en el National Museum Osaka, por su amable colaboración para este post, particularmente por las fotos de la exhibición de Yayoi Kusama exhibition, dado que es normalmente difícil fotografiar instalaciones dentro de los museos en Japón.

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Hafencity es un vasto proyecto de desarrollo y recuperación de frentes ribereños ubicado en Hamburgo, el mayor puerto alemán y el segundo de Europa, luego de Rotterdam. Además de revitalizar el centro de la ciudad y de acercar a la vida urbana hacia el agua, este proyecto es un ensayo importante sobre diseño sustentable, puesto en práctica en el importante muestrario de arquitectura contemporánea y en el diseño urbano de espacios públicos que contiene .

Tras la caída del muro de Berlín, Hamburgo pasó de ser un puerto secundario a un ocupar un rol protagonista controlando gran parte del tráfico marítimo en el Báltico hacia Alemania y Europa central.
En ese contexto se desarrolló un proyecto para revitalizar un antiguo embarcadero a orillas del río Elbe. La zona del proyecto, un antiguo muelle, había sido afectada durante la guerra y abandonada por desuso y deterioro de los almacenes que se ubicaban en esta zona.

El proyecto Hafencity, que se inició en 1999, espera concluirse para el 2020, aunque es posible acceder hoy a una parte concluida.

Area del proyecto en 1944

Area del proyecto en 2013. Ver ubicación en Google Maps

El proyecto, diseñado por el consorcio gemano holandés Kees Christiaanse / ASTOC en 1999, expandió el área central de Hamburgo en 40% y transformó esta área de almacenes en desuso aunque a la vez manteniendo en algunos casos la tipología edilicia de almacenes de ladrillo, pero acondicionándola para otros fines.

Buscando combinar conceptos de desarrollo económico, social y ambiental, Hafencity incluye áreas de uso mixto, tales como vivienda para 4000 personas, 45,000 oficinas, restaurantes, una universidad, equipamientos culturales, parques y áreas públicas. Sin embargo, no han faltado críticas en el sentido de que es un distrito elitista, dado el costo de los departamentos que se ubican en esta zona.

La zona del canal se encuentra marcada por la longitudinalidad del espacio que se abre visualmente hacia el río. Nuestra impresión fue que estos edificios, diseñados por arquitectos ganadores de respectivos concursos, mantienen una escala humana en relación con el transeunte y a la vez permite cierta densidad en el distrito. El resultado muestra edificios estéticamente logrados y a la vez altamente eficientes en términos de sostenibilidad.

Es también notable la recuperación de los viejos almacenes de ladrillo como edificios públicos o de oficinas, una tendencia de la que fue pionero el proyecto de Puerto Madero en Buenos Aires, Argentina. Algunos elementos escultóricos hacen referencia del pasado industrial de la zona.

A continuación, revisaremos algunas características principales de su espacio urbano, así como dos de sus edificios más conspicuos.

EL ESPACIO URBANO

Una de las contribuciones más celebradas en Hafencity es el espacio público, diseñada por la firma española EMBT, del desaparecido arquitecto Enric Miralles y su esposa Benedetta Tagliabue. Su diseño produce un juego alternativo entre la ciudad y el agua, estableciendo diversos niveles de contacto y accesibilidad. Cabe destacar que el río Elbe produce inundaciones entre dos o tres veces al año, por lo que el diseño debió contemplar este factor a fin de proveer seguridad a los usuarios

"Nuestra intervencion es dinámica y flexible. Un cambio en el paisaje en una escala humana, movéndose paralelamente con las inundaciones, atrayendo gente más cerca del agua y sus estados de ánimo"

En tal sentido el proyecto de EMBT consideró trabajos en tres niveles:

a) A nivel del agua: Se creó una gran plataforma flotante que discurre longitudinalmente paralela al canal, y que brinda accesso a los botes a la vez que incluye elementos de jardinería. La zigzagueante composición de este recorrido contrasta con el marcado paralelismo que definen los edificios apostado en ambas márgenes del canal y produce diversas sensaciones dinámicas en su recorrido, una característica constante en el trabajo de EMBT.

b) La caminería baja: Ubicada a 4.50 m es usada mayormente por peatones que permite ver al río desde una zona segura. Los volados de los edificios conforman una cobertura virtual que enfatiza direccionalidad, protección y a la vez apertura de vistas.

c) Al nivel de la calle. Se emplaza a 7.50 m, separando el tráfico peatonal del vehicular. Contiene también áreas de juego y zonas peatonales.

Cabe destacar el detalle del mobiliario urbano, piezas escultóricas que han sido apropiadas por los usuarios de este espacio

ELBE PHILHARMONIC HALL

Apostado sobre el canal a manera de un buque insignia, el Elbe Philharmonic Hall es el proyecto más emblemático del conjunto urbano y ha sido diseñado por los laureados arquitectos suizos Herzog y De Meuron, ganadores del premio Pritzker.

El edificio ha sido construido sobre un antiguo almacén en forma de quilla ubicado en un extremo del muelle, al que se ha eviscerado su interior, dejando únicamente la fachada. Dada la función que debería albergar el edificio, era imposible mantener la disposición original del almacén y en su lugar se ha montado este impresionante equipamiento cultural que incluirá tres salas de conciertos además de un hotel y departamentos de lujo.

La sala principal de conciertos muestra una disposición poco usual de los palcos, que permitirá que los espectadores puedan tener una experiencia acústica diferente y una mayor proximidad a la orquesta.

Exteriormente, lo que más llama la atención es la fachada vidriada del edificio, una piel hecha de un cristal especial doble que contiene gas en su interior lo que permite un sofisticado control térmico al interior, a la vez que crea una textura llamativa vista desde afuera.

El proyecto no ha sido exento de críticas, ya que una serie de postergaciones han elevado su costo en más de 200 millones de euros. Durante la visita, nos dijeron que debería concluirse en el 2012, pero probablemente su construcción vaya a terminarse recién en el 2015. Sin embargo, no cabe duda de que a pesar de estos inconvenientes, será uno de los hitos más emblemáticos de la ciudad.

EDIFICIO MARCO POLO Y UNILEVER-HAUS

Esta torre escultórica de dinámicas y sinuosas terrazas contiene lujosos departamentos con vista hacia el río, apilándose hasta alcanzar una altura de 55 m. Su concepción, desarrollada por Behnish Arkitekten, está basada en un elaborado eco-diseño que tuvo un bajo impacto ambiental durante su construcción y ejerce un control eficiente de su consumo energético.

A un costado se ubica otro edificio diseñado por la misma oficina, esta vez se trata de un volumen predominantemente horizontal, el conjunto de oficinas Unilever-Haus. Este edificio presenta una segunda piel compuesta por una película transparente que permite brindar protección ambiental contra los fuertes vientos que soplan en esta zona, Al interior, la luz ingresa con franqueza e ilumina un gran lobby en el que se entrecruzan puentes en varias direcciones, que permiten mostrar un interior abierto, flexible y transparente. Esta concepción espacial también favorece la interacción de los trabajadores al interior del edificio.

***

La escala de este gran proyecto experimental urbano, su énfasis en sustentabilidad, apuntalado por el variado repertorio de arquitectura contemporánea de calidad hacen de Hafencity, uno de los mayores desarrollos de recuperación de frentes ribereños en Europa. Probablemente, cuando sea concluído en la próxima década, vaya a ser un referente importante sobre el diseño urbano sustentable.

VER TAMBIÉN

- DESARROLLO DE FRENTES RIBEREÑOS

Curiosa indumetaria de unas jóvenes hamburguesas en Hafencity.

Foto cortesía de lepidoptero

Encuentro fascinante el recorrido por antiguas ruinas de civilizaciones pretéreas, cubrirme de polvo deambulando por entre sus desgastados restos y ejercitar la imaginación para elucubrar el magnífico aspecto que debieron ostentar en sus eras de máximo esplendor. En esta ocasión, el Palacio de Cnossos o Knossos en la isla de Creta, me produce, por un lado la emoción inmensa de transitar por el corazón de la cultura minoica, que fuera predecesora de la griega y a su vez cuna de nuestra civilización. Por el otro requiere de un gran ejercicio de síntesis, al tratar de entender la laberíntica estructura espacial. Este adjetivo no es una mera metáfora, ya que, para algunos, el laberinto nació aquí y dio origen a la leyenda del Minotauro.

Palacio de Knossos. Detalle de la Gran Escalera Central.

La civilización minoica floreció 1500 años antes del esplendor de la Grecia Clásica en Atenas, constituyéndose en una de las primeras y más sofisticadas culturas europeas de la Edad de Cobre y de Bronce. Su centro de desarrollo fue la isla de Creta y su monumento más conocido es el palacio de Cnossos, descubierto en 1900 por Sir Arthur Evans. Si bien la reconstrucción hecha por Evans en algunas zonas de este complejo resulta muy controversial para los criterios arqueológicos contemporáneos, desde el punto de vista arquitectónico permite una lectura más clara de este intricado complejo.

Mujeres en azul, famoso fresco minoico

EMPLAZAMIENTO.

Creta, ubicada al sur de Grecia continental, es una isla con un área aproximada a la de Puerto Rico, y cuya geografía cuenta con fértiles tierras que se alternan con agrestes cadenas montañosas, variados microclimas, recursos, fauna y paisajes. Sin embargo, Creta es también una tierra de intensa actividad telúrica, habiendo experimentado en su historia devastadores terremotos cuyas cicatrices se evidencian en las sucesivas reconstrucciones efectuadas en sus ciudades y complejos arquitectónicos.

Los minoicos, que florecieron entre los siglos XXVII y XV a.C. dejaron numerosas muestras de su avanzada cultura y sofisticado arte y arquitectura, incluyendo tumbas, palacios, templos y ciudades; entre todos ellos destaca el llamado palacio de Cnossos, ubicado al borde de un valle que desemboca en el mar Egeo, a unos 5 km de la moderna Heraclión.

Ver ubicación en Google Maps

A pesar de que los habitantes de esta región eran llamados “Keftiu” o “Kaftor”, Evans les dio el nombre de Minoicos basándose en la leyenda del rey Minos, quien se decía tenía un minotauro encerrado en un laberinto (ver esta leyenda en más detalle en Anécdotas de Moleskine). Esta leyenda también llevó a Evans a asumir que Cnossos era un palacio, pero diversos estudios realizados durante las décadas subsiguientes han concluido que éste sería más bien un complejo multiusos.

La complicada disposición de las habitaciones llevó a Evans a pensar que éste sería el laberinto del que hablaba la leyenda (de hecho, es este lugar el que daría origen a la palabra “Laberinto”, que viene del griego “labyrynthos”, o sea “lugar de los labrys”, que eran unas hachas de doble filo que habrían sido usadas para el sacrificio de los toros y que fueron representadas numerosas veces en Creta). Sin embargo, la composición enmarañada de Cnosos habría provenido de la influencia de algunas construcciones egipcias, dado que éstos habrían tenido contacto fluido con los cretenses (los minoicos eran reconocidos por su fina artesanía y por la producción de artículos de lujo, particularmente de púrpura).

