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Channel: Mi Moleskine Arquitectónico
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FREITAG, UNA TIENDA HECHA CON CONTENEDORES EN ZURICH

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La propuesta de Spillmann Eischle Arkitecten para una tienda hecha para la fábrica de bolsas Freitag, en Zurich, Suiza, demuestra que se puede hacer un edificio moderno y llamativo con materiales muy modestos, considerados por muchos como chatarra.



La tienda de la fábrica Freitag, especializada en bolsas de lona, se ubica al lado de una importante autopista en Zurich y de la línea principal de tren, en un terreno industrial abandonado.


En el 2006 los arquitectos propusieron reutilizar un grupo de 17 contenedores industriales para dar forma a esta inusual propuesta. Los contenedores fueron traidos de Hamburgo y ensamblados con elementos industriales. A su aspecto oxidado, la comunidad ha contribuido con numerosos graffitti.







El edificio se asienta en una base de concreto algo retirada de la avenida y se compone de dos zonas, la de atención al público, una doble altura conformada por 4 x 2 contenedores, y donde se exhiben, entre otros, protectores para teléfonos celulares hechos también de cuero.


Contigua a esta, se ubica una torre donde se almacenan distintos modelos de bolsas, y a los que se accede mediante una escalera interior.




Los amplios ventanales a un lado de la fachada y los espejos ubicados al interior, generan una sensación de amplitud en un espacio estrecho, además del juego espacial de la escalera.




Por fuera, la torre se constituye en un hito icónico, no sólo por el carácter industrial de su composición, sino por el mensaje ecologista que ha querido transmitir la firma, tanto en sus productos como en el uso de materiales reciclados para la realización de su tienda insignia.



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ARQUITECTURA ENSAMBLADA



IGLESIA DE LA LUZ, MIRADAS INTENSIVAS

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Un edificio creado por nuestros corazones.
Discurso de Tadao Ando durante la ceremonia de consagración de la Iglesia de la Luz, el 14 mayo 1989.


Hoy, estoy profundamente conmovido por el sentimiento de que finalmente la iglesia se ha completado porque nosotros, como constructores, y los miembros de la Iglesia, como usuarios, hemos estado esperando con ansias su finalización.
Al dar un vistazo a Osaka , muchos edificios han sido construidos o están en construcción.
En muchos casos, constructores, carpinteros, y otros en el campo de la construcción no conocen el edificio que están construyendo. Los propietarios de los edificios solo piensan en resultados económicos y como podrán hacer dinero. La gente viviendo cerca a los lugares de construcción simplemente están esperando recuperar el silencio de esa área luego que las construcciones hayan terminado.


Ellos no tienen expectativas acerca de cómo van a utilizar los edificios. Muchos edificios son completados sin la celebración de los constructores o la gente que vive cerca de ellos.
Sin embargo, la construcción de este edificio fue difícil. Al principio, el Sr. H. Miyamoto y el pastor Karukome vinieron a nuestra oficina para comisionarnos el diseño. Ellos explicaron sus condiciones. Primero, ellos disponían de recursos increíblemente limitados. En segundo lugar, ellos querían construir una nueva capilla anexa al edificio de madera existente, que ellos usaban como iglesia en aquel tiempo. Después de haber oído la explicación de sus condiciones, les dije que sería imposible realizar este plan. Pensé que no se completaría al final. Cuanto mas nos reuníamos y escuchaba sus planes, más desesperado me sentía. Pero llegué a la conclusión de que este difícil proyecto sería un reto porque la pasión de la gente de la iglesia y su empeño me dio esperanza. Yo tomé este encargo sabiendo que habrían muchas dificultades.


Tal como había anticipado, en efecto tuvimos muchos problemas. Es más difícil fue debido a la demanda de la construcción en el área de Osaka. Cuando estábamos por finalizar el diseño, fue muy difícil encontrar una compañía constructora para realizar este proyecto. Un día, el Sr. Ichiryu, presidente de la compañía constructora Tatsumi, se nos acercó y dijo que ellos podrían ejecutar la construcción, dado que tendría un gran significado completar este edificio aunque ellos pensaban que no tendrían ningún beneficio en ello. Al sentirme profundamente conmovido por su pasión, le dije "hagamos progreso junto con sacrificio".


Una de las más grandes dificultades fue la escasez de mano de obra especializada en concreto en el campo de la construcción, ya que frecuentemente cambiaban de parecer para conseguir otros trabajos donde pudieran obtener mejores salarios.
Pero, la comunidad esta iglesia y la gente comprometida en la construcción no abandonaron la esperanza.


En esa época, tuve pocas oportunidades para visitar la obra y no pude compartir sus sufrimientos, los cuales habría podido entender fácilmente si los hubiera visitado.En todo caso, los miembros de nuestra comunidad en la iglesia, la gente de la compañía constructora y Tadao Ando Architect & Associates continuaron caminando juntos buscando un rayo de esperanza. Debido a sus grandes esfuerzos al final la construcción fue completada con retraso. He aprendido que donde todo se mueve con dinero, un grupo de corazones puede poner a prueba su fortaleza. Eso eso realmente lo que yo quería conmemorar. Recordaré que los corazones de la gente pueden superar la economía.



Hoy, me siento encantado, pero tengo una preocupación esta mañana. Mientras venía esta ceremonia, me preguntaba si la gente de la iglesia usaría este edificio en la forma en la que nuestra oficina, el Sr. Ichiryu hemos llevado a cabo con sumo cuidado y entregado a la gente de la iglesia hoy.Sin embargo, mirando sus rostros aquí, me siento confiado de que ustedes mantendrán este edificio, con mayor cuidado del que nosotros habríamos esperado y que esto mejorará conforme pase el tiempo.Nosotros simplemente le hemos dado nacimiento. Pienso que crecerán mientras ustedes lo están usando. Y, espero que este edificio ayudará a esta iglesia a volverse indispensable en la ciudad en 20 a 30 años.Gracias por haberme dado tan gran encargo
Tadao Ando


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TOYO ITO: PABELLÓN EN BRUJAS, BÉLGICA

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El pequeño pabellón diseñado por Toyo Ito, en Brujas, Bélgica, fue comisionado en el 2002 como "símbolo del deseo de Brujas de convertirse en una ciudad contemporánea". En ese año la esta encantadora ciudad medieval belga, cuyo centro histórico es patrimonio mundial por UNESCO, había sido designada capital europea de la cultura y la escultura de Ito buscaba ser un nexo entre el pasado y el futuro.




El pabellón en forma de un tubo de acero y cristal se halla en medio de un parque, en el emplazamiento de una iglesia destruida en la guerra, al lado del Burg, la soberbia plaza del ayuntamiento, en pleno centro de la ciudad.


Stadhuis, el impresionante ayuntamiento de Brujas, al frente del pabellón.


Foto cortesía de Frank Van Hevel

En el momento en que fue diseñado, el pabellón se emplazaba sobre un estanque de agua y un puente que permitía a los visitantes atravesarlo. La textura hexagonal metálica parecía diluirse al reflejarse en el agua, subrayando la el carácter efímero y ligero que Ito busca transmitir en muchas de sus obras.


Hoy, sin embargo, es muy difícil percibir esas sensaciones. Al igual que algunas de sus obras escultóricas en Japón, como el Huevo de los Vientos, el pabellón luce abandonado, sin estanque de agua ni plataforma que permita su recorrido. En su lugar solo hay un pozo enlodado.


Esta circunstancia ha abierto un debate profundo sobre temporalidad y permanencia. Si bien es cierto que la obra fue concebida como temporal con una duración prevista de un año, su enorme costo (750,000 euros) ha extendido su permanencia durante una década, ya que habría sido criticada como demasiado efímera de haber sido desmantelada como estaba previsto. Por otro lado, su prolongada presencia en el paisaje urbano ha abierto un arduo debate sobre la interacción entre arquitectura contemporánea en histórica.


Es más, su carácter abstracto, que contrasta agresivamente con el entorno histórico en el que se emplaza, y el costo de su mantenimiento a lo largo de los años, ha conllevado a que muchos residentes hayan pedido su demolición, la cual según entiendo, ha sido aceptada. El pabellón ha sido apodado como “el lavadero de carros del gobernador”. Otros, sin embargo, subrayan el hecho de que la estructura es ya parte de la memoria colectiva de la ciudad, y por tanto debería preservarse.




Foto cortesía de Brale

Parece ser que, si bien he llegado muy tarde para verlo en su esplendor, al menos he llegado a tiempo antes de que desaparezca.

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- OTRAS OBRAS DE TOYO ITO


CALATRAVA: ESTACIÓN STADELHOFEN, ZURICH

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La ampliación de la histórica estación de Stadelhofen en Zurich, Suiza, es una celebrada obra del arquitecto-ingeniero-escultor español Santiago Calatrava. La estética Neo-Art Noveau (valga la redundancia) con reminiscencias gaudianas que utiliza el arquitecto valenciano tanto en los elementos metálicos como en las estructuras de concreto, dan forma a una propuesta que completa una difícil solución funcional, además de vincular espacialmente diversas áreas urbanas de la zona donde se ubica.





ANTECEDENTES

La estación original de Stadelhofen, construida en estilo neoclásico, data de 1894, vinculando este distrito con la zona central de Zurich. Stadelhofen se ubica sobre una pequeña colina paralela al lago. En 1990 se realizan cambios a la estructura ferroviaria de la ciudad y además se requiere vincular esta zona con la calle Kreuzbühl, que discurre paralelamente pero en un nivel más bajo, y con la pequeña plaza a la que concurren muchas líneas del tranvía.


LA PROPUESTA

El proyecto de ampliación no era una tarea fácil, ya que se trataba de un tramo curvo, con un desnivel pronunciado. Calatrava resultó ganador de un concurso al proponer excavar parte de la colina para acomodar diversas funciones y luego reconstruirla con una estética nueva.



La propuesta está compuesta de 4 zonas:

Galerías subterráneas
La circulación se sostiene mediante unos arcos de formas escultóricas que permiten comunicar las diferentes plataformas, además de dar cobijo a comercios y otras actividades. Las galerías se hallan iluminadas naturalmente gracias a los ladrillos de vidrio colocados en las plataformas de los trenes.





Plataformas
Ambas plataformas se hallan cubiertas por galerías, las cuales presentan tratamientos muy diferentes.
La plataforma más cercana a la colina es maciza, y sostiene una galería de concreto utilizando soportes de acero.



La opuesta, sin embargo, es transparente y de apariencia ligera, hecha de metal y vidrio laminado que de alguna manera evoca las entradas a las galerías de metro de París, hechas en estilo Art Noveau por Hector Grimard. Las columnas de acero se hallan separadas cada 9 m y se suceden unidas a un tubo en tensión.






Galería superior
Este pasaje longitudinal se halla sostenido no solamente por las columnas en la plataforma, sino también suspendido por las estructuras metálicas ancladas al concreto.



Esta galería explota un tema predilecto de Calatrava, la sucesión de elementos metálicos que conforman en conjunto un esqueleto que define un espacio virtual.




De esta galería nacen dos puentes que conectan el nivel superior a la calle Kreuzbühlstrasse, y en cuyas barandas encontré reminiscencias a la Casa Millá de Antonio Gaudí.





Jardín superior
Esta terraza se comporta como una extensión del espacio público, comportándose como un balcón urbano orientado hacia el lago. Los postes y el mobiliario urbano agrupados como elementos escultóricos le dan un carácter lúdico a esta terraza.




Además, las estructuras soportan la vegetación que es una prolongación del jardín hacia la galería superior.



Tanto la forma en arco de las estructuras metálicas como la forma en talud de la pared de concreto y la proyección de los puentes denotan la intención de vincular visualmente el nivel superior e inferior de la estación, proponiendo para ello una transición sutil y dinámica.


DETALLES













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TRANSPORTE - AEROPUERTOS - TERMINALES



NEWGRANGE, BRÚ NA BÓINEE, IRLANDA: UNA TUMBA MEGALÍTICA

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Una de las características más notorias de los monumentos antiguos es su profunda conexión con el paisaje, tanto entorno físico inmediato como su ámbito cósmico. Tanto la orientación, disposición y el alineamiento de monumentos con determinados fenómenos estelares, sugieren el rol de la arquitectura como un nexo simbólico entre el ámbito mundano y la otra vida. Tal es el caso de las tumbas Kofun en Japón, Bat en Omán, Stonehenge en Inglaterra o, más antiguos que todos ellos, los monumentos neolíticos en el valle del Boyne (Brú na Bóinne).