CARACTERÍSTICAS

El complejo de Cnossos se yergue sobre una pequeña colina y comprende casi un millar de habitaciones, dispuestas en una superficie de cerca de 2.25 ha. Si bien la geometría de estos ambientes es básicamente ortogonal, éstos se ubican en bloques que se disponen “centrífugamente” en torno una plaza rectangular, típica de los complejos minoicos.

La característica más resaltante es la disposición de las habitaciones que se conectaban entre sí por una serie de corredores. Las habitaciones se habrían agrupado por su función en áreas de administración, almacenamiento, rituales religiosos, alojamiento del personal, talleres y la vivienda de la familia real. Sin embargo, este primer complejo fue destruido por un terremoto ocurrido alrededor de 1700 a.C. lo que obligó a los minoicos a construir un nuevo conjunto sobre la base del anterior, adicionando algunas funciones nuevas como templos, y especialmente infraestructura de almacenamiento de agua y sistemas de drenaje de aguas servidas y pluviales.

SISTEMA CONSTRUCTIVO
Las columnas de Cnosos son características de la cultura minoica. Estas columnas de sección circular eran hechas de madera de ciprés -a diferencia de las posteriores columnas griegas de piedra- y tenían la base ligeramente más delgada que su tope, dando la impresión de tener más altura (éntasis). Esta técnica también impedía que, una vez instaladas, la madera vuelva a a brotar. Fue la primera vez que las columnas eran colocadas encima de otras a fin de distribuir mejor las cargas de las vigas horizontales (una técnica inventada por los minoicos y que se emplea hasta nuestros días).

Fueron coronadas por un capitel en forma de dona, al igual que su basa que el almohadillada, y pintadas por Evans de colores vivos, como negros, blancos y ocres.

Las paredes eran hechas de piedra y ladrillos de adobe. Los pisos se cubrían con piedra caliza o yeso. Los recintos fueron decorados con mármoles y murales, aprovechando la variedad de tintes naturales que se hallaban en la isla. Los pisos eran cubiertos de piedra caliza o yeso.

Vista del llamado Salón de las Hachas, un ejemplo de la colorida decoración con frescos en los interiores del palacio. Acuarela de Piet de Jong

ALGUNOS AMBIENTES ESPECIALES

El complejo contiene un enorme repertorio de tesoros arquitectónicos, escultóricos y pictóricos, pero quisiera resaltar algunos de los lugares y recintos más notables que encontramos durante nuestra visita.

Kouloures

Al ingresar, encontramos tres grandes pozas de paredes de piedra, que habrían sido construidas en el periodo del palacio antiguo (1900-1700 a.C.) El nombre koulour significa anillo. ¿Eran estos pozos utilizados para sacrificios sagrados o simplemente depósitos de basura? Es una pregunta que aún no tiene respuesta concreta.

Teatro

Este es uno de los teatros más antiguos del mundo, contaba con una capacidad para 400 personas y era probablemente usado para representaciones rituales y sagradas. Estaba compuesto por dos rampas de escalones que enfrentaban a la calle que llevaba al puerto.

Foto cortesía de Leon Mauldin

Corredor de las procesiones
Este espacio de al rededor de 1 m de ancho y 3.3 m de altura, cruza el patio oeste y desembocaba en medio del palacio.

Recibe su nombre debido a que estaba decorado con frescos representando grupos de sacerdotes y otros ciudadanos en el llamado "Fresco de la procesión". En realidad, se trata de una interpretación artística, ya que sólo se conservaron fragmentos del original.

Propileo Sur
Este palacio de 3 a 5 pisos de altura, fue la entrada sur del palacio minoico de Knossos, o al menos la interpretación en la reconstrucción de Evans. El palacio fue construido con piedra y mortero de barro en combinación con madera y sustentado en gruesas paredes de 1 metro de espesor. Se trata de una secuencia de dos salones, siendo el exterior más del doble de profundo (8.5 m) que el interior (4.3 m).

El interior de las paredes estaba recubierto con seis o siete capas de yeso mineral blanco, cuyos cristales brillaban a la luz, dándole al recinto una impresión de lujo y belleza. Las paredes de la planta baja eran más gruesas y las habitaciones más pequeñas, con pilares que sostienen la superestructura.

El Patio Central

Este es el espacio organizador del conjunto palaciego, donde se habrían llevado a cabo ceremonias y rituales, a su vez que permitía brindar iluminación y ventilación a las habitaciones. Mide aproximadamente 25 x 50 metros, medidas que coinciden con las de otros patios en palacion minoicos, como Mallia y Faistos, lo que sugiere debio tener un uso estandarizado para un rol específico.

Algunos investigadores especulan que aquí se habrían llevado a cabo la ceremonia religiosa del salto sobre los toros (cabe destacar que en aquel entonces existían una especie de bóvidos, extinta hace unos cuatro siglos, que era mucho más grande que el toro actual, alcanzando una altura de 2 m en su lomo). Otros, sin embargo dudan de esta función, ya que hubiera sido muy difícil ejecutar en un espacio de esquinas agudas y piso resbaladizo.

En este espacio tiene un piso pavimentado con losa de piedra. Conservó el enlosetado en su piso hasta el medioevo, cuando conquistadores venecianos utilizaron estos materiales para la construcción de una fortaleza en Heraklión.

El Cuarto del trono

Este es probablemente el recinto principal, localizado al oeste del patio central del palacio, llamado así por el trono de alabastro encontrado en el lugar. Evans asumió que pertenecía a Minos, aunque se cree que más bien habría pertenecido a una mujer, dada las formas curvas del trono, la forma del asiento y el cuarto creciente tallado en su base.

Está precedido por una antesala, que a su vez se vinculaba a la plaza central. Tanto la antesala como el cuarto del trono tienen bancas., donde hay un un trono de madera sobre un podio bajo en la pared norte, con bancos de alabastro lo largo de la pared opuesta. También es posible encontrar una hilera de vasos de alabastro con forma de hoja.

Luego, una doble puerta conduce a la antesala del Salón del Trono y está cerrado al público. En la pared norte se encuentra el trono de alabastro, con bancos a cada lado y una cuenca porfirita en el suelo delante de él, en el centro de la habitación. En la pared sur está un fresco representando grifos sentados en cuclillas, figuras mitológicas con cuerpo de león y cabeza de ave., que simbolizaban el poder real y divino.

El Salón del Trono fue un lugar sagrado, ya que incluia un lavabo utilizado para la limpieza ritual. La puerta detrás de esta área lleva a las habitaciones secundarias sin ventanas, que albergaban figuras de divinidades y los vasos rituales. Hay además una escalera que lleva a una sala inferior donde se realizaban ritos de purificación.

La gran escalera monumental

El interior del palacio de Knossos era luminoso y ventilado, gracias a la presencia de pozos de luz, una característica integral de la arquitectura palaciega minoica. La gran escalera tiene dos alas y está enmarcada por una columnata de soporte de la superestructura. La anchura, la altura y la ligera inclinación de los pasos hacen que la escalera particularmente fácil de usar. Los dos niveles inferiores son originales, mientras que los dos superiores han sido restaurados.

Los Aposentos del rey Minos

Los Apartamentos del rey Minos también se conocen como el Salón de las hachas dobles, debido a los símbolos característicos de las paredes. La habitación está especialmente bien construida, y usa piedras sin argamasa. El llamado Megaron se compone de la sala principal, con "polythyra" (varias entradas) y los pasillos circundantes que proporcionan luz y el aire. En el corredor oeste se encuentran los restos de un impresionante trono, ahora protegidos por cristal. En alguna oportunidad hubo frescos en las paredes, y en algunas partes puede aun verse la "figura de ocho escudos", la "Argonauta" y el "Toro"

Aposentos de la Reina
Bellamente decorados, en especial por los llamados "frescos de los delfines". Las habitaciones contenían ventanas, bancos y un pasillo . En las habitaciones secundarias conexas se ubica un baño con agua corriente y sarcófagos. En la planta superior, en una pequeña capilla, fue encontrado un tesoro de marfil

El Propileo del Norte
Es la entrada norte al Palacio de Knossos y se encuentra al final de la carretera del puerto. El Propileo enmarca la rampa de entrada.

Hace miles de años, los visitantes que llegaban por mar solían ingresar Knossos por el Propileo Norte. Esta es una de las imágenes más representativas de Knosos, debido a las coloridas columnas recreadas por Evans Y al llamado Fresco del Toro, de vivos colores rojizos sobre fondo azul.

La reconstrucción gráfica siguiente permite apreciar la escala y longitudinalidad del espacio. También es posible apreciar algunos detalles, como el tipo de columnas y el característico friso que coronaba los edificios.

Es posible apreciar la escala y forma de unos de estos ornnamentos que recuerda la cornatura de un toro, y que debieron haber sido un icono simbólico de la cultura minoica.

***

Más allá de la controversia generada por la restauración de Evans, lo cierto es que el Palacio de Knossos marcó un importante hito en la historia de la arquitectura, por su imponente relación con el paisaje, por la contundente organización de sus espacios urbanos en contraposición con la intrincada disposición de sus habitaciones, por la innovadora utilización de pilares como elementos constructivos, y por la calidez lumínica, decoración y colorido que supieron imprimir a sus espacios arquitectónicos.

Fresco de "Los toreadores" o "saltadores de toros" actividad ritual, artística y deportiva que representaba el dominio del hombre sobre la bestia y a la vez una especial admiración a estos animales, una especie extinta que superaba los 2 m de altura.

VER TAMBIÉN

ARQUITECTURA EN LA EDAD DE BRONCE

ARQUITECTURA CLÁSICA

Ágora de Atenas, Grecia (480 a.C. - 267 d.C.)

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En épocas recientes las bibliotecas han dejado de ser simples almacenes de libros para cumplir un rol social y de apoyo a la comunidad. Tal es el caso de la Biblioteca Peckham, en Londres, la Mediateca de Sendai por Toyo Ito o la Biblioteca Central de Seattle, proyecto de OMA. El caso que hoy nos ocupa es la nueva Biblioteca de Surrey, concebida como un aglutinador de la comunidad y un espacio para la investigación y la interacción social.

Surrey es la segunda ciudad más grande del conglomerado de Metro Vancouver. Con sus 460,000 habitantes, ha sido sin embargo largamente postergada en su desarrollo económico. Sin embargo, esa situación está tratando de revertirse gracias al desarrollo de megaproyectos que buscan revitalizar el área central y fomentar el desarrollo de inversiones así como mejorar la calidad de vida de sus habitantes.

Ver ubicación en Google Maps.

El proyecto emblemático de este desarrollo es la nueva Biblioteca del Centro de la Ciudad de Surrey (Surrey City Centre Library), diseñada en un terreno anguloso por Bing Thom Architects, quienes ya habían llevado a cabo un exitoso proyecto en las inmediaciones una década atrás, llamado Central City, una efervescente mezcla de espacio público, universidad y centro comercial.

La biblioteca presenta un perfil icónico y sus paredes inclinadas expresan exteriormente el dinamismo que también caracteriza el espacio interior. Sacando provecho a un terreno de complicada geometría, el edificio de paredes inclinadas, pronunciada quilla y amplias ventanas de tono azulado asemeja un barco o una artesanía de las naciones primigenias.

Foto cortesía de eVolo

"El diseño evolucionó de las necesidades naturales del sitio y de la función que atañe a la biblioteca"

Pero ¿cómo se entiende la función actual de una biblioteca? Dada la versatilidad que ofrecen hoy los medios electrónicos y la digitalización más frecuente de material impreso, el libro como objeto viene cediendo su importancia como el elemento nuclear de la biblioteca. Por el contrario, los libros comparten ahora su protagonismo con los lectores, quienes además de leer establecen relaciones de comunicación y discusión entre ellos.

Por este motivo el edificio incluye además de 100,000 volúmenes, áreas de reunión para 120 personas, un centro de enseñanza, zonas de lectura colectiva e individual, aulas de cómputo, cuarto de meditación, sala para adolescentes y áreas de recreo para niños. Además, los espacios se organizan con flexibilidad y han acomodado con éxito eventos sociales para la comunidad.

Sótano y primer nivel

Segundo y tercer nivel

Cuarto nivel y techos.

Secciones. Imágenes cortesía de Bing Thom Architects.

Esta ha sido la premisa que ha llevado a concebir la biblioteca sobre la base de dos tipos de espacios interrelacionados: aquellos más abiertos, que conforman una gran plaza, anfiteatros y terrazas donde la comunidad puede socializar e interactuar, y aquellos más privados, que contienen las colecciones de libros y espacios más íntimos para la inverstigación y el estudio.

Esta dualidad de espacios es caracterizada además por el tipo de iluminación. La gran plaza central se ilumina ampliamente por grandes ventanas que establecen un diálogo franco con el exterior. Los juegos de terrazas y parapetos incorporan dinamicidad al espacio, y promueven al mismo tiempo, integración visual entre los distintos niveles de la biblioteca.

Un pequeño anfiteatro acompaña el ascenso a los niveles superiores, hecho en materiales simples como concreto visto y madera. Este espacio congrega a la comunidad para actividades sociales de mediana envergadura, o simplemente es un lugar para sentarse y leer en grupo.

Vistas y detalle del anfiteatro, que permite reunir a la comunidad para actividades sociales

Corona el espacio una claraboya de forma trapezoidal. Curiosamente, no se trata de una típica claraboya abierta, sino más bien de una especie de anillo en torno a un trapecio, que permite un control difuso de la iluminación. Este detalle ofrece un reto técnico y estructural, a fin de sostener este gran trapecio que pareciera estar flotando, rodeado por un aura transparente.

Otro reto constituye la construcción de las paredes, que que describen una trayectoria curva y a la vez están inclinadas hacia afuera, que además de su carácter dinámico ofrecen sombra al exterior.

No obstante esta complejidad, un estudio computarizado permitió resolver de manera eficiente la estructura y utilizar un tipo especial de concreto que permitiera un acabado fino, sin necesidad de revestimiento. Estas características le han permitido obtener la calificación LEED como edificio "verde".

Los proyectistas involucraron a la comunidad no solamente como objeto del edificio sino como actores participantes del proceso de diseño del mismo, a través del uso de redes sociales y talleres colectivos, e incluso al trabajo en equipo con estudiantes secundarios para crear y discutir parte del mobiliario interior.

La biblioteca es parte de un conjunto urbano mayor que se encuentra actualmente en construcción, y que espero compartir con Ud. en el futuro, cuando se haya terminado.

VER TAMBIÉN
- BIBLIOTECAS

Junto a mi buen amigo, el arquitecto peruano Santiago Díaz. Honestamente ese mobiliario no era muy cómodo para leer.

La Iglesia de Nuestro Salvador de la Sangre Derramada es el hito más significativo en el centro histórico de San Petersburgo. Su icónica figura destaca en el perfil urbano y su interior encierra la colección de mosaicos más extensa del mundo, superando incluso a San Marcos de Venecia. Este sitio de Patrimonio mundial, sin embargo, ha tenido una historia de violencia que varias veces ha amenazado su propia existencia.

Foto cortesía de Dmitri

ANTECEDENTES
Comenzando por su nombre, esta iglesia ortodoxa rinde homenaje al sitio donde fuera asesinado el zar Alejandro II a manos de extremistas (ver más detalles en Anécdotas de Moleskine) y conmemora el lugar exacto del atentado, junto al canal Gribaedova y junto al jardín Mikhailkovski, hoy parte del Museo Ruso.
Tras la muerte del monarca, su hijo Alejandro III erigió aquí una pequeña hermita y organizó un concurso para desarrollar un monumento en honor a su padre. El ganador, Alfred Parland presentó una propuesta historicista inspirada en la arquitectura medieval rusa del siglo XVII, parecida a la catedral de San Basilio en Moscú y muy diferente a los estilos barroco y neoclásico que dominaban el paisaje urbano petersburgués. Su construcción comenzó en 1883 y debido a su gran costo no fue culminada hasta 1907, cuando fue inaugurada por Nicolás II, nieto de la víctima.

CONCEPTO
El desarrollo de la obra, si bien tuvo un estilo historicista, utilizó técnicas innovadoras para su construcción, como un aislamiento hidráulico y cimentación de concreto. La iglesia, construida en ladrillo rojo, tiene una altura de 81 metros y ocupa un área de 1,642.35 metros cuadrados.

Presenta 5 cúpulas: una mayor, localizada exactamente sobre el sitio de la muerte del zar, y cuatro menores en su alrededor, con su característica forma de cebolla. Rompe la simetría una enorme torre ubicada en el extremo oeste, próximo al canal, y hacia el este su ubican tres ábsides semicirculares, frente al jardín Mikhailkovski.

El diseño de cada una de estas cúpulas es singular, y se encuentran profusamente decoradas con enchapes de cobre, bronce y esmaltes.

Por dentro el espacio es centralizado, no es una iglesia de celebración sino más bien parece un gigantesco mausoleo, con una estrella en su parte central marcando el sitio del atentado.

Hacia un costado, como es tradicional en las iglesias ortodoxas, se encuentra un iconostasio que es una estructura que define un espacio privado donde se encuentra el santuario. Éste fue construido en un mármol rosa y exuberantemente decorado con plata, bronce, piedras preciosas y semipreciosas. La puerta central, llamada puerta santa, es de acceso únicamente para los sacerdotes.

Al interior el espacio se eleva no solamente por la concavidad de las cúpulas, sino fundamentalmente por la prolífica decoración de los mosaicos. Estos mosaicos fueron donados por distintas regiones de Rusia y cubren una superficie de más de 7000 m2, lo que la convierte en el decorado con mosaico más grande del mundo.

LA AMENAZA DE SU DESTRUCCIÓN
Al admirar la belleza de este monumento, no pude dejar de pensar en la suerte que tenemos en poder verlo. En 1930, tras la revolución soviética, se decidió su demolición, tal como ocurrió en muchas otras miles de iglesias rusas. Si bien fue saqueada y deteriorada, la iglesia no fue destruida en aquel entonces, pero se reprogramó su demolición para 1941. Curiosamente, los obreros e ingenieros que tenían a cargo su demolición fueron llamados al frente militar ante la embestida alemana de la Operación Barbarrosa.

Esta pared fue dejada sin restaurar para mostrar los daños durante el asedio de Leningrado

Durante el largo asedio que sufrió Leningrado la iglesia se salvó de los bombardeos nazis, aunque fue utilizada como depósito de verduras, lo que le valió el sobrenombre de “Iglesia de las Patatas”. Ya en la postguerra, en 1956 nuevamente la iglesia fue programada para demolición para dar paso a una ampliación vial.

Únicamente a partir de 1968 y gracias a un entusiasta funcionario, se logró nombrarlo como monumento nacional.

A partir de 1970 comenzaron las labores de restauración gracias a los ingresos de la antigua catedral de San Isaac, paradójicamente convertida en el Museo del Ateísmo.

La restauración duró aproximadamente 37 años y fue culminada en 1997, mucho después de la caída de la Unión Soviética, aunque UNESCO declaró la iglesia patrimonio Mundial ya desde 1990 .

VER TAMBIÉN
- IGLESIAS PATRIMONIO DE LA HUMANIDAD.

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La mayoría de los llamados edificios sustentables o “verdes” tratan de reducir los impactos que producen en el ambiente, tanto en su construcción como en su mantenimiento. En términos simples, se trata de que un edificio sea “menos malo”, asumiendo que inevitablemente su existencia tendrá un saldo ambiental negativo.
El concepto de “Diseño Regenerativo” asume una actitud proactiva y va más allá de la práctica tradicional de diseño sostenible. Los edificios regenerativos no solamente reducen su consumo de energía a cero, sino que que recolectan, generan y distribuyen recursos renovables a su alrededor, mejorando el balance ambiental de su entorno.

Un ejemplo de ello es el Centro para la Investigación Interactiva sobre Sostenibilidad (Centre for Interactive Research on Sustainability) o CIRS, recientemente erigido en la Universidad de la Columbia Británica UBC en Vancouver, Canadá, un proyecto de Perkins + Will.

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Las estadísticas del edificio son impresionantes. Por ejemplo, no se requirió para su construcción concreto ni acero estructural, reduciendo considerablemente la huella ambiental. El total del agua que consume el edificio es recolectada de la lluvia y el total de sus residuos son reciclados in situ.

La principal estrategia para lograr un diseño con balance positivo de CO2 fue el uso masivo de madera, en particular un tipo de pino que al ser atacado por un escarabajo deja cicatrices que lo hacen poco atractiva para acabados finos o construcción. Debido al cambio climático estos escarabajos, que solían morir en el clima frío, han logrado adaptarse y tener una explosión demográfica, produciendo la muerte de enormes cantidades de pinos cuya madera por lo general es despreciada por la industria. Esta madera ha sido utilizada tanto en la estructura como en acabados y mobiliario, y brinda un ambiente de calidez al edificio, no sólo en términos climáticos sino también psicológicos.

“La madera es el material constructivo más sostenible, un recurso rápidamente renovable. Desde el punto de vista estructural, los modernos materiales fabricados como manera laminada y pegada han incrementado la dureza de la madera hasta tener una mucho mayor capacidad estructural. Finalmente, la calidez que la madera trae al edificio, crea una atmósfera simplemente fantástica”
Paul Fast, ingeniero estructural.

Foto cortesía de CIRS

Sin embargo, el uso abundante de madera genera un riesgo de incendio, por lo que además de haber sido creados con aisladores especiales, el edificio cuenta con un sistema anti-incendios, que se surte de una cisterna subterránea que a su vez es alimentada con agua de lluvia.

Foto cortesía de CIRS

La fachada presenta unos paneles que acogen vegetación estacional llamada la “pared viva”, que brinda sombra durante el verano y permite el paso del calor solar en el invierno.

El jardín exterior se riega con agua de tormenta que es medida gracias a un embalse por goteo y que finalmente va a desembocar a un acuífero subterráneo.

El edificio es atravesado diagonalmente por una senda que recoge el trazo de un antiguo camino preexistente.