Estos últimos, anteceden a Stonehenge en mil años y están compuestos por 3 yacimientos: Knowth, Dowth y Newgrange. La UNESCO ha reconocido el valor de estos complejos declarándolos Patrimonio de la Humanidad.



Vista del yacimiento de Newgrange, el más importante del valle de Boyne

REVOLUCIÓN NEOLÍTICA VS. NEOLITIZACIÓN

Durante años se mantuvo la teoría de la Revolución Neolítica para explicar un cambio radical entre un estilo de vida recolector en el Paleolítico hacia uno más sedentario. La idea de Neolitización en cambio propone que se trató de un proceso largo y no un cambio brusco, por el cual los antiguos habitantes llegaron a niveles de desarrollo social y tecnológico mucho más avanzados de lo que se creía, llevando a cabo incipientes técnicas agrícolas, construcción de viviendas estructuras sociales complejas y demostrando un conocimiento e interpretación del paisaje que los rodeaba.




EMPLAZAMIENTO
Los tres túmulos Knowth, Dowth y Newgrange, se asientan en la ribera norte del río Boyne, y sus perfiles destacan en el valle relativamente plano, siendo perfectamente distinguibles entre sí a simple vista.

De ellos, Newgrange tiene la posición más privilegiada, ya que se asienta en una pequeña colina que preside un tramo curvo del río, otorgándole magníficas vistas del valle, por lo que presumo que además de tener un carácter visual, esta ubicación preferencial le confería propiedades simbólicas.


Vista de Newgrange desde Dowth, mostrando la conexión visual de estos monumentos.

CARACTERÍSTICAS

La función de esta enorme colina artificial ha sido objeto de debate. ¿Fue una tumba, un templo o ambos? Sin duda, el enorme esfuerzo que supuso su construcción y la estudiada relación entre su pasaje interior y la posición del sol indican un rol religioso, ceremonial y espiritual importante.





Hay tres aspectos que vale la pena destacar en Newgrange: la monumentalidad de la forma y su inserción en el paisaje, el detalle del arte neolítico y, por supuesto, la cámara interior.

En cuanto a su forma, se trata de un túmulo de planta ovalada irregular, ligeramente girado hacia el noreste, con un diámetro máximo de 76 m y una altura de 12 m.



En el lado de la entrada, la fachada se halla decorada con piedras adosadas a la pared. En realidad, esta es una interpretación de los restauradores, quienes encontraron estas piedras en el suelo, rodeando el monumento. Durante un tiempo esta reconstrucción fue objeto de críticas, ya que había quienes sostenían que las piedras habían estado originalmente en el suelo, estableciendo un ámbito sacro alrededor del monumento (un gesto similar al que se encuentra hoy en día en muchos templos japoneses). Sin embargo, estudios recientes demuestran la presencia de una sustancia aglutinante, que no hubiera sido necesaria si las rocas estaban en el suelo, pero sí de haber estado fijadas a la pared.





Sin embargo, a la entrada, un tajo semicircular resaltado por piedras de un color grisáceo, es una intervención contemporánea que remarca el ingreso al túmulo. Para ingresar, los visitantes ascendemos y descendemos unas escaleras que forman un puente sobre las rocas que se ubican a la entrada, por lo que se presume que el ingreso al túmulo habría estado restringido a un grupo especial de celebrantes, los cuales habrían ascendido y descendido por las rocas como parte de un ritual de purificación.



La entrada presenta dos aberturas separadas por un dintel: la inferior, que actúa como puerta y la superior, una ventana importante para las celebraciones solares.



El segundo elemento a destacar es que Newgrange tiene la mayor concentración de arte neolítico del mundo, grabado en las piedras que se encuentran tanto en la entrada, en las piedras alrededor como al interior de la cripta. Muchos de estos grabados difieren de los típicos encontrados en las cuevas prehistóricas y son más bien de carácter abstracto, con figuras geométricas y con el tema de la espiral como motivo más frecuente.




El tercer elemento es la cámara interior, a la que se accede por un pasaje estrecho de 17 m de largo, al cual puede acceder una persona por vez. La cámara está compuesta por una serie de losas que forman una especie de bóveda, mientras que a los costados se ubican 3 tumbas.



Lo más sorprendente es que durante el solsticio de invierno a las 8:58 de la mañana, un haz de luz penetra lentamente a través del largo corredor e ilumina las paredes de la cámara, por lo que se presume que significaba una conexión de los muertos y el sol, y por ende la trascendencia al más allá.


El fenómeno dura unos minutos, y puede ser observado por una semana, siendo el clímax durante el solsticio de invierno, cuando la cámara es iluminada por 17 minutos.

Fotos cortesía de Alan Betson

ETAPAS DE NEWGRANGE

La ocupación del área de Newgrange se llevó a cabo a lo largo de varios siglos, iniciándose en torno a 3,800 a.C. El túmulo en sí se construyó entre 3,300 y 2,900 a.C. en una ubicación prominente del paisaje. Estudios sugieren que el trazado original se inició con las piedras ubicadas al ingreso del sitio y al fondo de la cámara, lo que dio lugar al posterior pasaje.
Alrededor del año 3,000 a.C. aparecen otras estructuras complementarias, como una choza justo frente a la entrada y un pequeño promontorio hecho de cuarzo y granito.


El sitio continuó en actividad por muchos siglos, y entre 2,800 y 2200 a.C. aparecen monumentos complementarios al aire libre, como un área circular definida por postes. ¿Habría sido la versión en negativo del túmulo?


CONSTRUCCIÓN

"Deben haberse usado cerca de 2,000 grandes rocas para construir tdas las tumbas en Brú na Bóinne. La favorita entre las utilizadas fue grauvaca, una roca arenisca grisácea-verduzca.
Rocas mucho más pequeñas fueron usadas para fines decorativos y rituales -granito y limolita verde fueron traídos desde la península Cooley, el cuarzo vino de las montañas Wicklow y la caliza siderita fue extraida localmente.


Sea que la piedra haya sido extraída de canteras o recogida localmente, ésta tuvo que haber sido transportada a través de un paisaje accidentado -las dos tumbas mayores se hallan en la cresta de una colina. Piedras de hasta 2 toneladas pudieron haber sido cargadas por hombres con cabestrillos de cuerda con sobre postes. Las rocas más pesadas debieron haber sido arrastradas en trineos sobre rodillos de madera y jaladas con cuero trenzado o cuerdas de fibra. Puedo haber tomado hasta 4 días para que 80 hombres trajeran una roca de 4 toneladas desde una distancia de 3 km.

Imagen cortesía del museo de sitio de Brú na Bróinee

Cada una de las tumbas en Brú na Bóinne pudo haber tomado 15 años para su construcción, dependiendo del número de gente participante.

La primera tarea consistió en observar el sol durante algunos años para determinar el alineamiento correcto; esto era realizado probablemente con postes de madera. El ancho y longitud del pasaje y la cámara fueron luego demarcadas y fosas para las piedras fueron excavadas usando picotas hechas de cornamentas de animales y palas hechas de omóplatos de ganado. Luego de que las piedras estructurales fueron colocadas en las fosas mediante palancas, las piedras de los dinteles en el pasaje pudieron ser izadas y colocadas. Los techos en voladizo fueron construidos con gran destreza y finalmente cubiertos por una losa. Debió haberse usado madera sólida para el andamiaje y apuntalamiento. En cuanto las piedras fueron acomodadas en su sitio, los artistas las decoraron.

Imagen cortesía del museo de sitio de Brú na Bróinee

Todo el proceso debió haber sido supervisado por líderes sociales o religiosos; la construcción de las tumbas muestra gran habilidad en el trabajo con la piedra así como conocimiento de arquitectura, arte megalítico y astronomía."
Museo de Brú na Bóinne


Imagen cortesía del museo de sitio de Brú na Bróinee

***

- Probablemente reservar una entrada para espectar este evento en el solsticio de invierno debe ser carísimo– pregunté a mi anfitrión.
- No, en realidad puede inscribirse cualquiera y luego se hace un sorteo para un pequeño grupo de afortunados. Me parece un sistema justo.– me respondió.

Lo curioso es que, dado el clima irlandés, es factible que ese día se encuentra nublado o lloviendo. Por lo que me cuentan, eso es tomado como un mal augurio entre la población. Por el contrario, si está soleado, aparecerá en primera plana en los periódicos nacionales.


Foto cortesía de Cyril Byrne

Muchas gracias al Profesor Fintan Hoey por su amable companía y explicación.

PETER ZUMTHOR: MUSEO KOLUMBA, COLONIA

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"La noción de que nuestro trabajo es parte integral de lo que logramos nos lleva a los límites nuestras meditaciones sobre el valor de una obra de arte".
Peter Zumthor

El Museo Kolumba en Colonia, Alemania, es una obra notable del arquitecto suizo Peter Zumthor, ganador de premio Pritzker. En una muestra de maestría y sensibilidad, el arquitecto logra fusionar las ruinas de una iglesia católica destruida con una arquitectura moderna, sobria, minimalista y altamente sensible al tema que acoge: el arte religioso.



ANTECEDENTES
Una iglesia dedicada a Santa Columba, ubicada relativamente cerca a la soberbia catedral de Colonia, solía ser la iglesia más importante de la diócesis. Lamentablemente, la iglesia quedó totalmente devastada durante los bombardeos aliados que redujeron a la ciudad en ruinas durante la Segunda Guerra Mundial, a excepción de una antigua imagen gótica de la Virgen ubicada en un pilar, que sobrevivió intacta.

Iglesia de Santa Columba antes del bombardeo
La iglesia luego del bombardeo aliado. Nótese la esquina curva del Manufactum Warenhaus, también reconocible en otras vistas aéreas.

Esta imagen, denominada “la Madonna de las Ruinas” fue considerada para muchos un símbolo de esperanza durante los dolorosos y difíciles años de reconstrucción efectuada en la post-guerra.

Foto cortesía de Thomas/Archikey

De hecho, una capilla de base octogonal, diseñada por Gottfried Böhm en 1950, fue construida para honrar a la imagen de la Virgen. Un precioso valor histórico fue añadido a la importancia simbólica del lugar, cuando en 1973 se descubrieron ruinas romanas, góticas y medievales bajo la antigua iglesia.


Por esta razón, la asociación Kolumba, que mantiene una gran colección de arte cristiano (que va desde un retrato de la nuera del emperador Tiberio en el siglo I hasta nuestros días) encargó en 1997 un concurso en el que se pusiera en valor la antigua iglesia y al mismo tiempo un espacio que permita mostrar su colección de forma más holgada, en un área de 1,600 m2.


LA PROPUESTA
Peter Zumthor fue ganador del concurso presentando una propuesta ambiciosa y sutil al mismo tiempo: el edificio envuelve totalmente las ruinas de la iglesia y de hecho se fusiona con ellas y utiliza el nivel superior así como un ala lateral para albergar las áreas de exhibición. El edificio se construyó entre el 2003 al 2007.


Primera planta. Segunda planta. Tercera planta

Externamente, el edificio se caracteriza por su masividad, apostando por un juego volumétrico sencillo y severo, de colores cálidos y se integra por ende tanto a su contexto urbano como al sitio histórico donde se emplaza.



Sin embargo, a pesar de su masividad, el edificio se rodea de áreas de jardines que permiten una permeabilidad espacial dentro de la fábrica urbana.


La textura de delgado ladrillo gris, hecho a mano por Petersen Tegl de Dinamarca, atrapa los restos de la antigua capilla logrando una integración entre lo nuevo y lo antiguo.



Parte del éxito en esta fusión radica en la simpleza de la forma, el color y el material con que se enmarcan los estilísticos fragmentos góticos.



Detalle de la puerta. Foto cortesía de d.teil


Detalle de las escaleras posteriores. Foto cortesía de dorena.

Foto cortesía de teraform

Además de esta antigua arquitectura gótica empotrada en la fachada del nuevo edificio, llaman la atención las perforaciones practicadas en la fachada, conformando una especie de celosía hecha sobre la base de la trama de los propios ladrillos. Este efecto aligera la percepción masiva del volumen, tanto en uno de los costados como en la esquina, donde el edificio ha sido jerarquizado con una mayor altura.


Es sin embargo al interior donde el trabajo de Zumthor puede ser valorado en mayor integridad. El arquitecto ha envuelto tanto la capilla octogonal como las ruinas romanas con una doble altura soportada por finas columnas metálicas, de modo que genera un espacio monumental, dramáticamente iluminado por la celosía que filtra la luz indirecta. Este efecto me recuerda al usado por Luis Barragán en su Capilla de las Capuchinas en México.