Esto permite separar a la esquina como un triángulo acristalado, que a la vez que da ligereza a la composición del edificio, alberga un interesante biofiltro acuático solar. Éste consta de una serie de tanques con plantas que absorben y procesan naturalmente los desechos generados en los baños del edificio. El agua procesada sirve para irrigar tanto la pared viva como el jardín interior.

Otro elemento notorio en la fachada son los paneles fotovoltaicos en las fachadas este y sur que permite cubrir parte de la demanda energética del edificio. El resto es recolectado del exceso energético de un edificio cercano y convertido en energía en una pequeña central geotérmica.

Al interior, el edificio se organiza en torno a un gran atrio, que le brinda generosa iluminación natural al interior, a la vez que posibilita ventilación natural sin necesidad de sistemas de aire acondicionado, utilizando el efecto chimenea para circular el aire por convección. A su vez, se aprovecha la orientación del edificio para optimizar su exposición a la luz.

En la planta baja se ubica un auditorio con capacidad para 423 personas, naturalmente iluminado por una claraboya lateral que se encuentra junto al jardín interior (de hecho el jardín se ubica sobre el techo del auditorio).

El auditorio utiliza también madera tanto en las vigas estructurales como en los acabados y parte del mobiliario.

Si se observa con detenimiento se puede ver las cicatrices que dejaron los escarabajos mientras iban horadando la madera de los pinos.

Por estas características, el CIRS es reconocido como uno de los edificios más innovadores de América del Norte. Además de sus cualidades como edificio regenerativo experimental, es un centro que permite el estudio y la difusión de nuevas ideas para el diseño sustentable.

VER TAMBIÉN:
- ARQUITECTURA SUSTENTABLE

Junto al Profesor Ronald Kellett, quien gentilmente me mostró el edificio y comentó muchos de los datos que he transcrito en este blog

Chichén Itzá.

Tengo el sumo placer de incluir en este blog una serie de entregas sobre arquitectura mexicana. A través de miles de años la arquitectura mexicana ha logrado destacarse por su calidad, colorido y belleza. Para este fin, cuento con el invalorable aporte del arquitecto Francisco Pérez Vilchis* quien, ha tenido la gentileza de compartir sus ideas y conocimientos sobre este fascinante tema.

1.- PROLOGO
Son innumerables las ocasiones en las que se habla de la cultura mexicana sin mencionar siquiera a la arquitectura. La aberración no puede ser mayor: la arquitectura no es sólo la más conspicua de las artes, aquélla de la que nadie puede sustraerse; es la que conforma con mayor claridad uno de los rostros de determinado grupo humano y tiempo histórico, la que define con mayor contundencia la identidad del hogar colectivo: en el caso particular de México. Además de todo eso, la arquitectura ha sido un fiel espejo de nuestras pasiones, contradicciones y búsquedas, de nuestras auto-traiciones y aciertos, de nuestras más nobles pesquisas intelectuales y nuestras más flagrantes injusticias sociales. La arquitectura a lo largo de la historia -desde la precolombina, hasta la que hoy mira con ilusión el inicio de un nuevo siglo, ha sido una de las manifestaciones más ricas, fascinantes y representativas de nuestra cultura nacional.

Convento de San Agustín de Alcomán.

Lo que intenta este sencillo texto, es una breve radiografía arquitectónica que nos permita ver de manera simple, la arquitectura del México antiguo, al México reciente. En ella podremos reconocer la grandeza y perfección de lo construido en la era precolombina, a nuestra proclividad por los modelos extranjeros, los paradigmas con que nos siguen deslumbrando los imperios y nuestras ininterrumpidas colonizaciones, lo mismo que las luchas, no siempre bien encaminadas, por descubrir, inventar o forjar lo que verdaderamente somos, por preservarlo y hacerlo florecer. Veremos aparecer diversos proyectos de nación que han tenido los regímenes en turno, y los que grupos privados, crecientemente fuertes y protagónicos, han ido introduciendo entre nosotros. Estarán aquí presentes los caprichos de tantos funcionarios que conciben las magnas obras como monumentos al sistema y a sí mismos, y la labor silenciosa de grupos marginados que, acumulando lo que van pudiendo, han construido (o amontonado) sectores ya amplísimos de nuestras ciudades.
Esta mezcla de ingenio, grandeza, monumentalidad, autoafirmación y xenofilia, esta combinación de ingenio técnico, voluntad creadora y hondura cultural, este amasijo de complicidad y corrupción, con la puesta en marcha de hidalgas cruzadas personales y colectivas, este engendro de profundas convicciones, arbitrariedades, de necedad, de vulgar economía, y talento claro, esta amalgama contra-natura de frivolidad y poesía, han dado como resultado el producto notable que es la arquitectura mexicana.
Nuestra buena arquitectura no ha pasado su historia en un mundo de exquisiteces y embelesos. Ha sido militante de las mejores causas, de nobles luchas sociales y reivindicaciones artísticas. Ha aprendido de la experiencia ajena, ha reflexionado mucho, ha creído en su lugar como parte y constructora del futuro nacional.
Podremos sorprendernos al saber que al día de hoy, no hemos sido capaces de conocer quiénes fueron los verdaderos constructores de Teotihuacán. También podremos comprender hasta qué punto el porfiriato, sentó las bases firmes sobre lo que hemos edificado después y cuáles fueron las razones profundas por las que limpias inteligencias pugnaron por resucitar – equivocadamente para mí, la arquitectura de nuestros ancestros prehispánicos y coloniales. (Tendencia esta última que, degradada hasta el fondo, prospera todavía en nuestros tiempos) Quien solo de un vistazo a las ilustraciones, ignorará las batallas por convertir la razón arquitectónica en instrumento de equidad social. La admirable tenacidad de nuestros heterodoxos y la forma en la que México ha estado a la vanguardia de la tecnología constructiva en el mundo, desde hace muchos siglos.

Detalle del Templo de Quetzalcoatl, Teotihuacán.

Otra sorpresa que se llevará el lector, será la de comprobar que en la arquitectura el centralismo ha sido menos fatal que en otros campos, y que artistas de todo el país, han hecho aportaciones trascendentes. Podremos preguntarnos: ¿Existe de verdad, o ha existido, una arquitectura mexicana? Pienso que sí, tanto como han existido una pintura, o una escultura mexicana, aunque obviamente con modalidades propias. A pesar de que todas las grandes corrientes universales han tenido en México seguidores, en sus mejores ejemplos no se han realizado simples transcripciones, sino interpretaciones con una distinta sensibilidad y desde la cultura nuestra, adecuándose además a las condiciones climáticas, tecnológicas y económicas de esta realidad. El uso del color, por ejemplo, o la voluntad pertinaz de contar con el aporte de la pintura y -en grado menor- de la escultura, o un tratamiento de los espacios abiertos singular y cargado de alusiones, o la combinación de texturas y materiales disímiles, son señas definitorias, elementos que retoman y renuevan una tradición y legitiman aportaciones al mundo.
Además están quienes han recogido la herencia popular, de nuestras regiones y la han reinterpretado con una sabiduría y una fuerza creadora que en México han sido particularmente exitosas. En los grandes momentos de nuestra arquitectura ha existido la convicción, por parte de quienes la hacen y quienes la patrocinan, de que no se trata nada más de resolver y resolver bien problemas de uso, sino de hacer ciudad. De construir cultura, de fraguar identidad, y de darle mediante ese trabajo, existencia tangible a una abstracción llamada México.

Casa estudio de Frida Kahlo y Diego Rivera

A pesar de los grandes ejemplos precolombinos, la arquitectura tradicional ha sido capaz de levantar notables edificios y conjuntos de estos; pero no ha sido capaz de preservar ni crear ciudades armónicas. Con muy pocas excepciones –por lo común, solo en aquellas en las que el pasado sobrevive y en las que la arquitectura de hoy ha intervenido limitadamente. Nuestras urbes, mayores y pequeñas son ya verdaderos pozos de fealdad desorden e incoherencia, la falta de verdaderos controles edilicios, la aplicación laxa de leyes y reglamentos, la sumisión ante los poderosos, la enajenación del mercado, el individualismo exhibicionista de muchos profesionistas, y sobre todo, la falta de compromiso y talento, han consumado el desastre. Las intervenciones de arquitectos “modernos”, en ámbitos ó en edificios históricos –en las que yo tengo tanta fe, han sido la mayoría de las veces desafortunadas, cuando no, francamente destructivas.
Por si todo esto fuera poco, comúnmente nuestra arquitectura y nuestro urbanismo ni han respetado a la naturaleza, ni han sabido sacar provecho a sus múltiples dones. Igualmente se ha desarrollado una arquitectura “prestigiosa” que solo parece ser capaz de buenos logros, cuando tiene a su disposición caudales de recursos ilimitados, violentando la dimensión ética y social de su quehacer.

Casa Estudio de Luis Barragán

Así, la arquitectura mexicana, también ha cometido errores gordos, sin mencionar la aplicación extra lógica y servil de modas espurias. Por esas y otras culpas, han pagado justos por pecadores: El asolamiento y adulteración de los productos arquitectónicos de nuestro siglo, incluso en sus ejemplos más destacados, se ha producido extensamente ante nuestra mirada indiferente. La primera víctima del desprecio fue la arquitectura precolombina, vista por el conquistador como enemigo a vencer, para imponer –de manera literal, la representación de su imperio. Otra víctima significativa fue la arquitectura porfiriana, vista por muchos como algo abominable, como un producto desnacionalizante de una era políticamente maldita, edificios de “mal gusto" que convenía quitarnos de encima. De Mérida a Guadalajara y a la ciudad de México, barrios enteros cuya única falta, cuyo único “pecado” era el reflejar el clima de su momento, fueron destrozados para abrir paso a la nada, fracturando gravísimamente la continuidad de nuestro legado. Pero no sólo esa arquitectura ha sido diezmada: la especulación inmobiliaria y los proyectos de "urbanismo político" han acabado con verdaderos tesoros más recientes, y la ignorancia, la soberbia y la estulticia han desfigurado a muchos otros.
En estas tierras desasosegadas, la naturaleza ha sido también implacable devastadora: ciclones e inundaciones, y sobre todo terremotos, han echado abajo edificios cuyas excelencias estéticas y funcionales eran, por lo visto, mayores que sus virtudes constructivas. Particularmente, el macro-sismo de 1985 en la ciudad de México demolió o dañó sin remedio piezas clave de nuestro acontecer arquitectónico y cultural. Y la oportunidad irrepetible de enderezar ciertas áreas de la capital a partir del estragamiento, no fue aprovechada cabalmente.

Capilla de las Capuchinas. Luis Barragán

Este escrito nace con tres propósitos: primero, el de desagraviar a una actividad crecientemente vista con el más chato pragmatismo, y que por el contrario constituye, como dije al principio, un precioso, contradictorio, complejísimo y apasionante testimonio de la vitalidad de nuestra cultura; segundo, intentar una lectura fresca de la arquitectura mexicana, mediante un acercamiento crítico y desprejuiciado a ella, y tercero, poner en su lugar a épocas, tendencias, áreas geográficas para un fácil acercamiento. Es claro que estos propósitos se lograron sólo en parte: habrá que proseguir la tarea. También, reconocemos que nos hemos establecido poco espacio: prácticamente todos los capítulos, los apéndices e incluso las viñetas con los que se arma este escrito, tienen sustancia para convertirse en largos ensayos por sí solos; confío en que aparecerá quién los realice.