El visitante realiza un recorrido dentro de la capilla a través un pasaje zigzagueante que se ubica sobre las ruinas. Este es un recurso utilizado en algunos sitios arqueológicos de manera de el visitante pueda experimentar la obra desde cerca, pero reduciendo el impacto sobre el patrimonio histórico (como, por ejemplo, en la Basílica de la Cisterna, en Estambul, Turquía).


Además de la capilla, el edificio incluye 16 salas de exhibición dispuestas en tres niveles, incluyendo uno sobre la iglesia. En ellas se acogen obras de arte religioso antiguo y contemporáneo, incluyendo algunos libros de arte sacro.


El recorrido de estas salas se ve amenizado por grandes ventanales en los que el arquitecto enmarca vistas del soberbio paisaje urbano circundante, reflejado además en el piso blanco pulido de estos ambientes.




El edificio también abre sus vistas a algunos patios, donde un sereno minimalismo zen acoge obras de escultores famosos como Richard Serra y Josef Wolf.





En suma, tanto en la forma, el material y el uso de la luz, el arquitecto logra imbuir al museo de un aire de serenidad y meditación, que si bien es perfectamente propicio para el arte católico que alberga, trasciende los límites de cualquier religión para imbuir al visitante de una atmósfera de espiritualidad alejada del bullicio mundano de la ciudad.


"Los dibujos arquitectónicos tratan de expresar el aura del edificio en su sitio tan fielmente como sea posible. Pero precisamente el esfuerzo de esta representación a menudo sirve para subrayar la ausencia del objeto en sí, y lo que emerge es la deficiencia de culaquier tipo de representación, curiosamente acerca de la realidad que promete, y tal vez -si la promesa tiene el poder de conmovernos- un anhelo por su presencia".
Peter Zumthor
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- MUSEOS DE ARTE

¡Feliz cumpleaños Claudio! Fue un gusto recorrer el Kolumba juntos.

VÍCTOR HORTA: CASA-ESTUDIO EN BRUSELAS

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Victor Horta es el más importante exponente del Art Noveau en Bélgica, el movimiento artístico-arquitectónico que sucedió al Neoclasicismo y que se extendió por Europa a finales del siglo XIX y principios del XX. Entre sus obras, su casa-estudio destaca por la calidad de su concepción espacial y prolijidad de sus detalles. UNESCO, al declarar este edificio como Patrimonio de la Humanidad, subrayó que "la revolución estilística representada por estos trabajos se caracteriza por la difusión de la luz, y del empalme brillante de las líneas de la decoración con la estructura del edificio".

Casa-estudio Horta. Detalle de la fachada

EL ART NOVEAU

Con sus motivos vegetales y reminicencias naturales, el movimiento Art Nouveau floreció -valga la alegoría- en Europa entre 1890 y 1910. Rechazando por un lado el historicismo ecléctico y por el otro el mecanicismo industrial que caracterizaban la arquitectura del viejo continente a finales del siglo XIX, el movimiento Art Noveau asumió las ventajas de la arquitectura de acero pero refinó su decoración, representando elementos de la naturaleza que revestían un carácter ornamental además de funcional. El nombre Art Noveau implica un cambio, y es así como se la conoció en Francia y Bélgica, llamándose Jugendstil en Alemania y Letonia, Secezion en Austria, Modernismo en España y Arts and Crafts en Gran Bretaña. El máximo exponente del Art Noveau en Bélgica fue Víctor Horta, quien desarrolló varios edificios en este estilo en Bruselas, además de otros maestros como Henry van de Velde y Paul Hankar.

Victor Horta en su estudio

EMPLAZAMIENTO

La ubicación de la casa Horta en las afueras de Bruselas, en los lotes 23 y 25 de la Rue Américaine, obedece a la expansión urbana que experimentaba la capital Belga a finales del siglo XIX, producto de la bonanza que le influyera la espantosa colonización de Congo a manos del Rey Leopoldo II.
Los predios se ubican en una manzana triangular, de lotes estrechos y alargados, que definen un perfil compacto y sin retiro hacia la calle pero que hacia el corazón de la manzana enfrentan un área arbolada y con jardines. La fachada hacia la calle Americana está orientada hacia el norte, lo cual le otorgaba en sí un asoleamiento poco favorable.


LA FACHADA

Lo primero que destaca en la fachada es que el arquitecto diferenció claramente la casa del estudio en la elevación. En ambos casos también la propuesta plantea composiciones asimétricas, en rebeldía contra los cánones de la época. No obstante, ambos edificios mantienen un diálogo fluido en términos de líneas generales de composición, forma y proporción de vanos, materiales y colores, con los que además se integra a otros predios de la calle.

Perfil urbano de la calle. Foto cortesía de Marie-Hélène Cingal

Asimismo, ambas fachadas se asientan en un zócalo de piedra azulada que se prolonga hacia la vereda, que es del mismo material.


La fachada del estudio se desarrolla en tres niveles, los dos primeros más macizos y claramente diferenciados del tercero. Haciendo alarde de la fortaleza estructural del acero, hay una discontinuidad entre los vanos del primer y segundo nivel, a diferencia de las casas vecinas en las que el ritmo entre vanos y columnas se repite en todos los pisos. En el último nivel el estudio es básicamente acristalado, enmarcado por unas delgadas columnas metálicas de color ocre.


La fachada de la vivienda está recubierta en piedra, pero en ella destaca el trabajo hecho en metal para los balcones, que sostienen un doble ventanal. Éstos se apoyan en una viga de acero que discurre a lo largo del primer nivel.




Es notable el nivel de detalle y el diálogo entre los elementos de piedra y metal que componen ambas fachadas, muchas veces ocultando funciones específicas y mundanas detrás de elaboradas formas estilísticas.



EL INTERIOR

El interior de la casa estudio ha sido testigo de diversas modificaciones y refleja los avatares de la vida del arquitecto, incluyendo su divorcio así como distintas necesidades profesionales. En 1919 Horta separó ambos solares y los vendió a diferentes personas.

La casa y el estudio se distribuyen en 5 niveles: un sótano, la planta baja, el piano nóbile (o segundo nivel respecto a la calle), y la primera y segunda planta (o tercer y cuarto nivel respecto a la calle. Hago esta salvedad debido a la diferencia que existe en la numeración de los niveles en diferentes países). Estos niveles se van extendiendo con sus respectivas mezaninnes (o medios niveles) en torno a la escalera central.


Secciones del estudio y la vivienda. Planos cortesía de Horta Museum.

En general la casa es mucho más luminosa y con colores más cálidos que otras contemporáneas, dado que Horta innovó en el uso de iluminación eléctrica en reemplazo del gas (que era muy sucio y por tanto provocaba que los colores usados en las paredes fueran oscuros).


PLANTA BAJA (Izquierda): Casa1. Recibidor - Guardarropa, 2. Escalera principal, 3. Bodega- Cocina, 4. Escalera de servicio.Estudio:1. Nuevo guardarropa, 2. Librería.
PIANO NOBILE (Derecha): Casa1. Sala de música. 2. Escalera principal. 3. Comedor. 4. Salón. 5. Escalera de servicio. Estudio: 1. Victor Horta's salón de espera. 2. Oficina de Victor
Planos cortesía de Horta Museum.

TERCER NIVEL (Izquierda): Casa: 1. Salón, 2. Escalera principal, 3. Dormitorio, 4. Tocador. 5. Vestidor, 6. Baño. 7. Escalera de servicio. Estudio: 1. Biblioteca, 2. Oficina para personal del museo.
SECOND FLOOR (Derecha): Casa 1. Guest-room. 2. Escalera principal. 3. Cuarto de Simone Horta. 4. Terraza de invierno. 5.Terraza. 6. Escalera de servicio. Estudio: 1. Ático. Oficina para personal del museo. .
Planos cortesía de Horta Museum.

La vivienda acoge al visitante en un cómodo recibidor ubicado en la planta baja (a diferencia de las viviendas de la época, que colocaban la cocina cerca de la entrada por lo que el recibi era un espacio pequeño y estrecho). A continuación, tras ascender por unos escalones de mármol blanco, se accede a la escalera, el elemento central del espacio interior, la cual, además de servir a los diferentes pisos dispuestos en desnivel, brinda copiosa iluminación al interior de la vivienda, algo especialmente útil tratándose de un lote alargado y con mala orientación en la fachada.



La escalera es coronada por un espectacular lucernario vidriado, en forma de semi-bóveda. El generoso pozo de la escalera de diseño ligero y transparente, que se va ensanchando desde abajo hacia arriba , permite la comunicación visual entre todos los niveles de la casa, y a la vez provee un espacio acogedor para sus habitantes.



Horta puso un gran esfuerzo en decorar este ambiente, diseñando con cuidado cada elemento estructural y mobiliario, evitando al mismo tiempo caer en el barroquismo. Por ejemplo, las luminarias que cuelgan de las estructura y otros ornamentos parecen extenderse al infinito gracias a sendos espejos ubicados a los costados.




La escalera en sí tiene un minucioso estudio funcional, que pasa desapercibido ante su extraordinario desarrollo formal. Lo cierto es que el paso y contrapaso de cada peldaño es diferente y su proporción va cambiando a medida que se va ascendiendo por ella.



El piano nobile comprende el salón de música y el comedor, con la escalera como elemento distribuidor y comunicador espacial entre ambos lados del edificio. En la escalera, el arquitecto utiliza arcos metálicos que descansan en una columna de mármol y que evocan la arquitectura gótica.


El comedor se halla recubierto por un ladrillo esmaltado blanco, un material sencillo que es trabajado con exquisitez y alternado con cristales, mármoles, metales dorados y finas maderas.


El espacio es generosamente iluminado mediante una mampara que da hacia el jardín, reforzando la idea de contacto con la naturaleza que el Art Noveau se esforzaba en predicar.

Comedor. Foto cortesía de Sigfus Sigmundson

El mismo contacto con la naturaleza se encuentra en el dormitorio de Simone, la hija del arquitecto, localizado en el último nivel . Para ella, Horta hizo una expansión de la casa creando un confortable jardín de invierno. Durante la visita, efectuada en marzo, pude constatar la calidad de este ambiente, que recogía el sol vespertino y esparcía su calor hacia la habitación contigua.


DETALLES







Foto cortesía de Sitomon


VER TAMBIÉN
ART NOVEAU (MODERNISMO)


Junto a la arquitecta Natalia Barreda. Fue un gusto reencontrarte en Bruselas, querida amiga.

SANAA: MUSEO DEL SIGLO 21, KANAZAWA

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El Museo del Siglo 21 es una de las obras más importantes diseñadas por SANAA (Sejima and Nishikawa Architects and Associates). Haciendo uso de una geometría simple y un lenguaje minimalista, el proyecto explora la permeabilidad del espacio público a través de distintos niveles de transparencia, un tema que la pareja ganadora del Pritzker ha venido explotando en anteriores trabajos a través de distintos enfoques.

Fachada.  Fuente Wikipedia

EMPLAZAMIENTO

El Museo del siglo 21 (1999-2004) se ubica en la ciudad de Kanazawa, en la prefectura de Ishikawa, emplazado al lado del Kenrokuen, uno de los jardines más bellos y famosos del Japón.



El edificio, inscrito en un círculo de 112.5 metros, se emplaza sobre un parque de forma irregular.
Algunas de las obras de arte han sido instaladas en el parque, que se comporta urbanamente como una extensión del museo.





CONCEPTO

El programa del museo incluye espacios de reunión, salón de lectura, biblioteca, talleres para niños, restaurante, servicios y áreas de exhibición. Se trata, pues, de un conjunto que debía ser a la vez público y privado, que debía tener áreas de acceso libre para beneficio de la población y otras de acceso pagado que permitieran el mantenimiento de este equipamiento.



El reto de Kazuyo Sejima y Ryue Nishikawa era crear un equilibrio entre ambos dominios, difuminando los límites entre público y privado, y para ello propusieron una trama de funciones mixtas que se fusionan en una circulación fluida y que se organizan en torno a cuatro patios centrales.

Primera planta

Sótano


La interacción es tal que por momentos las propias áreas de circulación se comportan como zonas de exhibición.



Formalmente, se trata de una serie de cajas de distinta área, altura y nivel de opacidad, que alcanzan entre 4 y 12 metros y que se insertan dentro de una piel circular de vidrio, integrándose al entorno exterior.


Únicamente un cilindro opaco y excéntrico figura como anomalía en esta trama rectangular, aunque hace referencia a la envolvente cilíndrica del museo.



En contraste, el cilindro externo es un borde tenue y transparente que se relaciona francamente con el exterior.




Se trata de un diseño aparentemente sencillo, pero altamente provocador, que desafía la noción tradicional de recorrido en un museo para brindar al visitante libertad entera sobre su situacionalidad, su apropiación del espacio, la definición de su propio recorrido y la interacción con el edificio, el arte y el entorno.





En ese contexto, algunas de las obras exhibidas colaboran especialmente a esa conexión fenomenológica entre el espectador, el objeto mostrado y la naturaleza, estableciendo no solamente una relación de espectación sino en cierto modo de interacción individual y grupal.

Foto cortesía de gravestmor


Un ejemplo es Blue Planet Sky, la escultura a cielo abierto de James Turrell, que repite el trabajo que en su momento comentamos en el Museo de Arte Chichu en Naoshima, diseñado por Tadao Ando. Enmarcando al cielo, el espectador es testigo del espectáculo siempre cambiante del cielo y el ambiente.


Foto cortesía de aimeesoc

Otro caso es Vertical Green, una obra realizada por Patrick Blanc, un jardín vertical con más de 100 variedades de plantas que se comporta como límite de uno de los patios interiores y que es atravesado perpendicularmente por una circulación acristalada.


(Disculpen la calidad de las fotos, tomadas clandestinamente)

Tal vez el más llamativo de todos el es trabajo de Leandro Erlich, denominado Swimming Pool. Es poco usual encontrar una piscina en medio de un museo, pero al aproximarse, uno se lleva la sorpresa de ver gente bajo el agua. Por su parte, al ingresar a las áreas de exhibición en el sótano, es posible adentrase en la piscina y ver a la gente desde el otro lado del "agua".



El efecto es muy interesante y todo un éxito desde el punto de vista de la participación del público. El truco está en dos planchas de acrílico separadas por un espacio de 30 cm, relleno de agua. Una película de de 10 cm de agua también ha sido colocada sobre el acrílico para hacer el efecto más realista.


El museo cuenta con un área para exhibiciones especiales en el sótano, al que se accede con un elevador acristalado , una caja transparente que a manera de pistón es elevada por un émbolo cilíndrico, que a la vez de evocar las formas primarias usadas en el diseño, alude los principios de levedad, permeabilidad y simpleza que son legibles en todo el edificio.





De noche, el museo se muestra sin pudicia mediante una iluminación que subraya su rol como referente urbano, así como su simbólica apropiación visual por los habitantes de Kanazawa.



El siguiente video muestra un recorrido virtual a través del Museo del Siglo 21.


VER TAMBIÉN
 - OTRAS OBRAS DE SANAA
- MUSEOS DE ARTE

TINGO, PATIO PUNO Y LA DESTRUCCIÓN DEL PATRIMONIO EN AREQUIPA

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Renderizado del proyecto de remodelación de Tingo

Resulta desafortunado, aunque lamentablemente común, que edificios ambientes de valor histórico sucumban a la especulación de intereses particulares. Es más grave aún cuando esa destrucción es encabezada por las autoridades de una ciudad, siendo ellos los llamados a preservar y defender este patrimonio, simplemente por ignorancia, desinterés o para satisfacer un apetito de figuración.

Tal es el caso del Sr. Alfredo Zegarra, alcalde de Arequipa (una ciudad cuyo centro histórico ha sido considerado Patrimonio Mundial por UNESCO), y que viene perpetrando una serie de obras en desmedro del ambiente monumental de la ciudad, concretamente en la zona del antiguo balneario de Tingo y en las inmediaciones del Parque Melgar, en el llamado Patio Puno.

El alcalde arguye que estas obras se realizan en lotes vacíos o con construcciones viejas y que por tanto no está haciendo daño a la ciudad (con ese criterio, se habrían demolido los tambos y construido modernos conjuntos habitacionales, por ejemplo). Lo que el alcalde no parece darse cuenta es que estas obras, por su forma estridente y escala megalómana, deforman notoriamente el conjunto, el ambiente monumental en que se encuentran.

Esta es la vista desde el interior del Patio Puno, llamado así porque de allí partía el ferrocarril a esta ciudad altiplánica. Efectivamente era un lote vacío y abandonado, esperando una remodelación integral.


Esta es sin embargo la vista desde el ambiente monumental. La cúpula metálica desmerece el volumen vecino, el Museo de Arte Contemporáneo de Arequipa, y que es una casona representativa de la arquitectura de fines del siglo XIX en Arequipa. Foto cortesía Arq. Mauricio Huaco.

Siguiendo ese ejemplo, otras entidades particulares amenazan con demoler los inmuebles históricos que se emplazan esta zona, con lo que este rico patrimonio corre el riesgo de desaparecer, como ocurrió con el magnífico bulevar Siglo XX durante la aciaga gestión de Luis Cáceres.

Una edificación de estilo similar, ubicada en el extremo opuesto, parece destinada a correr el mismo destino. Foto cortesía Arq. María Helena Herrera.

No se trata de que una ciudad histórica se quede anquilosada en el pasado ni que las autoridades de una ciudad no deban apostar por la modernidad. Tampoco se trata de oponerse a que se construyan equipamientos necesarios para la ciudad ni que se renueven áreas avejentadas, pero todas estas acciones deben mantener un responsable equilbrio y respeto por el acervo urbano, arquitectónico y cultural, sobre todo en una ciudad de notable patrimonio histórico. En este blog hemos reseñado muchos casos en el mundo donde es posible establecer un diálogo mutuo y respetuoso entre arquitectura antigua e intervenciones contemporáneas.

El ente que está a cargo de la regulación y calificación de este delicado balance en Arequipa es la Superintendencia Municipal del Centro Histórico, compuesta por algunos de los más renombrados arquitectos e intelectuales de la ciudad y que además de haber sido los responsables de elaborar el expediente para UNESCO, a través de su Gerencia del Centro Histórico y Zona Monumental han realizado obras de puesta en valor que han merecido el aplauso nacional e internacional. Es paradójico, sin embargo, que teniendo a su disposición el concurso de estos profesionales dentro de la propia municipalidad, los alcaldes de turno ignoren y hasta actúen en contra de la Superintendencia, y de otras instituciones como universidades y el Colegio de Arquitectos.

Pero, ¿Cuáles son las características que hacen estos ambientes dignos de preservación?

Tanto Tingo como la zona del llamado Patio Puno corresponden a un tipo de arquitectura republicana muy particular en Arequipa. Luego de siglos de haber mantenido un patrón compacto y sin retiro hacia la calle en su damero central, el urbanismo arequipeño recibe la influencia del higienismo, a través de migrantes ingleses que se asentaron en estas tierras.



El Museo de Arte Contemporáneo de Arequipa, es un ejemplo de mestizaje de arquitectura local con influencias inglesas

Tipos urbanos como el bulevar y los parques arbolados son incorporados a la trama de la ciudad. Las casas que durante la colonia no tenían retiro y se organizaban en torno a un patio, ahora aparecen compactas, pero rodeadas de jardines. Nuevos iconos decorativos son incorporados tanto en la decoración arquitectónica así como en el desarrollo de rejas y forjado.

PERFIL HISTÓRICO DE TINGO


Tingo se ubica a 4 km al sur del centro de Arequipa, junto al río Chili. Tingo en quechua significa "unión de dos ríos" y esta pequeña localidad agrícola recibió ese nombre debido a la conjunción del río con una torrentera o arroyo estacional.


Puente original de Tingo en 1928. Foto cortesía Hermanos Vargas.

Nocturno de Arequipa, mostando la pérgola en la Alameda de Tingo. Foto cortesía Hermanos Vargas.


Debido a la alta freaticidad del área, conteniendo varias correntes de agua superficial, Tingo se hizo famoso por sus manantiales y por su benigno clima, al ubicarse a una altitud 200 m menor que la de la ciudad. Durante la colonia, estas dos características hicieron de Tingo un famoso lugar de recreación y al final del siglo XVIII la familia Goyeneche construyó una magnífica mansión en Sachaca, frente a Tingo.
Sin embargo, la transformación de esta área de un asentamiento rural a un balneario fue la construcción del ferrocarril Arequipa-Mollendo en 1871. Al final del siglo XIX la aristocracia arequipeña eligió este lugar para pasar el verano y construir sus casas de campo, así como numerosas piscinas que apovechaban los afloramientos de agua.



En 1913 una línea de tranvía facilitó el transporte de pasajeros entre Tingo y la plaza de armas.


Pueden distinguirse tres zonas en el pueblo de Tingo:

1) El área antigua: ya que Tingo apareció al lado de una vía rural. Había aquí una iglesia colonial, derribada durante los terremotos de 1958 y 1960. Frente a la iglesia se erigía la estación de tren y el cuartel de Artillería construído en estilo Art Decó en 1940.

2) El bulevar 2 de mayo: Una vía arbolada de 250 m de longitud apareció como el eje estructurador urbano del pueblo, y en torno al cual se erigieron las casas del balneario. La tipología de estas casas era diferente a la ciudad, eran casas de madera, similares a las que habían en Mollendo. El bulevar contenía una pérgola donde se reunía la población y se conectaba a la estación del tren mediante otra vía arbolada. En el otro extremo, llegaba a la zona del mercado y las piscinas.


3) El área de balneario: desarrollada entorno al llamado "lago", que comenzó como una poza rural junto al río y evolucionó como un estanque recreacional, con botes y áreas de esparcimiento.


El "lago" de Tingo. Foto cortesía de jofman

En torno a él se ubicaron las piscinas, uno de los más importantes equipamientos deportivos en Arequipa para la natación, así como áreas de comida, esparcimiento e incluso salones de baile como el llamado "Reina del Pacífico".

Las piscinas de Tingo, construidas en estilo Art Decó, hoy derribadas.

Este es el lugar donde por décadas las familias arequipeñas venían a degustar los tradicionales "buñuelos" arequipeños (diferentes a los picarones en Lima) y otros potajes de la gastronomía local.



UN MODELO PREPOTENTE Y PELIGROSO DE INTERVENCIÓN

Estado actual de Tingo

Propuesta de remodelación de Tingo, en ejecución, pero a la fecha detenida por el Ministerio de Cultura.
Las autoridades han planteado la demolición de las obras y su rediseño.

  • La puesta en valor de este balneario debería haber tenido en cuenta la concepción de el espacio Tingo-Sachaca-Río Chili como paisaje ribereño integral, considerando la creación de un Parque Metropolitano Recreativo, aprovechando que Tingo es una de las pocas zonas en el Chili donde la topografía, los usos y la accesibilidad permite la vinculación transversal y sustentable de ambas márgenes del río.
  • Debería haber propuesto la renovación y restauración de sus piscinas, acondicionándolas a requerimientos modernos o planteando nuevas piscinas complementarias, en lugar de demolerlas sin misericordia y sin autorización. Gracias a sus afloramientos de agua, Tingo era el lugar ideal para fomentar la natación.
  • Debería haber preservado la escencia del ambiente monumental urbano, en términos de escala y proporción.
  • Debería haber propiciado la preservación de actividades tradicionales, como la gastronomía, en lugar de reemplazarla por food courts de comida internacional.
  • Debería haber tenido en cuenta la vegetación existente, en lugar de derribar más de 60 árboles antiguos, siendo la autoridad municipal la primera que debería promover la educación ambiental.
  • Un proyecto tan importante debería haber sido sometido a concurso, presentado a la población, debatido y perfeccionado y aprobado por las instancias correspondientes. De haber hecho lo correcto, Arequipa le habría agradecido al alcalde su intervención.
  • Por el contrario, y tercamente, contraviniendo las voces de muchas instituciones a nivel local y nacional, el alcalde ha destruido para siempre un patrimonio que no le pertenecía, un patrimonio que no solo son "edificios viejos", sino costumbres, tradiciones, estampas... en fin, nuestro querido paisaje cultural.