Universidad Nacional de México

A veces pienso que éste es un escrito ambicioso en exceso: no se ha querido dejar afuera casi nada. Sin embargo, es tan vasta la riqueza y tan grandes y abundantes los espacios por llenar, que la ambición imposible se comprende. Y ahora, una simple aclaración: Jamás se pensó en este ensayo como: La obra definitiva, como la interpretación final y totalizadora: eso no existe para las cosas vivas. Aquí se expone, tan sólo, un escrutinio hecho de manera simple y de buena fe, desde mi óptica particular. Espero que vengan nuevos aportes que amplíen nuestras perspectivas, enriquezcan nuestros análisis, e incorporen elementos valiosos que pudiesen ser injustamente olvidados.

Museo de Anahuacali, Diego Rivera

Para quienes han hecho posibles los grandes valores de nuestra arquitectura, este sencillo escrito es un reconocimiento y un homenaje. Para quienes han propiciado sus defectos, descuidado y deformado a nuestras ciudades; para quienes se han mostrado incapaces de atajar la miseria que ha puesto a la arquitectura fuera del alcance de mayorías que no menguan, es una inculpación y una querella. Para los que en el futuro tengan en sus manos nuestra casa común, y levanten los edificios dentro de los que -o entre los cuales- discurrirá la vida de todos nosotros, es un recordatorio de que tienen allí, indeclinable, un compromiso con la historia, con la imaginación, con las raíces y el porvenir, con la justicia y la verdad, con la cultura, la sociedad y la naturaleza.
Ojalá que nuestra arquitectura logre aportar lo suyo para la construcción de un México mejor, sin perder sus enormes raíces y ricas tradiciones, una expresión que nos distinga del mundo, que tenga vida y que siga siendo México. Ojalá que, a su vez, nosotros sepamos agradecer a esta arquitectura, a este noble oficio, lo mucho que ya le debemos.

Casa en el aire. Augustín Hernández

* Francisco Pérez Vilchis, arquitecto graduado por la UNAM, ha colaborado para varios de los despachos más importantes de arquitectura en México. Ha participado en múltiples obras, y ha sido galardonado como ganador de la I Bienal de Arquitectura 1998, en las categorías de Arquitectura Industrial y Edificación Diversa. En 2006 construye al lado del Arq. Ricardo Legorreta Vilchis, el Hotel “La Purificadora” en Puebla, obra premiada a nivel internacional; Desde 2006 tiene participación directa en diversos proyectos en Phoenix Arizona E.U. Realiza en 2009, su primer proyecto para una tienda minorista en Brasil; En 2011 obtiene la Certificación Internacional APEC. En 2012 formaliza operaciones en Brasil, dirigiendo la empresa Zcala Brasil Arquitetura LTDA con sede en Porto Alegre. Desde 1993 está al frente de la empresa. Es miembro de la FECARM (Federación de Colegios de Arquitectos de la Republica Mexicana) miembro AIA (American Institute of Architects) y miembro UIA (International Union of Architects).

ENGLISH

En el Museo de Arte Contemporáneo de Vladivostok, Rusia, ARTETAGE, se viene realizando la exhibición fotográfica personal "Diálogos: Paisajes del Mundo".

MÁS ALLÁ DE LA FRACTURA

1. Templo de Angkor Wat, Camboya

2. La monumental Tesorería en Petra, Jordania, vista desde el ondulante pasaje llamado Siq.

La muestra se compone de una serie de pares fotográficos, representando diversos paisajes, separados en tiempo y espacio pero unidos por una idea común, ya sea formal o simbólica, sugerida sutilmente por un título.

Sin embargo, espectador es invitado a establecer esta conexión, y de esta manera se convierte en agente del diálogo entre ambos lugares.

ENREDADOS

1) Ruinas del templo de Ta Prohm, Camboya, invadido por la jungla. 2) Detalle del moderno Estadio Olímpico de Pekín, China, que evoca un "Nido de Pájaro"

Esta muestra es una selección de lugares presentados en este blog.

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EXPO Shanghai 2010: Miradas Intensivas

El Museo Le Corbusier o Heidi Weber ubicado en Zúrich, Suiza, es el último trabajo del famoso arquitecto suizo-francés, y que está precisamente dedicado a su obra albergando algunas de sus pinturas esculturas, mobiliario, escritos y maquetas de algunos de sus trabajos.

El edificio fue encargado en 1960 y tras muchos cambios fue inagurado en 1967, dos años después de la muerte de su creador.

El edificio se ubica no lejos del lago Zúrich, en un pequeño parque. Llama la atención la orientación del edificio que se emplaza diagonalmente a diferencia de todos los edificios de la zona qué significa paralelos a la dirección del lago

En el museo Le Corbusier concretiza el espíritu de su teoría proyectual estableciendo un diálogo entre arquitectura y arte y fue llevado a cabo gracias a la sociedad con su amiga Heidi Weber dueña de una galería de arte en Zúrich.

En el museo destacan claramente dos elementos: la cobertura y el cuerpo del edificio.

Le Corbusier ideó la cobertura el pabellón originalmente en concreto armado pero fue posteriormente convencido de realizarlo en metal. Esta estructura metálica compuesta por planchas metálicas de 5 mm de espesor, fue diseñada sobre la base de dos cuadrados de 12 x 12 metros de lado y se sostiene por pilares de 9 metros de altura, que se encuentran a la mitad de los lados del edificio dejando las esquinas libres.

Este detalle, al igual que su conformación, plegada como un origami, le dan un carácter ligero y dinámico.

Bajo el techo el cuerpo del museo se organiza en módulos cúbicos de 2.26 metros de lado, que corresponden a las medidas del modulor. Su disposición refleja la teoría del crecimiento infinito algo que había propuesto en sus museos en Tokio y Chandigarh.

El techo fue prefabricado en una fábrica de acero y, posteriormente , en las unidades más grandes posibles . transportado al lugar de construcción , donde se ensambló en el suelo. Las dos alas del techo fueron finalmente soldadas, izadas por una grúa a su altura final (9 m ) y fijadas en los pilares .
Con el marco se completó el proceso de construcción, el cual se benefició de la protección de la cubierta independiente que en ese momento que ya estaba colocada en su lugar. Consiste en cubos de 2,26 x 2,26 m ( piezas de acero afiladas - 3mm de espesor), que se están ensamblados en el sitio .

Las paredes, ventanas, aberturas y pisos a continuación se atornillaron a la estructura de acero . Las paredes se componen de paneles esmaltados que miden 1,13 x 2,26 m .

La colocación de estos paneles de esmalte fue planeada de acuerdo con un sistema rítmico, en particular. un sistema que podría ser adaptado para cualquier otra composición preferida. Después, todo el complejo fue colocado sobre una planta baja de hormigón.

El edificio tiene dos plantas - cinco habitaciones de un piso y dos de doble nivel.
Al construir el complejo de edificios . Se utilizaron más de 20.000 pernos.

Al interior del edificio se organiza en dos niveles y un sótano. El programa incluye, además de las salas de exposición, un salón de actos, un comedor y terrazas

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- OTRAS OBRAS DE LE CORBUSIER.

ENGLISH

El campus de la Universidad Federal del Lejano Oriente (FEFU en inglés o DVFU en ruso) es uno de los más modernos de Rusia. Ubicado en la llamada isla Russky, se conecta a la ciudad-puerto de Vladivostok a través del puente más largo del mundo. Su construcción simboliza la modernización de esta ciudad (que había estado olvidada por Moscú durante décadas), y una apuesta para el desarrollo de una arquitectura integrada al paisaje.

ANTECEDENTES
Russky (97.6 km²), una gran isla más grande que la de Hong Kong, ubicada al extremo sur de la península Muraiov-Amurski, sirvió como base militar desde hace más de un siglo, pero tras la caída de la Unión Soviética sus numerosas fortificaciones quedaron abandonadas. La isla posee numerosas formaciones geográficas, entre ellas la pequeña bahía de Ajax que sirvió de marco perfecto para construcción del nuevo campus de la universidad, luego de ser usada como sede del APEC, Asia Pacífica Economic Cooperation 2012.

Este evento fue una oportunidad para Rusia para prestar su atención hacia las economías del Pacífico. Puede resultar irónico pero a pesar de su localización estratégica, desde la Revolución soviética Vladivostok mantuvo su mirada hacia Moscú, y fue una ciudad de acceso limitado para los propios rusos. La consecuencia de ello tras la época comunista fue una continua disminución poblacional debido a la falta de oportunidades. Ante la crisis económica europea y el acelerado crecimiento chino en la zona, el desarrollo de Vladivostok y la isla Russky se volvió una prioridad para el gobierno ruso.

El campus durante su proceso de construcción

He sido testigo de ese rápido desarrollo. Cuando vine por primera vez en el 2009 la ciudad carecía de muchos servicios y lucía lúgubre y atrasada. En marzo de 2012 estaba en pleno proceso de construcción trabajando contrarreloj para culminar a tiempo las mega-obras para el evento. En octubre de 2012 la ciudad parecía irreconocible con respecto a aquella que vi apenas tres años atrás, engalanada como una novia que acaba de despedirse tras su fiesta de matrimonio. Algunos de los equipamientos más importantes que se construyeron fueron el nuevo aeropuerto y su autopista, dos nuevos puentes, una planta de tratamiento de residuos y el nuevo campus de la universidad.

Durante el APEC 2012, evento que congregó a los países del Asia-Pacífico

Puente Russky (o Puente Ruso), el más largo del mundo

EL NUEVO CAMPUS
Tal vez el aspecto que más valoro en el diseño de la ciudad universitaria es su respeto al sitio y a la topografía, especialmente por que contrasta con el trazo de varios sectores de la ciudad, que copiaron la plantilla de unidades habitacionales diseñadas en Moscú o San Petersburgo sin consideración del agreste relieve del territorio o el clima en que se sitúan. Esta circunstancia dificulta la vida cotidiana, especialmente durante las fuertes lluvias en verano o las heladas en invierno.

Este tipo de inundaciones se repiten cada año en la ciudad debido al mal diseño del trazado urbano y a la falta de infraestructura de desagüe pluvial. Ambos aspectos han sido tenidos en cuenta en el nuevo campus universitario.

En contraste, los numerosos edificios que componen el campus universitario se disponen radialmente siguiendo un trazado paralelo a la topografía de la bahía. La conformación geográfica abraza la configuración urbana de la universidad, casi como una matriz que protege un organismo en su interior.

El trazado se asienta gentilmente en el relieve a través de tres calles paralelas y concéntricas. Existen pocas vías perpendiculares, el resto es asumido por caminerías peatonales.