Fuentes:

  • CARPIO M., JUAN. Comunicación personal, Arequipa, 2005.
  • GUTIÉRREZ, RAMÓN. "Evolución Histórica de Arequipa". Lima, 1992.
  • HUACO, MAURICIO. "No gracias Sr. Alcalde". Revista El Buho. Arequipa, 2012.
  • OVIEDO L. JOSÉ A., ZEBALLOS V. CARLOS. "Propuesta de Recuperación del Balneario de Tingo. Potenciación de su Equipamiento Recreativo Deportivo Metropolitano". Tesis de grado. UNSA, Arequipa, Perú, 1996.
  • PARDO, A. "Arequipa, su pasado, presente y futuro". Lima, 1963
  • PROCHILI. "Plan de Gestión Ambiental de la Cuenca Metropolitana del Río Chili, Arequipa". 2002
  • TALLER DE INVESTIGACIÓN PROYECTUAL. "La ¿Reconstrucción? del Balneario de Tingo". Revista Mas 02. Arequipa 2012.
  • UNSA-PEGUP. "Atlas Ambiental de Arequipa". 2001.
  • ZEBALLOS B. CARLOS. "Arequipa en Todo su Valor". CNTSA, Arequipa, 1981.
  • ZEBALLOS V. CARLOS. "Evaluation of the Characteristics or Urban Landscape Development in Arequipa." Tesis doctoral, Universidad de Kioto, Japón, 2006.
  • ZEBALLOS C., DEMURA Y., KAWASAKI M., HIGUCHI T. "New Street Typologies Around The Chili River In Arequipa." Journal of Architecture and Planning (618), 73-79. Japón, Agosto, 2007
  • ZEBALLOS C., DEMURA Y., KAWASAKI M., HIGUCHI T. "The Process of Urban Catalysis in Arequipa From 1868 to 1920." Journal for Architecture of Infrastructure and Environment (2), 13-22. Japón, Junio 2007.
  • ZEBALLOS V., CARLOS. "Modelo de Gestión para la recuperación ambiental de Franjas Ribereñas en Zonas Urbano Monumentales. El caso del Valle del Río Chili en Arequipa, Perú". Tesis de Maestría. UNSA, Arequipa, Perú. 2001.
  • ZEVALLOS V. OMAR "Alto a la Barbarie". El Buho, Arequipa, 2010

RENZO PIANO: SHARD Y LA REGENERACIÓN URBANA EN LONDRES

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La regeneración urbana, va más allá del simple desarrollo inmobiliario, aunque si bien es cierto, éste puede ser un importante agente catalizador de aquélla. Tal como lo apunta David Littlefield, la regeneración urbana implica un esfuerzo por revitalizar las alternativas sociales y económicas de una localidad. En tal sentido, el proceso de regeneración del área llamada London Bridge, es una de las más importantes en la capital británica y es uno de los iconos más representativos de esta ciudad de cara a los juegos olímpicos del 2012.


Dicho proceso es presidido por la Torre Shard (diseñada en el 2000, construida 2009-2012), una monumental obra del architecto italiano Renzo Piano, que se alza como la torre más alta de Europa con 1000 pies o 306 m . Una obra tan poderosa como icónica, acarrea necesariamente entusiastas y detractores, tanto por la calidad en el diseño arquitectónico como edificio, como por el impacto que ha tenido en el perfil urbano londinense.

Shard, y a la izquierda, el Ayuntamiento diseñado por Norman Foster

EMPLAZAMIENTO

Ubicado a algunos metros del Támesis y muy cerca del Puente de la Torre, el Shard (cuya traducción podría ser "esquirla") se localiza en un terreno irregular junto a la estación de London Bridge, uno de los nodos más importantes de la ciudad, que incluye una estación de tren, dos líneas de metro e intercambio de buses.

Antes de la Torre Shard, en 2002

El rascacielos reemplaza las Torres Southwark, un edificio de TP Bennett Architects (1975).


CONCEPTO

El Shard es la versión de Piano de "una ciudad en el cielo", un concepto acariciado por los humanos desde tiempos inmemoriales (una osadía "castigada" en el Babel bíblico) y que ha tenido interpretaciones como el Umeda Sky Building de Hiroshi Hara en Osaka.


La propuesta de Piano asemeja obelisco irregular de caras facetadas que se inclinan hacia adentro. Estas caras, sin embargo, no llegan a juntarse en el ápice, por lo que de lejos el edificio parecerá disolverse en el cielo.


Se dice que la forma se inspiró en las torres de las iglesias que pueblan Londres.



Para algunos, la torre Shard también simboliza el poder londinense de alzarse por encima de la actual crisis económica mundial, algo paradójico si se considera que el 80% de los capitales en el gigantesco programa de renovación urbana son de origen y propiedad catarí.


PROGRAMA

El edificio ha sido concebido como un pueblo vertical, albergando 8000 ocupantes en un área de 54,488 m2. El programa incluye usos mixtos (al igual que, por el ejemplo, el Burj Khalifa en Dubái), como oficinas, tiendas, un hotel 5 estrellas, departamentos de lujo y una galería panorámica en lo alto de su piso 72.


"La altura es extrema pero la huella ecológica es relativamente pequeña. El edificio consume 1 de la energía que consumiría un pueblo de 8000 habitantes. " comenta Piano, enfatizando su preocupación ambiental y subrayando un argumento a favor de la densificación de las ciudades y concentración de los edificios.

El edificio "respirará" al ser ventilado naturalmente mediante los llamanos "jardines de invierno", un recurso que Piano ha utulizado anteriormente en el edificio Aurora Place, en Australia.


Tan importante como el edificio es la concepción del espacio público y de los servicios de transporte. La propuesta incluye una ampliación de la estación de buses, las estaciones de tren y metro y conexión con estaciones de taxis acuáticos en la ribera del Támesis. Además, se incluyen área públicas para recreación, instalaciones de arte, cafés y áreas de socialización.



CONTROVERSIA

En un área neurálgica como la de London Bridge, dentro de una capital cosmopolita como Londres, era imprescindible una intervención urbana que inyecte vida, intercambio social, valor económico y que a la vez busque densificar y usar el preciado espacio de manera eficiente.

La construcción de este coloso, plantea sin embargo, críticas y controversia, principalmente lideradas por la organización English Heritage, quienes aseguran que este volumen desfigura el perfil urbano histórico de Londres, particularmente la emblemática estatura de la Catedral de San Pablo (a pesar de que la altura del edificio fue reducida de 400 m, como era originalmente, a 300 m).

Este es un proceso que ya había comenzado hace unos años, con la inauguración del llamado "Gherkin", obra de Foster and Partners, "cuya enorme, chillona edificación eclipsaba a una humilde, casi dulce Torre de Londres, Patrimonio de la Humanidad", en términos de UNESCO.

La Torre Shard vista desde la Torre de Londres.

Catherine Bennett, en su artículo "¿Es que nadie va a poner un alto al vandalismo del perfil de Londres?", publicado en The Observer, critica la deformación del perfil urbano:

"¿Es que alguien, con la posible excepción de los banqueros, quiere un 'símbolo de cómo Londres está saliendo poderosamente de la recesión global'?... Pero si nosotros, como londinenses, habríamos dicho 'oh, sí por favor', ¿habríamos escogido eregir esta importación de la escuela de Dubai de simbolismo económico en un lugar donde diera vuelta a los principios de planeamiento que han protegido al perfil urbano del Londres central de los especuladores por medio siglo?"


Renzo Piano responde a las críticas:
"Siempre me ha encantado San Pablo, es un icono para mí pues es un gran edificio. Es fantástico. Pero cuando San Pablo se construyó era moderno, tal como el Shard es moderno ahora. No era un clásico en ese momento, se convirtió en un clásico".


Sir Richard Rogers, consultor de la Autoridad del Gran Londres y además amigo de Piano y co-autor del también controversial (y hoy aplaudido) Centro Pompidou en París mencionó:

"El edificio es una obra maestra de arquitectura y diseño... el contraste entre la cúpula de San Pablo y el vidrio transparente de la estela del Shard refuerza la silueta de la catedral".


Es innegable que, aun sin finalizar su construcción, el impacto visual del edificio en el entorno es enorme, particularmente gracias a la abierta visual que ofrece el Támesis.

Foto cortesía de vulture labs

Y aunque no se puede negar la calidad del diseño del maestro italiano, tal vez el problema más grave sea que abre un precedente para muchas nuevas intervenciones, que busquen emular o superar la altura del Shard, pero no necesariamente su calidad.






Edificios en altura en Londres: en construcción (rojo) aprobados (naranja) planificados (rosa)


VER TAMBIÉN

RASCACIELOS, TORRES, EDIFICIOS EN ALTURA

LE CORBUSIER: CAPILLA DE NOTRE-DAME-DU-HAUT, RONCHAMP (I)

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La capilla de Notre Dame du Haut, ubicada en el pequeño pueblo de Ronchamp, cerca a la frontera de Francia con Suiza, es la obra más conocida del maestro Le Corbusier, y una de las obras maestras más emblemáticas de la arquitectura moderna.

Foto cortesía de stublog

Frank O. Gehry dice que el problema con la capilla de Ronchamp es que es imposible contener las lágrimas al visitarlo. No puedo decir que haya llegado a tal extremo, pero sin duda que el peregrinaje a esta pequeña capillita fue para mí una experiencia sobrecogedora, tanto por la poderosa presencia del edificio en el lugar, la composición de los volúmenes y el sublime tratamiento de la luz que Le Corbusier amalgamó con maestría, como también por el recuerdo de numerosas conversaciones acerca de la capilla sostenidas con maestros, compañeros, colegas y alumnos a través de los años.


Luego de permanecer varias horas en el lugar y teniendo mucho material que compartir con Ud, es imposible para mí resumir esta experiencia en un solo post, por lo que la discusión sobre esta obra dividirá en tres entradas: la primera, dedicada a los antecedentes históricos, el emplazamiento en el lugar y el paisaje y las características "urbanas" de los elementos que constituyen el conjunto en Ronchamp. La segunda, estará dedicada a las características arquitectónicas, formales y espaciales de la capilla en sí, así como algunos detalles notables de la misma. Estas dos entradas estarán acompañadas del análisis de Geoffrey Baker y su imperdible libro "Le Corbusier. Análisis de la Forma".
Finalmente, en una tercera entrada me referiré al proyecto de ampliación llevado a cabo por el maestro italiano Renzo Piano, de cercana inauguración.



EMPLAZAMIENTO



Ronchamp es una pequeña villa asentada en un suave valle, unida por tren a Belfort, cerca a las fronteras francesas con Suiza y Alemania. Su ocupación data de milenios atrás, de hecho el nombre "Ronchamp" deviene de "Campo Romano".


Ver ubicación en Google Maps

Ocupado luego por celtas y de una pequeña población durante el medioevo, el pueblo prosperó gracias una mina de carbón que operó desde mediados del siglo XVIII (restos de esta industria pueden observarse en el camino que lleva hacia la capilla).


Frente al pueblo se ubica un colina boscosa. Desde allí se tiene un dominio importante del paisaje circundante, flanqueado por las montañas Jura y desde donde pueden divisarse poblaciones cercanas como Mouriere al norte y La Selle al noreste, además del cementerio y la villa Ronchamp hacia el sudeste.



"La idea nace en el cerebro, indefinida deambula y crece. Con esmero dibujé los cuatro puntos cardinales en la colina. Tan solo hay cuatro: al este, Ballons d'Alsace, al sur, dejan la cañada los últimos riscos; al oeste, la llanura del Saône y al norte, un valle pequeño y un pueblo... Día 4 de junio de 1950".
Le Corbusier


"La colina se corona con un llano, al que se accede por una vía que asciende desde el sudeste; una agrupación de árboles cierra parcialmente por el oeste y delimita el llano por el margen oriental.


En dirección sudeste se extiende, pendiente abajo, el espacio abierto hasta llegar al linde oriental que coincide con el arbolado. Dentro de este contexto, en mitad de un terreno boscoso y ondulado, el pequeño llano se encuentra sensiblemente más hacia el margen occidental del terreno, con vistas a todo su alrededor, pero sobre todo hacia el sur".
Geoffrey Baker

EMPLAZAMIENTO. A. "La ruta de acceso procede del sudeste flanqueando el espacio abierto; la topografía del terreno determina una pendiente hacia el sudeste.
B. El emplazamiento se distingue por su manifiesta oblicuidad."

ZONIFICACIÓN. C. "Se tiene, pues, un estado de confrontación circulación-edificio en el contexto de oblicuidad del emplazamiento".
D. "De dicha oblicuidad se vale Le Corbusier para separar la zona de entrada de la zona de reunión".
Textos y gráficos: G. Baker.

ANTECEDENTES HISTÓRICOS

Las propiedades visuales de la colina le han conferido un rol simbólico desde hace siglos. Luego de la ocupación romana, en la cima se asentó un santuario celta para adoración al sol.

Vista de la capilla en la cima de la colina y del cementerio en su ladera. Este monte ha tenido un significado simbólico desde tiempos remotos.
Posteriormente en el siglo XV se erigió una capilla dedicada a la virgen, Nuestra Señora de las Alturas, Notre Dame du Haut. A mediados del siglo XIX se añadió una torre, anticipando una serie de remodelaciones a esta capilla, que se convirtió en un importante centro de peregrinación regional.

Izquierda: capilla antes de mediados del siglo XIX. Derecha: ampliación en 1857.

En 1913 se produce un incendio que sólo dejó en pie las paredes. La capilla fue reconstruida en 1923 y completamente remodelada en 1930 en estilo neogótico. Durante la segunda guerra mundial fue bombardeada y completamente destruida.

Remodelación de 1930, antes del bombardeo en la Segunda Guerra Mundial

Para su reconstrucción, los religiosos optaron por una arquitectura completamente contemporánea y que busque transmitir un sentido abstracto de sacralidad. Fue así que decidieron darle el encargo a Le Corbusier en 1950 (no sin oposición, ya que el arquitecto suizo era agnóstico). El propio Le Corbusier estuvo reticente a aceptar el cargo, pero se convenció luego de visitar el lugar.

EL COMPLEJO

El conjunto está compuesto de varios elementos, presidido por la capilla, la explanada, la residencia de los monjes, una pirámide conmemorativa y el campanario.

La capilla está ubicada excéntricamente en la cima de la colina y orientada en dirección este-oeste, casi perpendicularmente al camino de aproximación.




Hacia el oeste se ubicó un el campanario, una composición muy simple, conformada por una estructura metálica sosteniendo 3 campanas.

La capilla vista desde el campanario.

Hacia el este se define una gran explanada , que enfrenta una capilla al aire libre y que permite realizar celebraciones ante un gran número de peregrinos.


Originalmente Le Corbusier había planteado una pendiente artificial en arco a manera de contener el espacio, pero esta nunca llegó a ejecutarse.

En el extremo norte se ubica una pirámide escalonada, construida con los remanentes de la iglesia original, y que sirve como un monumento para la paz.


Hacia el extremo sur, y en una parte más baja aprovechando la topografía, se ubica un volumen rectangular de concreto visto, que contrasta tanto en forma como en color con la capilla. Este volumen, perpendicular y más cercano a la senda de acceso, contiene la residencia de los monjes y fue diseñado por Le Corbusier en 1953 y culminado en 1959. El edificio, austero y sobrio, contiene una sala capitular, aulas, biblioteca, refectorio, cocinas y celdas para los monjes.


CARACTERÍSTICAS ARQUITECTÓNICAS DE LA CAPILLA

Trataremos este tema en el próximo post
. Hasta entonces.

Foto cortesía de tochungyip

VER TAMBIÉN
OTRAS OBRAS DE LE CORBUSIER

LE CORBUSIER: CAPILLA DE NOTRE DAME DU HAUT, RONCHAMP (II)

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La primera parte del artículo sobre la afamada obra del maestro Le Corbusier, la capilla de Notre-Du-Haut, fue básicamente dedicada a enmarcar su contexto, tanto en la importancia de su emplazamiento en el paisaje de Ronchamp como los antecedentes históricos que llevaron a Le Corbusier a aceptar el encargo.
La presente entrada está dedicada a las características arquitectónicas del edificio en sí, así como algunas notas sobre su proceso constructivo.

CARACTERÍSTICAS ARQUITECTÓNICAS DE LA CAPILLA

Puede resultar paradójico que la obra más conocida de Le Corbusier se aleje de su tradicional discurso racionalista (de la misma forma como la obra más conocida de Frank L. Wright, la Casa de la Cascada, parece alejarse de sus principios organicistas). Sin embargo, la obra refleja algunos principios de la arquitectura moderna, como su austeridad, su apertura a la comunidad y su concepción como un elemento que contrasta en el paisaje, si bien se origina en él.



La capilla debe su forma a la configuración del terreno y su relación con el paisaje. Cada una de sus fachadas responde a diferentes actitudes: bienvenida, celebración, servicio, simbolismo. El techo dramatiza el carácter escultórico y el poder y maleabilidad del concreto para componer volúmenes orgánicos. Todos estos elementos confluyen para generar un espacio interior místico y dramático, en el cual la luz es protagonista.


Plantas y cortes esquemáticos. Modelo en 3D cortesía de Villa

LAS FACHADAS

El genio de Le Corbusier radica en lograr que el visitante tenga siempre una percepción distinta del edificio desde cualquier ángulo que lo vea, y al mismo tiempo mantener armonía, dinamismo y coherencia entre ellas. Esta particularidad fuerza a que el visitante tenga que circundar toda la obra para comprenderla, añadiendo una cuarta dimensión a la composición arquitectónica: el recorrido.


La Fachada sur


El muro cóncavo recibe al visitante que asciende por el sendero. Su sección triangular de ancha base parece ser una continuación de la colina, que asciende hasta sostener el techo.
El muro sur es bastante ancho en la proximidad del acceso (3.7 m), pero se adelgaza y gana altura en el otro extremo (1.7 m).



El muro evidencia su espesor al ser perforado por un patrón de ventanas rectangulares de distinto tamaño y orientación, cuyo aparente desorden será utilizado para crear un efecto lumínico al interior, como veremos más adelante.


El ingreso se halla flanqueado por un elemento vertical y cilíndrico, una de las tres capillas menores con las que cuenta la capilla. También se jerarquiza el acceso adoptando el color del concreto y separándolo de la pared blanca y curva.



La puerta en sí cuenta con un arte realizado por el propio Le Corbusier, a la usanza de otras de sus obras, como la Asamblea de Chandigarh, por ejemplo. Sin embargo, desde hace años esta puerta está clausurada, y el ingreso a la capilla se da por la puerta posterior.


Otros elementos en el acceso son dos bloques pequeños de concreto visto que configuran un marco virtual a la puerta.


Fachada este

Enfrentando una gran explanada para los fieles, esta fachada también cóncava acoge una pequeña capilla exterior.


Es aquí donde se puede apreciar la potencia del volumen del techo, que sobresale sobre la capilla.
Además del techo, la capilla es enmarcada por el muro sur y por un volumen semicircular, que juntos conforma una especie de "cueva" que subraya el carácter receptivo que se quiso dar en esta zona, o de "proscenio" que enfatiza su vocación de punto focal en el paisaje.


La pared es perforada por unas diminutas fenestraciones cuadradas y en el medio se inserta una urna con una imagen de la Virgen.


Complementan la composición elementos de concreto visto, como la mesa y el púlpito, y una sencilla cruz de metal.



Fachada norte

La fachada norte agrupa las funciones de servicio: una entrada secundaria y unas escaleras. Ese carácter más privado se caracteriza por su forma convexa. Frente a ella hay un espacio que es delimitado por unos árboles, donde originalmente se ubicaba una torre campanario que no se construyó.



Los elementos más llamativos de la fachada son las dos capillas que flanquean el ingreso secundario: ambas dispuestas simétricamente en torno al eje de la puerta. Sin embargo, no es un impacto abrupto, ya que por su forma invitan al acceso al interior.


Fachada oeste

Es la única fachada ciega, cuyo trazo convexo vincula la fachada principal con la posterior, y donde el arquitecto muestra la naturaleza de las capillas, unas torres semicilíndricas a las que se ha practicado una abertura lateral. La verticalidad de las mismas es un contrapunto al carácter horizontal de la edificación.
En el centro de la pared se ubica una gárgola, que recoge el agua de lluvia y la deriva a una fuente escultórica de concreto visto que se encuentra frente a ella.



EL TECHO

"Encima del tablero de dibujo tengo el caparazón de un cangrejo que recogí en Long Island, cerca de Nueva York. Será la cubierta de la capilla: dos membranas de hormigón de 5 cm. de espesor y separaciones de 2.26 m. El Caparazón descansará sobre paredes de piedra recuperada".



Un detalle que no me había percatado hasta la visita fue el hecho de que el techo está separado de las paredes por una fina ranura. Este hecho, que es más evidente desde el interior, y evidencia el interés del arquitecto por sugerir liviandad en la cobertura, a pesar de su masividad. El techo se apoya en unas columnas ocultas en los muros, que no son portantes.



"El cascarón ha sido colocado sobre las paredes que son absurdamente pero prácticamente gruesas. Dentro de ellas hay columnas de concreto reforzado. La caparazón descansará en estas columnas pero no tocará la pared. Una ranura horizontal de 10 cm de ancho asombrará"
Le Corbusier.


Foto cortesía de Pieter Morlion

INTERIOR

El protagonista del interior es, sin lugar a dudas, la luz. Pero, a diferencia de lo que me había imaginado, el interior no es plenamente iluminado, como lo es, por ejemplo, la Iglesia del Jubileo de Richard Meier. Por el contrario, es más bien una iglesia oscura, como lo son algunas iglesias góticas, lo que resalta más el dramatismo de la luz, hábilmente resuleta en distintas formas para enfatizar la naturaleza sacra del espacio.


El efecto más impresionante proviene del muro sur, aquél que goza de mayor incidencia solar en donde la luz penetra por las pequeñas aberturas de vidrios de colores. La forma de las ventanas en el muro grueso, cuyos cortes se ensanchan oblicuamente como un bisel, permiten que la luz se difumine suavemente al interior.



En contraste, el muro este, donde está el altar, tiene una pequeñas perforaciones que desde el interior semejan estrellas. En el borde de las paredes destaca la separación con el techo, demarcado por una línea de luz.


Otra fuente de luz indirecta son las capillas. La luz ingresa lateralmente y se difunde a través de la superficie rugosa de las paredes curvas. El tipo de luz aunado a la verticalidad del espacio transmiten un carácter de alteza, elevación y sublimidad, un recurso que ha sido utilizado desde entonces por muchos arquitectos, como Kenzo Tange en su Catedral de Tokio, por ejemplo.


Foto cortesía de ilgattodiviadeimacci

La exquisitez en la concepción lumínica interior es enfatizada por la sencillez y austeridad del mobiliario interior. El piso es de concreto visto y se halla inclinado ligeramente hacia el altar. Las bancas se disponen en ángulo en dirección opuesta al altar, intuyo que para reforzarlo como punto focal en el espacio.



CONSTRUCCIÓN

"La construcción del muro se realizó sobre la base de columnas angulares "El arriostramiento lateral se observa en la sección de los elementos interiores que representan el trazo continuo y los los exteriores, discontinuo".



"En los bocetos preliminares de Le Corbusier se aprecia cómo la cubierta se ideó como armaduras de sustentación dispuestas en dirección norte/sur y apoyadas en muros correspondientes a estas orientaciones, que se levantaban de piedra. La rigidez innecesaria corría a cargo de la forma de las capillas y de la irregularidad del muro septentrional. El muro sur es de hormigón armado." G. Baker.





DETALLES



"La capilla es un enunciado de contrastes, contrastes formales en alusión a un cúmulo de remisiones respecto a circunstancias vitales. Las figuras son vigorosas y serenas: los muros encierran fragmentos de espacio interior, pero también permiten en otros puntos que se extienda; coexisten la estabilidad y la tensión, la inquietud y el reposo: la iluminación es directa e indirecta, misteriosa y resplandeciente, en ocasiones variable, en otras no.


Foto cortesía de ricardo avella

Las formas son elementos continuos que se interrumpen en incisiones precisas; en respuesta al programa de necesidades externas e internas, la capilla es extrovertida e introvertida. Nada explicita la complejidad de una exposición que se contempla en la misma variedad de iluminación y figuras que inducen los contornos de los huecos repartidos en el muro sur. Este "penetrable" muro, en el interior, se convierte en un sinfín de luminosas figuras centellantes, contrapuestas a la presión del mismo, aparentemente suspendido en el aire por efecto de su separación y elevación respecto al mismo. La pared interior inclinada se opone también a su cara exterior con aspecto de castillo y apariencia maciza.
La capilla caracteriza en muchos sentidos la madurez de la obra de Le Corbusier... El significado... no es la transcripción explícita y literal de la edad de la máquina, es una declaración de interpretaciones alegóricas de la naturaleza que, por reducción, interpreta, a su vez la propia existencia."
Geoffrey Baker.