De las 120 hectáreas que componen el campus 54 corresponden a parques y áreas verdes, lo permite una buena calidad ambiental y visual, posibilita que todos los edificios gocen de visuales al mar y al mismo tiempo absorbe las áreas con mayor dificultad de relieve topográfico. En el centro de la composición radial se encuentra un gran parque que culmina en un malecón estableciendo un borde con el mar. Las diferencias topográficas son aprovechadas para generar caídas de agua, tratamientos paisajistas o pequeños bosques que complementan el recorrido a través de la ciudad universitaria.

Detalles del diseño paisajista del parque

Los edificios se agrupan en 3 áreas: al centro se ubica la zona administrativa, hacia el este laboratorios y aulas y hacia el norte las residencias universitarias.

El ingreso principal está presidido por un edificio de 8 niveles que contiene servicios múltiples, un banco y las oficinas del rectorado. En su fachada principal aparece como un cubo fragmentado, al que se superponen aristas de cristal.

En la parte posterior la fachada es dominada por una gran pantalla acristalada de forma convexa. El edificio es coronado por un gran parasol que da unidad a la composición del volumen.

El edificio envuelve un gran hall central al que balconean numerosas terrazas y que goza de una espectacular vista gracias a un generosa pantalla acristalada de forma ligeramente curva.

Esta concavidad es soportada por una doble membrana de vidrio que descansa sobre una estructura de acero.
A ambos lados de este se ubican numerosas funciones administrativas y de gestión, auditorios, comedores y oficinas. Sucesivamente se encuentra bloques que contienen, aulas, laboratorios salas de reunión, etc.
En un extremo se halla la piscina y el gimnasio , que es utilizado en algunas oportunidades para eventos regionales e internacionales.

Detalles del gimnasio y piscina, que es también uno de los edificios de la Facultad de Artes, Cultura y Deportes

Un detalle importante es que esos edificios se hallan vinculados por puentes de acero y cristal que al margen de darle una imagen futurista al conjunto son de especial utilidad durante los largos 6 meses de invierno en los que la temperatura puede llegar a 25 grados bajo cero.

Un puente conecta dos de los edificios de la Facultad de Artes, Cultura y Deportes

Presentando un estilo ecléctico y diferente a las áreas administrativas educativas los dormitorios (llamados aquí hoteles) son dispuestos en forma de u abierta hacia el mar y presentan una volumetría aterrazada,también integrándose al relieve topográfico y cuya forma contrasta con los masivos bloques que caracterizaban los dormitorios del antiguo campos, ejemplos de la lúgubre arquitectura moderna soviética. Además de residencias, estos hoteles incluyen comedores, restaurantes, servicios y minimercados.

La biblioteca, a la derecha, es uno de los edificios que ha quedado en el antiguo campus de la universidad, en el centro de Vladivostok. Al fondo se observan los antiguos dormitorios en estilo moderno de la época soviética.

El aterrazamiento de las residencias evoca la pendiente de la topografía de la isla.

Durante el verano, la población hace uso del parque y la playa

Otros edificios complementarios incluen el terminal de buses que hacen servicio interno en la ciudad universitaria, el centro médico y la planta de energía, que si bien se encuentra fuera del campus, es la que provee agua caliente a toda población de 20,000 estudiantes que habita en la universidad.

El nuevo campus de la Universidad FEFU se ha convertido en un nuevo símbolo para el desarrollo de la ciudad y en particular de la isla Russky. A pocos kilómetros se encuentra en construcción el nuevo acuario de la región de Primorie y dado el enorme potencial de la isla se vislumbra en desarrollo de nuevos centros de investigación y recreación de alcance metropolitano regional e internacional. Sin embargo esperamos que esta sea una oportunidad para hacer también un ejemplo de desarrollo ambientalmente viable.

El nuevo acuario, que deberá ser culminado el próximo año

VER TAMBIÉN:

- EDUCACIÓN.

Con un grupo de estudiantes de la universidad

El progreso de las áreas periféricas de una ciudad, a menudo constituídas por zonas denigradas o de poco interés en la planificiación, constituye una estrategia de vital importancia para lograr un desarrollo sostenible y armónico de los diferentes sectores de la urbe.

Este primer Taller Internacional sobre Sostenibilidad y Perferie busca dar respuestas concretas a esta realidad, proponiendo elementos que busquen desarrollar la identidad de los individuos y vecinos de esta áreas y que a la vez promuevan sus valos económicos, sociales, ambientales y paisajísticos.

El curso se compone de dos partes: la primera a través de la exposición conceptual y de estudios de caso a nivel mundial por los especialistas y en segundo término y workshop de diseño guiado a fin de poner en práctica los conceptos discutidos en el curso.

El evento se llevará a cabo el 16 de abril de 14:00 a 20:00 horas en las instalaciones del Colegio de Arquitectos regional Arequipa, sito en la Calle Bolívar 207.

EXPOSITORES

Prof. Arq. Tommaso Cigarini

- Nacido en Milán, Italia en 1977, en donde se gradúa en Arquitectura en el Politécnico de Milán en 2006 con una tesis en un proyecto museográfico de ampliación del Museo de la Ciencia y de la Tecnología “Leonardo da Vinci”.
- En 2001 se va un año a Francia, en Nancy, con el Programa Socrates-Erasmus, trabajando en la oficina de los arquitectos Laurent &Emmanuelle Beaudouin.
- Regresado en Milán, colabora en la oficina de arquitectura y diseño de interiores Caneva- Conca trabajando a proyectos de interiores, casas y retail.
- Colabora, desde 2007 hasta 2013 en la oficina del arquitecto Mauro Galantino trabajando a proyectos de diferente escala: viviendas, oficinas, tiendas, museos, edificios públicos. Con Galantino comparte la visión de la arquitectura como actividad para mejorar la vida de todas las personas.
- En 2013 llega en Perú, en Lima, en donde trabaja, hasta diciembre 2015, en la oficina de los renombrados arquitectos Barclay & Crousse a concursos, proyectos de casas de playa, de campo, viviendas multifamiliares, oficinas.
- Desde el 2016 trabaja en Lima en su propia oficina a proyectos de edificios privados y públicos, diseño de interiores, design.
- Desde 2015, paralelamente a la actividad profesional, enseña taller de diseño en la universidad UPC sede de Monterrico y Villa, Lima.
- Ha publicado escritos sobre arquitectura contemporánea en la web y en revistas especializadas como Domus, il giornale dell’architettura, Casabella, Ottagono y la revista argentina “30-60”.

Prof. Arq. Carlos Zeballos, PhD

- Arquitecto arequipeño, graduado en la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa.
- Magister en Planeamiento y Gestión Urbano Ambiental. Convenio Universidad Nacional de San Agustín UNSA (Perú) - Institute for Housing and Urban Development Studies, IHS (Holanda) - International Institute for Geo-Information Science and Earth Observation, ITC (Holanda). Graduado Summa cum laude
- Magister en Desarrollo Sostenible. Convenio Universidad Nacional de Lanús (Buenos Aires, Argentina) – Foro Latinoamericano de Ciencias Ambientales, FLACAM (La Plata, Argentina).
- Becado como investigador por el Ministerio de Educación del gobierno de Japón, Monbukagakusho.
- PhD en Diseño Urbano Ambiental en la Universidad de Kioto, Japón
- Post-doctorado en el Research Institute for Humanity and Nature, en Kioto, Japón.
- Especialización en GIS y Spatial Analyst en ESRI, Redlands, California, EEUU.
- Ha participado como ponente en conferencias en más de 13 países, incluyendo Japón, China, Corea, Rusia, Canadá, EEUU, Alemania, Estonia, Lituania, Portugal, Sudáfrica, etc.
- Ha sido profesor y jefe de laboratorio de Diseño Urbano en la Universidad FEFU en Vladivostok Rusia, donde realizó el plan del frente marítimo en el centro urbano de esa ciudad. Este trabajo fue expuesto en el Congreso Internacional de Paisaje en San Petesburgo, Rusia, y el Congreso Mundial de Arquitectos en Durban, Sudáfrica, y fue publicado en libros y revistas en Rusia, EE.UU. y Bulgaria.
- Ha visitado más de 300 ciudades en más de 65 países, y compartido sus experiencias en el blog “Mi Moleskine Arquitectónico” que a la fecha cuenta con 9.3 millones de visitas.
- Ha publicado en revistas indizadas internacionales y actualmente tiene un artículo expuesto en Londres en la muestra “Creation from Catastrophe” organizada por el Royal Institute of British Architects, RIBA. - Ha realizado exhibiciones fotográficas individuales y colectivas en Vladivostok, Kyoto y varias ciudades en Perú.
- Como urbanista sénior en el IMPLA ha llevado a cabo, junto a otros urbanistas locales, la redacción final del Plan de Desarrollo Metropolitano PDM Arequipa 2016-2025.

La Terraza Comunal y Centro de Convenciones Monona (Monona Terrace Community and Convention Center) está ubicado en las orillas del lago Monona en la ciudad de Madison, y es una obra póstuma de Frank Lloyd Wright, si bien el edificio construido ha sufrido muchas modicifaciones y fue desarrollado finalmente por su aprendiz Tony Puttnam de Talliesin Architects. Controversial y criticado por algunos, ha sido muy valorado por otros, como la investigadora Mary Jane Hamilton, que lo coloca entre las obras más importantes del célebre arquitecto norteamericano, y "uno de los gestor urbanos y cívicos más inspirados de todos los tiempos".

UNA BATALLA DE CASI 60 AÑOS

Frank Lloyd Wright nació en el estado de Wisconsin y siguió sus estudios secundarios en la ciudad de Madison, una bella ciudad rodeada de lagos y bosques, que sin duda estimuló el amor del arquitecto por la naturaleza. De allí, que el famoso arquitecto, que mantenía un espacial afecto por esta ciudad, donde también siguió estudios de ingeniería, haya querido realizar un proyecto que vinculara a Madison con el Lago Monona.

El proyecto, presentado a la municipalidad por primera vez en 1938, fue rechazado por los concejales, quienes lo considaraban una intrusión en el lago y que bloqueaba las vistas desde el capitolio. Confabularon contra el proyecto, el propio Wright, con su arrogancia, su fama de no pagar las cuentas y su mala reputación por sus escándalos sentimentales, además de la ferocidad de algunos concejales que se opusieron de plano y por varias décadas a la ejecución del mismo. A ellos se aunaron grupos de ciudadanos, como el "It's Wright for Wisconsin" que estaba a favor del proyecto y el "It Ain't Wright", que estaba en contra.

La idea fue replanteada hasta en 6 oportunidades a lo largo de los años, modificando el programa y el nivel de intrusión en el lago, la altura de las edificaciones y el grado de aproximación al lago, y a pesar de sus esfuerzos el arquitecto nunca vio el edificio ni siquiera ser aprobado para su construcción, cuando murió en 1959.

Tras múltiples controversias y luego de haber sido pospuesto y cancelado muchas veces, en 1990 se aprobó en un referéndum y por estrecho margen, la necesidad de que la ciudad contara con un centro de convenciones. El proyecto de Wright fue modificado y adaptado por uno de sus aprendices, Tony Puttnam de Talliesin Architects. La construcción del proyecto se inició en 1994 y culminó en 1997, casi 60 años después de que fuera ideado y proyectado por Wright.

ASPECTOS URBANOS

El edificio trasciende su carácter arquitectónico para adquirir un rol urbano en la conexión de la ciudad con el Lago Monona.

Alinéandose visualmente con la llamativa figura del capitolio de Madison, el centro de Convenciones se conecta espacialmente con la Plaza del Capitolio y ofrece un juego de plataformas y jardines que conforman un gran balcón aterrazado que ofrece magníficas vistas del lago.

La intervención no busca mucho protagonismo y evita convertirse en una barrera visual entre la ciudad y el agua, por el contrario, es una invitación que a disfrutar de esta escenografía que es enormemente popular entre los ciudadanos.

Sin embargo, existe un notorio desnivel que el edificio ha sabido resolver para atraer a los visitantes a las orillas del lago. Esta diferencia es absorbida en cuatro niveles desde la terraza hasta el sótano.

Haciendo uso de ascensores y estacionamientos, los visitantes puede llegar hasta el borde del lago, donde es posible ver a mucha gente disfrutando de la pesca en un bello día de verano. Me llamó la atención de la inmediatez de la fachada con este malecón, ya que no hay un espacio plaza o similar que pueda permitir apreciar la fachada del edificio en toda su dimensión.

Sin embargo, considerando la conexión de los habitantes con el lago Monona, el edificio puede ser visto desde botes durante el verano o a pie, cuando el lago se congela.

ARQUITECTURA

Las formas curvas de la composición enfatizan el carácter orgánico de la arquitectura de Wright y buscan armonizar con la cúpula del capitolio neoclásico de Madison. Es notoria la intención del arquitecto de proveer de vistas ininterrupidas del lago al interior del edificio, de allí que la fachada sea una gran mampara de vidrio azulado con vanos en forma de arquería que sigue un contorno curvo, aprovechando la orientación del sol.

La transparencia de este volumen curvo contrasta con la opacidad de los cilindros que flanquean esta membrana vidriada. Asismismo, la relación con la ciudad no es olvidada, ya que se remarca el eje visual que conecta este espacio con el Capitolio.

El Centro se organiza en cuatro niveles, además de amplias zonas de estacionamiento.

Primer nivel: Consta de salas de exhibición y áreas de carga y descarga de materiales.

Segundo nivel: contiene una terraza y la doble altura del salón de exhibición, además de un salón de la fama. En el tercer nivel se encuentran cuartos de servicio y maquinarias.

Cuarto nivel: acoje un gran salón de baile, muy usado para bodas y varios salones para conferencias o eventos, además de una gran terraza interior.

Quinto nivel: contiene las terrazas y una cafetería.

Sección

Posteriormente se ha adicionado un gran puente de vidrio que une el hotel Hilton con esta obra, pero es obvio que es una adición que no tiene que ver con el lenguaje original del edificio.

La terraza pública es un espacio de celebración y encuentro, especialmente popular en el verano, cuando se organizan eventos y bailes públicos.

Las formas curvas de la obra son reminiscentes del lenguaje wrightiano de la última etapa de su vida, y evoca aquellos de obras como el Museo Guggenheim de Nueva York, sin embargo algunos detalles como las lámparas y maceteros me hacen recordar a detalles que se encuentran ya desde sus tempranos trabajos como la Casa Robie en Chicago.

El interior enfatiza la relación con el lago y retoma algunos iconos de la ornamentación wrightiana, en la combinación de motivos geométricos, el uso de bóvedas y lámparas, que le otrogan un toque Art Deco.

Incluso las alformbras, especialmente diseñadas para el centro, evocan motivos circulares y geométricos.

Asimismo, en el 2007 se llevaron a cabo modificaciones que permitieron mejorar notablemente el desempeño energético y las emisiones del Centro de Convenciones, por lo que ha recibido una certificación LEED oro.

Es obvio que la marca “Frank Lloyd Wright” se ha convertido en un atractivo para la ciudad y el orgullo de sus habitantes, a pesar de que la obra no fue 100% concebida por el arquitecto y que fue la propia ciudad la que detuvo su construcción por décadas. Pero es evidente que el edificio cumple con el propósito urbano y cultural de vincular a la ciudad de Madison con su frente ribereño y de ser un catalizador en la promoción de esta interfase urbano natural..

VER TAMBIÉN

- OTRAS OBRAS DE FRANK L. WRIGHT.

- CENTROS CULTURALES.

Hoy este blog celebra una década de vida. Las imágenes de estos 10 años se suceden como en un abstracto vídeo musical, sin orden pero con ritmo, sin guión pero con vívidos colores. Detro de todo este caleidoscopio de rutas y experiencias aparecen dos denominadores comunes que han sido la energía vital del blog: el paisaje y los lectores. Cuando comencé a escribir Mi Moleskine Arquitectónico hace 10 años, nunca imaginé la importancia que ambos tendrían en mi recorrido, desarrollo y reflexión personal.

Agradezco sobremanera la lectoría, el aporte, el consejo, la crítica y el entusiasmo de los lectores (que en ambas versiones del blog suman al rededor de 10 millones) ya que son ustedes los que han sido un impulso a proseguir con esta página, a pesar de que en los últimos tiempos me han resultado muy difícil mantener una constancia en la publicación. Es en homenaje a ustedes que prometo seguir compartiendo estas notas al paso de un recorrido.

Y para quienes estén en Arequipa, este 28 llevaremos a cabo un evento en el auditorio William Morris de la Universidad Católica Santa Maía, en el que participarán excelentes colegas y amigos blogueros, con quienes esperamos motivar a los participantes a compartir sus ideas en la web,

Nuevamente, a todos, muchas gracias.

Carlos Zeballos

COSTURAS URBANAS, Red de Centralidades Barriales en la Periferia de Arequipa como alternativa Socio Ambiental al Cambio Climático en Poblaciones Vulnerables, es un proyecto de investigación aplicada seleccionado en el concurso patrocinado por Cienciactiva-UNSA. El presente es un resumen del proyecto, al cual se sumarán posteriormente otras publicaciones conforme se vayan elaborando los estudios y produciendo los resultados. Un paper con la metodología del proyecto ha sido seleccionada para presentación oral en el Congreso Mundial de arquitectura en Seúl, Corea 2017.

Antecedentes
Ante el crecimiento anárquico y desarticulado de Arequipa, particularmente en áreas vulnerables de la periferia, el proyecto “Costuras Urbanas” ofrece un modelo integrado de planeamiento social urbano ambiental a fin de mejorar las condiciones resiliencia poblaciones vulnerables periferia de Arequipa. Este modelo ofrece una metodología que puede ser replicada en situaciones similares de la región o el país. El proyecto abarca 4 aspectos integrales

Ambiental: incluyendo propuestas para la gestión de riesgos en torrenteras, alternativas de mitigación de los efectos del cambio climático en poblaciones vulnerables y promover el incremento de áreas verdes en lugares con extrema deficiencia de vegetación por habitante
Físico espacial: busca integrar áreas actualmente desarticuladas, la potenciación de subcentralidades barriales y mejorar la estética del paisaje.
Socio económico: desarrolla fortalecimiento de capacidades para generar alternativas de productividad comunal, incluyendo subproyectos de agricultura urbana, la democratización de servicios, el incentivo al autoempleo y el trabajo con la juventud.
Institucional: promueve alianzas estratégicas con organismos del estado, a nivel de municipalidad provincial, municipalidades distritales, IMPLA, INDECI, CENEPRED, Ministerio del ambiente, etc.

Objetivo General

Desarrollar un modelo de planeamiento urbano participativo para zonas periféricas vulnerables de Arequipa que identifique, analice y proponga una red de centralidades barriales que conlleven a la articulación e incremento de la resiliencia en dichas zonas.

Justificación
Naciones Unidas ha declarado que el cambio climático es el problema más grave que deberá afrontar la humanidad en el siglo XXI. Países de climas diversos como el Perú y ciudades desérticas como Arequipa son particularmente vulnerables a estos cambios (sequías y lluvias extremas). Es menester crear ciudades más resilientes a los efectos de estos cambios, a la vez que proveer una infraestructura adecuada para lo propio. 100 Resilient Cities define la resiliencia urbana como “la capacidad de los individuos, comunidades, instituciones, negocios y sistemas dentro de una ciudad para sobrevivir, adaptarse y crecer sin importar qué clase de esfuerzos crónicos y shocks agudos experimenten”. Esta es una definición directamente ligada a la preparación de una ciudad ante la ocurrencia de diversos eventos de desastres. Varios autores se refieren a ésta como resiliencia pasiva. Pero también la resiliencia urbana asume otro enfoque más proactivo, el de dotar de mejor calidad de vida a sus habitantes. Así, ResilientCity.org, propone diversos principios para el planeamiento de ciudades más resilientes, entre ellos la densidad, diversidad y mezcla de usos, la creación de lugares que refuercen la identidad de la comunidad, la integración de sistemas naturales y la participación y el involucramiento de comunidades. Es menester desarrollar estrategias que devengan en el incremento de ambos tipos de resiliencia (Zeballos, 2016) El Plan de Desarrollo Metropolitano de Arequipa 2015-2025 ha identificado esta problemática considerando éstas áreas vulnerables como áreas de riesgo sujetas a planificación especial, si bien no ha especificado cómo podrían ser estos planes. La propuesta de “Costuras Urbanas” apunta precisamente a ser un modelo replicable para este tipo de planeamiento en zonas de riesgo. Es un proyecto integral físico espacial, socio-ambiental e institucional, que será llevado a cabo en coordinación con el Instituto Municipal de Planeamiento y las Municipalidades Distritales correspondientes como actores claves que le den viabilidad a esta propuesta técnico académica.

Problema identificado
Arequipa es una ciudad que ha crecido de forma fragmentada, no planificada y ocupando áreas de riesgo. Muchas de sus poblaciones en áreas periféricas carecen de servicios básicos, áreas verdes y están aisladas entre sí, siendo las más vulnerables las que se asientan sobre torrenteras, con el consecuente riesgo a la propiedad y la propia integridad de las personas. Recientemente este problema se ha agravado con las consecuencias visibles del calentamiento global. Las inundaciones son el desastre que más pérdidas humanas ocasiona en Arequipa (INDECI, 2014), sino que la frecuencia e intensidad de estas va a agravarse en los próximos años como consecuencia del cambio climático. La estructura radiocéntrica de la ciudad, acentuada por su conformación geográfica, divide aun más los barrios periféricos, incrementando su vulnerabilidad social, económica y ambiental. La falta de una estrategia integral que busque integrar estos segmentos urbanos ha conllevado a su marginación y fragmentación.