VER TAMBIÉN

OTRAS OBRAS DE LE CORBUSIER



-“Al margen de la pura teoría ¿qué se siente dentro y fuera de ese espacio?” me preguntó un buen amigo.
-“En una palabra: POESÍA”

RENZO PIANO: AMPLIACIÓN EN RONCHAMP

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ENGLISH

Una de las tareas más difíciles para un arquitecto es la de proyectar junto a una obra maestra. Tal es el caso de Renzo Piano, quien ha estado más de una vez en el ojo de la tormenta por la relación de sus controversiales propuestas (como el Centro Pompidou en París o el Shard en Londres), pero que también ha sabido adaptarse con maestría a obras preexistentes (como el museo High en Atlanta). En esta ocasión, ha asumido el reto de diseñar un monasterio para las Hermanas Clarisas Pobres y un centro de visitantes en la colina Bourlemont en Ronchamp, próximo a la Capilla de Notre Dame du Haut, obra maestra de Le Corbusier.




Como era de esperarse, la intervención en este emblemático lugar motivó la protesta de la Fundación Le Corbusier y de muchos arquitectos e intelectuales, como Richard Meier, Rafael Moneo y César Pelli. (quienes, imagino, no hubieran tenido reparos si ellos hubieran sido los elegidos para proyectar en este lugar). Por su parte, Tadao Ando, y Maximiliano Fuksas entre otros firmaron una carta apoyando al proyecto.



La alternativa de Piano, sin embargo, ha sido humilde al utilizar un lenguaje sobrio y severo, y al tratar de enterrar la propuesta en la colina, de manera que no sea percibida desde la capilla y no altere al peregrino la percepción y la experiencia durante la visita.



Vistas del complejo tomadas camino a la capilla

INTEGRACIÓN AL PAISAJE

El punto de partida de Piano ha sido la integración de su propuesta a la colina Bourlemont, donde se halla ubicada la capilla. Es un gesto respetuoso hacia Le Corbusier, quien más bien quería destacar su obra en el paisaje.




La arquitectura sincera su contemporaneidad pero se inserta siguiendo las características del paisaje. La transparencia que caracteriza la fachada de vidrio permite una comunicación visual fluida entre el edificio y el entorno,





Bosquejos de Renzo Piano sobre el sitio

Es necesario destacar el énfasis dado al paisajismo, proyectado por Michel Corajoud, relativo a la forestación, preservación de la vegetación y ajardinamiento de las áreas de expansión.


PROCESO CONSTRUCTIVO

Dado que las celdas ubican bajo tierra, se procedió a la excavación de la colina para luego vaciar la estructura de concreto que, asu vez contenga el empuje del terreno (el proceso me recuerda al utilizado por I.M. Pei en su Museo Miho, en Shiga, Japón).





EL CENTRO DE VISITANTES
Tras ascender por el sendero que repta por la colina frente a Ronchamp, el visitante será recibido en una explanada con oficinas, jardines y parqueo. Perpendicular a éste se ubica el sendero que lleva a la capilla, pero antes aparece ante sus ojos una estructura de concreto visto, y con una larga fachada de vidrio y carpintería de zinc, empotrada en la ladera de la colina: el centro de visitantes.




Este edificio viene a reemplazar una antigua boletería (que obviamente no fue diseñada por Le Corbusier) construida en los años 60s, pero que para muchos desmerecía la configuración del lugar a la vez que era poco funcional.


Contiene una boletería, una tienda, un área de reuniones, áreas administrativas y de investigación y y una pequeña zona de exhibición, de la cual he sacado algunas de las fotos que ilustran estos tres posts sobre la capilla de Ronchamp. Hay también una chimenea vaciada en concreto, un detalle inusual en una tienda, pero que personalmente agradecí en aquella fría mañana de la visita.




MONASTERIO

Ubicado a unos 100 metros al oeste de la capilla de Le Corbusier, se plantea un monasterio para las hermanas Clarisas Pobres. Las habitaciones son de 2.7 x 2.7 m y se hallan concatenadas linealmente en grupos ubicados hacia el este de la colina Bourlemont, disfrutando una vista del valle pero sin perturbar, como dije, la visual desde la capilla.





El programa comprende doce “celdas” o unidades de vivienda mínima para las monjas, cada una con un jardín de invierno, además de áreas comunales, oratorio y alojamiento para visitantes.


El monasterio cuenta con su propia capilla.

El monasterio cuenta con su propia capilla.

La orientación hacia el oeste y la fachada acristalada permiten una generosa iluminación e integración con la vegetación circundante.



El vocabulario, simple y minimalista empleado en esta ocasión por Piano, refleja la función austera y espiritual de las hermanas. La ligereza de su propuesta no le quita protagonismo a la robustez escultórica de la capilla corbusiana.



El acabado y sencillo mobiliario en madera contribuye a dar calidez y serenidad a estos ambientes, ocupados por monjas en su mayoría de avanzada edad.


Fotos cortesía de Michel Denancé

***

En mi opinión, el reclamo de algunos sobre la intervención en Ronchamp se debe a que se tiende a ver a la capilla como un monumento moderno más que como un edificio religioso. La obra de Piano logra el difícil reto de crear arquitectura contemporánea sin desvirtuar el paisaje ni el carácter de la obra maestra de Le Corbusier, y al mismo tiempo cumple un requerimiento de función: la capilla no es un monumento solitario en la cima de una colina sino fundamentalmente un lugar de culto, y por tanto el monasterio anexo soporta y complementa estas funciones.

VER TAMBIÉN

OTRAS OBRAS DE RENZO PIANO

Renzo Piano en el lugar de la obra

PROYECTO VÍA PARQUE RÍMAC. LIMA, PERÚ

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PRIMER PROYECTO DE CONCESIÓN DE VÍAS EXPRESAS URBANAS DE LIMA: PROYECTO VÍA PARQUE RÍMAC.
Invitado: Arq. José A. Oviedo L.*

Se encuentra en marcha desde fines del año 2011 la construcción del proyecto de Iniciativa de Inversión Privada (IP) VÍA PARQUE RÍMAC (antes denominado IP LÍNEA AMARILLA en su Declaración de Interés), y siendo un evento trascendental para el futuro de la ciudad de Lima merece ser compartido, no solo por su contenido y bondades técnicas que resumiremos, sino por el hecho de ser la primera experiencia de concesión de vías expresas urbanas a la inversión privada como fórmula de desarrollo y sostenibilidad del alto tránsito urbano, que trasciende los tiempos de gestión edil, lo cual aunado al contexto económico peruano e internacional ha dado un marco de confianza para que se propongan nuevas iniciativas semejantes, para incrementar bajo concesión mayor infraestructura vial a Lima, que tiene grandes necesidades y limitado presupuesto.

El Parque de la Muralla será integrado a un conjunto integrado de espacios públicos frente al río Rímac

CONTEXTO
El proyecto consiste en un sistema vial expreso total de 23km que comprende 14km de vías existentes y 9km de vías nuevas que forman parte del plan vial del Sistema Vial Metropolitano (Ord. Nº 341-MML) y se localiza en el corazón de la Ciudad de Lima Metropolitana, capital de la Provincia de Lima y de la República del Perú en la que se estima una población urbana de casi 9’000,000 habitantes.La Vía de Evitamiento sumada a Vía Parque Rí- mac es estratégica, por ser parte del eje vial expreso más importante de la ciudad, pues es el único recorrido continuo de casi 100km que articula la ciudad de norte a sur (junto a ambas autopistas Panamericana, Norte de 32km y Sur de 54km), por lo tanto es utilizado como eje troncal de transporte privado, público y de carga de casi todos los sectores de la ciudad y del país, razón por la cual tiene un alto aforo vial y por ende concierne e impactará favorablemente a la ciudad y al país. Además, la Vía de Evitamiento es el tramo de autopista que, complementado por el nuevo tramo hacia el oeste, también tendrá un rol estratégico al enlazar el este y el oeste de la ciudad, lo cual explica la concentración de tránsito en ese tramo, y justifica la necesidad de intervenir dicho tramo con un proyecto de gran envergadura y la ampliación de su capacidad al doble frente al Centro Histórico gracias al túnel debajo del río Rímac.




DESCRIPCION DEL ALCANCE DEL PROYECTO
La Vía de Evitamiento es una autopista de 14km entre los intercambios viales de las intersecciones con las avenidas Javier Prado al sur y Habich al norte, que comunica las autopistas nacionales e interregionales Panamericana Norte (32km) y Panamericana Sur (54km), conformando el “eje Panamericana”, que paralelo al Océano Pacífico atraviesa de norte a sur Sudamérica, el Perú, y la ciudad de Lima con casi 100km de autopista urbana entre los distritos de Ancón y Pucusana; pero Vía de Evitamiento también atraviesa el Centro Histórico de Lima (en adelante CHL) con casi 4km de recorrido, con la alta demanda de un aforo diario allí de hasta 117,000 vehículos diarios y simultánea congestión (velocidad promedio de hasta 4kmh en hora punta), debido a su deficiente y limitada capacidad física.



La parte estratégica de esta concesión son las obras de un tramo nuevo de autopista de 9km hacia el HUB Callao, que consisten en que el mayoritario tránsito de paso de Vía de Evitamiento, será captado en ambos sentidos (norte y sur) por una serie de viaductos e intercambios de derivación hacia un túnel de casi 2km que pasará debajo del lecho del río Rímac acatando el compromiso de preservación histórica del entorno arquitectónicourbano monumental y paisajístico del CHL que está declarado como patrimonio cultural de la humanidad por la UNESCO desde el año 1991 (lo que impide ensanches viales superficiales), dejando la antigua avenida Evitamiento superficial como una vía de menor intensidad (accesos y salidas) dando alivio al ambiente del CHL.La nueva vía expresa se inicia con un intercambio vial a desnivel en viaductos sobre Puente Huáscar en la frontera sur del CHL, recorre 1km por la margen derecha del río al costado de lo que será el parque Cantagallo de 25há, y luego de pasar debajo del Puente Huánuco empieza a deprimirse para ingresar al túnel de 2km debajo del lecho del río, y luego de cruzar debajo de los dos puentes históricos Balta y De Piedra o Trujillo, la ruta vuelve a ascender debajo del Puente Santa Rosa para ingresar al conjunto de viaductos de derivación del norte sobre Puente del Ejército-Trébol de Caquetá para retornar el tránsito de paso con rumbo a Panamericana Norte o virar hacia el oeste rumbo al puerto y aeropuerto del Callao, utilizando una ruta de casi 5km del derecho de vía ensanchado de la Avenida Morales Duárez existente, completando una ruta estratégica que estuvo planificada pero inconclusa desde el plan vial del año 1948 (Esquema Básico Regulador de Lima, que desde entonces tenía concebido un gran intercambio de derivación “A” al oeste), la cual fue postergada por la invasión de su recorrido por viviendas precarias colindantes a la margen izquierda del río Rímac (que es una zona en ladera de alto riesgo físico).



El proyecto mediante un Plan Integral de Reasentamiento involuntario (PACRI) reubicará a la población afectada en ese recorrido a nuevas viviendas multifamiliares a ser ejecutadas a cargo de la concesionaria en la misma zona a nuevas viviendas o los propietarios de predios mayores pueden decidir optar por ser expropiados y debidamente indemnizados, resolviendo un problema social y ambiental que no pudo enfrentar la inversión pública.Inicialmente el proyecto Línea Amarilla implicaba (Sección 2), la construcción de la infraestructura de vías y estaciones necesarias para la ejecución a cargo de la ciudad de un corredor segregado de Alta Capacidad (COSAC) para transporte público masivo, a lo largo de los 14km de la Vía de Evitamiento existente. Pero la nueva gestión edil 2011, decide sustituir esa obligación complementando esta obra vial, con el desarrollo de la recuperación del paisaje natural de ambas márgenes de la cuenca del río y áreas colindantes a lo largo de su recorrido, en un espacio urbano que se conoce como el igualmente postergado proyecto del Parque Metropolitano del Río Hablador, cuyo mayor parque denominado Cantagallo ubicado frente al CHL desocuparía y rehabilitaría aproximadamente 25há de áreas verdes y de equipamiento en una de las zonas más densas, áridas y contaminadas de Lima; además se optimizará el trazo de la nueva vía hacia el oeste reduciendo la cantidad de afectados e incrementando el presupuesto de reasentamiento para las viviendas informales, lo que significará una ampliación del plazo de concesión.