Hipótesis

Dada la desarticulación y el crecimiento informal sobre áreas vulnerables en la periferia de Arequipa, las cuales se ven expuestas a los efectos de cambio climático y marginalidad urbana es necesario desarrollar propuestas que conlleven a la mitigación de estos problemas. En tal sentido la concepción de una red de centralidades barriales periféricas que por un lado potencien las capacidades de la población y que por el otro coadyuven a la prevención de eventos de desastre naturales, permitirá el desarrollo articulado de estas zonas y el resto de la ciudad a la vez que motivar el incremento de la resiliencia urbana tanto pasiva como proactiva. Para este fin la propuesta constará de un modelo que deberá articular cuatro aspectos principales: físico-espacial, ambiental, socio-económico e institucional. Esta respuesta podrá ser replicada en contextos similares, ofreciendo una metodología útil para la toma de decisiones, la mitigación de riesgos y el desarrollo socio-económico de poblaciones vulnerables. La participación de la población en las diferentes fases del proyecto- diagnóstico, propuesta y ejecución- permitirá garantizar que la propuesta refleja las necesidades de los habitantes y permita el fortalecimiento de su identidad y memoria colectiva, de tal suerte sea la población la que construya su ciudad con la orientación de las instituciones académicas y gestoras pertinentes.

Aplicación de los Resultados
Localmente, el proyecto puede ser un catalizador del desarrollo integral de poblaciones vulnerables y ofrecer un beneficio directo y concensuado a poblaciones de esta zona. A nivel nacional, la experiencia puede ser replicada en contextos similares, beneficiando a grandes segmentos de la población peruana que se han asentado en zonas de riesgo A nivel internacional, el proyecto puede coadyuvar a incluir a Arequipa en el programa de Ciudades Resilientes del Banco Interamericano de Formento BID, un esfuerzo por incrementar la resiliencia en poblaciones vulnerables. El proyecto también recoge la iniciativa de la Cooperación Andina de Fomento CAF acerca de su gran interés por los problemas generados por el calentamiento global, y puede llegar a financiar un proyecto piloto que sirva de referente a otras ciudades y países de la región.

Equipo del proyecto:
Investigador principal: Carlos Zeballos.
Co Investigadores: Jorge Urquizo, Adolfo Chacón, Ricardo Gonzales.
Tesistas: Oshin Chua, Katherine Ancco
Asistentes: Eliana Chui, Eduardo Romero.
Asesores: Jan Turkstra, Luis Rodríguez, Américo Martínez, Edwin Guzmán

El día de hoy Mi Moleskine Arquitectónico cumple 11 años, y aprovechando esta ocasión quisiera compartir con ustedes, queridos lectores, el proyecto en el que hemos venido trabajando conjuntamente con el Dr. Gonzalo Ríos Vizcarra: el primer volumen del libro "Poética de un Mundo habitado", cuya breve reseña ofrecemos a continuación.

POÉTICA DE UN MUNDO HABITADO

La producción arquitectónica actual ha devenido frecuentemente en lo banal y lo superfluo, en lo epidérmico y comercial, deslindándose de la esencia y el espíritu que a lo largo de la historia le han servido de nutriente. “Poética de un mundo habitado” es una reflexión sobre aquello que trasciende la arquitectura en su carácter más básico –prodigar cobijo- para ahondar en aspectos fundamentales que intervienen en el proceso de creación y de habitación. El libro, escrito por los arquitectos Gonzalo Ríos y Carlos Zeballos, complementa una narrativa que explora el ingrediente poético de la arquitectura desde sus aspectos no materiales –metáfora, angustia, sombra, música, respirar, etc.- que son muchas veces intangibles pero que están presentes precisamente en el momento de la creación.

De hecho, la palabra poético proviene etimológicamente de poíēsis, que significa “fabricación, creación, producción". Gonzalo Ríos desarrolla la temática del libro a lo largo de 70 conceptos que reflexionan sobre el ingrediente poético en la arquitectura, pero que no solamente se limitan a ella. Muchas de sus deliberaciones se nutren y son válidas para muchos aspectos de otras artes y de la vida en general. Ríos combina en sus escritos reflexiones sobre antropología, historia, fenomenología y filosofía, hilvanando estos pensamientos en una narrativa que aterriza siempre en una relación muy vigorosa con el artefacto arquitectónico. La estructura del libro es muy versátil y permite tanto una lectura consecutiva como aleatoria, que permita ser útil tanto para un investigador o estudiante como para un leyente que busque simplemente deleitarse en la búsqueda de lo poético; tanto para un lector disciplinado como para uno esporádico. Además, cada texto sugiere conexiones, a manera de hipervínculos, a otros artículos que pudieran complementar la lectura del mismo.

Carlos Zeballos, por su parte, ofrece la contrapartida gráfica a cada texto, ilustrando cada uno de estos conceptos con fotografías originales que provienen de los cinco continentes y con suscintos textos que ayudan a comprender la conexión de la fotografía con el artículo. A través de un recorrido de varios años, Zeballos ha venido recopilando material fotográfico de más de 60 países, conviviendo con culturas y paisajes tan fascinantes como disímiles, y que ha venido compartiendo en este blog. Precisamente debido a esa experiencia, el libro busca ofrecer una perspectiva distinta a la tradicional visión eurocéntrica de los libros de arquitectura, al incluir imágenes de Asia, África, Oceanía y Latinoamérica.

Si nien se han incluido en el libro muchos temas desarrollados previamente en este blog, gran parte del material inédito o producido ad hoc.

“Poética de un mundo habitado” viene siendo publicado en dos versiones, tanto en español como en inglés, gracias al apoyo del Vicerrectorado de Investigación de la Universidad Católica de Santa María de Arequipa.

Actualmente en pre-prensa, el libro saldrá a la venta a principios del 2018

Gonzalo Ríos es Doctor Arquitecto en Historia del Arte y de la Arquitectura (UPO), Magister en Artes (UNSA), Máster en Restauración y Conservación (UAH), Posgrado en Arquitectura y Urbanismo para el Desarrollo (ISACF). Docente de la Escuela Profesional de Arquitectura de la UCSM, ha sido galardonado con el Hexágono de Cobre, la más prestigiosa distinción a un texto de arquitectura en el Perú, por su libro “Arequipa como Paradigma”. Es editor del blog Trampantojo.

Carlos Zeballos es Ph.D. en Planeamiento Urbano Ambiental por la Universidad de Kioto, Japón y posdoctorado en el Research Institute for Humanity and Nature, también de Japón. Ha realizado maestrías en Arequipa, Perú y Buenos Aires y la Plata en Argentina. Profesor y expositor en diversas universidades en Japón, Rusia, México y Perú, actualmente es decano de la Facultad de Ingeniería y Computación de la Universidad Católica San Pablo. Sus trabajos fotográficos han sido expuestos en Inglaterra, Rusia, Japón y diversas ciudades del Perú.

Portada del Libro “Poética de un mundo habitado”

Prefacio de una poética

Como un adelanto del libro “Poética de un mundo habitado”, que será presentado este martes 10 de abril a las 7 de la noche en el Auditorio William Morris de la Universidad Católica de Santa María de Arequipa, publicamos su prefacio con algunas de las imágenes que se encuentran disgregadas a lo largo de los 70 textos. Un reconocimiento a los blogs “Mi Moleskine Arquitectónico” y “Trampantojo” que fueron la matriz original en donde se acunaron ciertos textos y se publicaron algunas de las fotografías.

PREFACIO
Gonzalo Ríos Vizcarra

Al interior de las formas con que cada cultura se concluye, los hombres expanden o comprimen su naturaleza. Ejercitando las dinámicas propias de su existencia terminan por ajustarse a las normas que la habitación segregada les propone. La arquitectura siempre ha sido un modo eficiente de validar la realidad por la cual una sociedad se inclina; sin embargo, toda construcción implica tanto selecciones como renuncias. En ese proceso, muchas verdades advertidas como inútiles para apuntalar una idea son desdeñadas, desvaneciéndose junto a ellas los escenarios en donde el hombre podría concretar, a cabalidad, la plenitud de su esencia humana.

C.Z.V., Maraña, Jaisalmer, India 2007.

De toda forma de realidad, la que reconoce como su única fuente de referencia a la razón, es la que mayor filo tiene para escindir el resto de vertientes consustanciales al hombre. La sociedad contemporánea, alineada cada vez más a esta posición, moldea tipos humanos para que no cuestionen su estructura sino, más bien, concuerden con ella y la apuntalen.

Un hombre encasillado y reducido a un rol asignado llena su vacío existencial siguiendo las reglas del sistema de producción y consumo, siendo llamado a poseer el objeto efímero, el cual lleva en su extinción la ordenanza de un nuevo gasto. La arquitectura, como máxima obra de producción humana, no podía dejar de ser arrastrada a esta inusual condición.

C.Z.V., Parque Explora, por Alejandro Echeverri, Medellín, Colombia. 2016

Disminuida la habitación queda también reducido el habitar. Lo que antes formaba parte de una dinámica a través de la cual el ser humano daba forma a su existencia al interior de los espacios segregados, es hoy en día un proceso maquinal de acomodos tanto corporales como de los objetos acumulados por los habitantes. En el vórtice del consumo voraz las imágenes de las cosas se agotan. La arquitectura que devino en objeto no tiene otra alternativa que recurrir a repertorios de otra naturaleza, los cuales ya nada tiene que ver con los lenguajes emergentes de su esencia material o con la narrativa que su sociedad buscaba perennizar.

C.Z.V., Reflejos de otoño, Templo Rengeji, Kioto, Japón. 2010.

El discurso contemporáneo que gira en torno a la arquitectura se centra así mucho más en el objeto soberano que en las posibilidades que surgen entre las interacciones del habitante con el artefacto. Si cada época termina resaltando en su arquitectura vertientes específicas del habitar, la nuestra ha subrayado las más superficiales.

En este texto setenta temas son recuperados para mostrar la multiplicidad de sentidos que puede derivarse del hecho de habitar. A partir de ellos, y mediante una lectura no necesariamente lineal se pretende articular un discurso que destaque lo poético como inevitable resultado humano de practicar sus hábitos en medio o al interior del espacio segregado.

C.Z.V., Pasos seriados, Kurama yama, Kioto, Japón 2007.

El habitar es poético en la medida que, al ser ejercitado, el habitante establece conexiones con el mundo que lo acoge, y en ese proceso logra autodefinirse y crea realidades válidas en sí mismas fundadas a partir de la reciprocidad. El habitar humano primordial era poético no por elección, sino por una necesidad constitutiva nacida de la espontaneidad, por lo tanto, no obligada a cernirse por los finos tamices de la razón.

En los setenta textos desarrollados no se pretende sentenciar conceptos definitivos, pues al hacerlo se estaría atentando precisamente con lo que se quiere destacar: que sólo la experiencia personal es la única vía válida para encontrar la pluralidad de sentidos y las significaciones múltiples como esencia del habitar poético.

C.Z.V., Monasterio en las rocas, Meteora, Grecia. 2010.

El libro es pues más una invitación, para que, a través de la lectura de los textos y el recorrido visual de las imágenes el lector concluya que la poética del habitar es todavía una posibilidad latente que se concreta a diario en diferentes partes del mundo, y que si se pretende que la arquitectura recupere el sitial que durante siglos ocupó, deberíamos centrar nuestra atención, más que en la manipulación de formas, en reconocer que en el espacio habitado se encuentran las huellas más concluyentes de nuestro verdadero ser.

Carlos Zeballos Velarde y Gonzalo Ríos Vizcarra, autores del libro.

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