La ruta de Evitamiento albergaría uno de los Corredores Complementarios de transporte racionalizado de acuerdo a las nuevas políticas de transporte público.Las obras del túnel que no requieren de concluir las expropiaciones ya se iniciaron con las obras de canalización y desvío de las aguas delrío, lo que tomará hasta 2 años de obras.




SÍNTESIS ECONÓMICA FINANCIERA DE LA IP VÍAS NUEVAS DE LIMALa IP Vía Parque Rímac, consiste en un Monto Referencial de Inversión de USD 461MM, que comprenden los Estudios Definitivos de Ingeniería, Ejecución de Obras e Interferencias con redes de servicios, Plan de Reasentamiento Involuntario y las Expropiaciones, además de la Supervisión especializada de sus Estudios y Ejecución.Además de la Inversión referencial, los ingresos cubren los costos de operación y mantenimiento, para conservar las vías existentes y las nuevas en óptimas condiciones físicas y funcionales de transitabilidad y seguridad de acuerdo a las normas viales nacionales (del MTC) e internacionales (Highway Capacity Manual), atendiendo las obras menores de mejoramiento constante, y la eventual ampliación para conservar el Nivel de Servicio “E”.



Infografías cortesía Diario La República

El proyecto se financiará operando la plaza de peaje Principal de Monterrico, y sus plazas secundarias de fuga o ingreso con fórmulas de actualización gradual de tarifas por inflación. Una vez concluido el túnel y sus derivaciones se instalará un peaje adicional en sus accesos.La ingeniería financiera consiste en que el proponente poniendo los ingresos de peaje y sus proyecciones en Valor Actual Neto, acude a la Banca Privada para obtener un “cierre financiero”, donde el proponente deberá invertir el 25% de recursos propios y financie a largo plazo el 75% del monto de inversión.Es oportuno considerar que el presupuesto de la ciudad de Lima que asciende aprox. a USD 460MM (uno de los más bajos para ciudades capitales de su magnitud), del cual para el rubro de infraestructura de transporte solo ha podido invertir USD 60,4MM el 2011, y presupuesta USD 88,4MM para el año 2012 (incluyendo el servicio de la deuda de proyectos previos y por construirse (incluyendo el transporte público masivo). Bajo ese escenario era imposible que la MML pudiera sostener las obras de atención al crecimiento del tráfico de Vía de Evitamiento, y menos podría acceder a un crédito de largo plazo para una ejecución de menos de 5 años como formula la IP.


Obras del túnel bajo el río Rímac

En síntesis, el proyecto Vía Parque Rímac, ha sido considerado en foros especializados, como uno de los proyectos de infraestructura vial más importantes de Latinoamérica, y constituye un ejemplo de que la Asociación Pública Privada puede ser un importante instrumento de desarrollo urbano.


Vídeo Proyecto Vía Parque Rímac

*Mg. MDI Arq. JOSÉ OVIEDO LIRA.Jefe de Evaluación Técnica - Coordinador de Proyectos. Gerencia de Promoción de la Inversión Privada (GPIP) de la Municipalidad Metropolitana de Lima (MML)Administrador del blog urbvial

VER TAMBIÉN
- Áreas ribereñas (Waterfront Development)
Junto al destacado urbanista Arq. José Oviedo en el centro de Lima

CONVERSANDO CON MARCELLO BEROLATTI (1) ARQUITECTURA VERNACULAR

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La arquitectura arequipeña, tanto colonial como republicana, además de ser un patrimonio latinoamericano reconocido por UNESCO, también se constituye en un referente para arquitectos locales que han venido proyectando en esta ciudad durante las últimas décadas. En ese contexto, Marcello Berolatti es uno de los arquitectos arequipeños actuales cuyo ejercicio profesional ha mantenido solvencia a través del tiempo, y ha practicado a la vez una continua búsqueda por plasmar en sus propuestas los valores del lugar donde proyecta.


A lo largo de su trayectoria la producción de Berolatti ha experimentado un cambio estilístico, pero en su esencia ha mantenido una especial sensibilidad por el entorno, la historia, el usuario y la sinceridad de los materiales y elementos constructivos utilizados.

Durante mi última visita a Arequipa, Berolatti (quien además de arquitecto y constructor es docente en el Programa de Arquitectura de la Universidad Católica Santa María) tuvo la gentileza de hacerme un recorrido por varias de sus obras y, además de contarme detalles sobre éstas, conversamos sobre muchos temas de la teoría y el ejercicio arquitectónicos. El presente resumen antológico de su obra se complementará con fragmentos de esa conversación y será presentado en tres partes: la primera dedicada a la arquitectura vernacular y las dos siguientes enfocadas a su producción más contemporánea.


Aulas de educación inicial, Colegio San José,Arequipa. Fueron concebidas como un "campamento" en torno a una placita.
Marcello, ¿Cómo concibes la arquitectura, en relación a la materialidad de los elementos constructivos que la componen?
Creo que efectivamente la arquitectura pasa de ser un proyecto a ser un espacio habitable cuando colocas un ladrillo sobre otro, son los materiales los que conforman la realización física de la arquitectura. Por otro lado está la historia personal y la cultura nuestra: mi padre tenía una fábrica de materiales de construcción en Puno, producía cal, yeso, ladrillos, tubos de concreto, tejas, losetas, etc., entonces mi relación con los materiales viene desde la cuna; venimos de una cultura milenaria que ha manejado muy bien los materiales, el manejo de la piedra, desde Tiahuanaco hasta la época Inca, es insuperable, ni que decir del uso del adobe, la quincha y los tapiales, en Caral han encontrado vestigios de muros de quincha, de hace cinco mil años. Una cultura que se ha expresado arquitectónicamente por medio de sus materiales, la diferencia entre la casa “noble” y la casa “popular” no se daba por la cantidad de ornamentación que pudiese tener la primera, la diferencia la notas en la sofisticación del trabajo de la piedra.
RESTAURANTE LA CHOCITA (1989)


Este restaurante se ubica en una locación privilegiada en el valle de Chilina, apostado sobre el río Chili. El concepto era hacer un proyecto que se integrara a la topografía propuesta por los andenes o terrazas que existen en esta zona desde épocas pre-incas, sin interferir agresivamente con el paisaje.


A fin de minimizar ese impacto formal y como homenaje a las tecnologías constructivas locales se planteó utilizar elementos como la madera y la paja, cobinados con otros más contemporáneos como el vidrio y el concreto.


La cobertura, sin embargo utiliza una geometría estilizada en forma de estrella, que confiere al interior una elaborada espacialidad.



Lo insólito es que muy pocos edificadores profesionales conocían el proceso constructivo con materiales tradicionales, por lo que el propio Berolatti tuvo que invertir un buen tiempo en la investigación para el mejor uso de éstos y a la vez garantizar la seguridad antisísmica y el confort al interior del local.

Fotos de "La Chocita" cortesía de Berolatti Arquitectos
Tú has sido pionero en la construcción de arquitectura contemporánea con materiales tradicionales en lugares como el Colca o Puno. ¿Cómo se conjuga la tecnología vernácula con el espacio contemporáneo? ¿Cómo se logra el equilibrio entre pertinencia y pertenencia?
Si, en nuestro taller trabajamos mucho con materiales tradicionales, no por un cliché sino porquecreemos que son en muchos casos los que más se adaptan al medio. El adobe se adapta mucho a climas fríos como el de los andes nuestros, algunas veces proponemos techos de paja porque climáticamente son una maravilla, muy frescos en el día y muy cálidos en la noche. Creo que la tecnología tradicional (me gusta más que vernácula, porque se ha enriquecido con otras culturas de las que también formamos parte), puede adaptarse muy bien a muchos requerimientos contemporáneos. Hemos hecho hoteles en adobe, piedra y paja, en el valle Sagrado hicimos hoteles con adobe, piedra y tejas; en Chilina construimos unas cabañas en Quincha; y en Piura propusimos la cobertura de una capilla con Bambú (Guadua), porque era un material que se puede encontrar en la zona, por lo tanto la gente se va a apropiar con mayor facilidad de algo que le es familiar.

En el taller tratamos de enfocarnos y buscar nuestra pertinencia en el bienestar de nuestros usuarios, lo local no viene por una búsqueda figurativa que trate de repetir formas de nuestra historia, más bien lo que hacemos es aprender respetuosamente, y sí, hay muchas cosas en que la modernidad no ha superado aún a lo tradicional (especialmente en el aspecto ambiental) y si ese es el caso, nos quedamos con lo tradicional. Esto no quiere decir que nuestros espacios no tengan una expresión contemporánea, no podrían no tenerla, porque los usos a los que están dirigidos son contemporáneos. Al mismo tiempo no es que no utilicemos las nuevas tecnologías, esto tiene que ver con cada caso en particular y aquí te comento por ejemplo la intervención que se hiso en la ex cervecería, la que ahora es el “Instituto del Sur”, era una intervención en un edificio industrial, nosotros leímos (aunque no está calificado así por el Min. de Cultura) que más que solamente un edificio industrial era un patrimonio industrial y para poder intervenirlo usamos tecnologías muy nuevas en nuestro medio, como son las losas colaborantes (veremos este proyecto en el próximo post).


Comunidad rural en Ayaviri

¿Qué retos implicó para ti la construcción del hotel Colca Lodge, proyecto de Álvaro Pastor, utilizando tecnología del lugar y a la vez creando espacios que ofrecieran confort a los huéspedes?
Primero se tuvo que adaptar todo el proyecto a la normatividad Nacional (Norma E.080) de construcciones con adobe y en esos años Alvaro Pastor vivía en Paris, lo que me impidió tener un dialogo con él para poder adaptar su proyecto con la mayor rigurosidad al proyecto original. Estamos hablando de la primera etapa, más o menos el año 1989. Esto nos implicó tener que descubrir en los planos y maqueta, el fondo del proyecto, de cómo se adaptaba al terreno, a la topografía, de cómo tomaba algunas proporciones locales en cuanto a medidas internas, de cómo su proyecto estaba pensado en una armonía con el paisaje del lugar. Fue una experiencia gratificante porque de allí aprendí mucho. En etapas posteriores ya estaba Alvaro en nuestro medio y la coordinación fue mucho más fluida.
Ya el año de 1986 había trabajado con adobe en Puno, en la construcción de postas médicas en el ámbito rural, apenas a un año de haber terminado mis estudios de Arquitectura. La tecnología no me era extraña además que como te comenté, viví mi infancia y adolescencia en la ciudad de Puno y en ese entonces como ahora está técnica constructiva es muy difundida. Lo que sí fue nuevo para mí, es la construcción de coberturas de paja, la técnica del colca es muy diferente a la utilizada en Puno, donde se usa una cama de totora (Junco lacustre) y en el Colca se usa una cama de cigarrones de paja de trigo, después ambas son protegidas con una gruesa capa de paja de puna, que es muy resistente a los drásticos efectos del clima serrano.


Hotel Colca Lodge, cerca a Chivay, Perú, proyecto de Álvaro Pastor y construido por Berolatti Arquitectos, es un importante ejemplo de utilización de tecnología tradicional para la creación de espacios contemporáneos.
HOTEL LA MAISON D'ELISE (1995)


El concepto de este hotel es el distribuir las habitaciones a manera de un pequeño poblado, a través de una secuencia de plazas y espacios abiertos. Tanto la organización espacial como la re-semantización de algunos iconos de la arquitectura arequipeña colonial -como bóvedas y contrafuertes- evocan la composición del Monasterio de Santa Catalina, el monumento colonial más importante de la ciudad. La experiencia fenomenológica que conlleva el recorrido de este acogedor hotel fue también una respuesta a la coyuntura de que el propietario fue adquiriendo este terreno irregular por partes.

Más allá de una emulación historicista , el uso de la bóveda implica una unión entre el techo y las paredes a la vez que confiere una marcada direccionalidad a los ambientes.


A lo largo de tu obra has buscado referentes en la arquitectura tradicional arequipeña ¿Cuáles son las características que más valoras en esta arquitectura?Permíteme hablar en plural cuando me refiera a la reflexión y producción en nuestro taller, es que si bien siempre es necesario un liderazgo, el trabajo es en equipo y sería ingrato e irreal de mi parte atribuirme los aciertos que podamos haber tenido, más bien como líder del equipo, me declaro único responsable de las deficiencias y desaciertos del Taller.
Ahora con respecto a tu pregunta: En nuestro taller intentamos ser muy respetuosos de la cultura del lugar, creemos que la arquitectura siempre ha sido una respuesta natural a una cultura y que una cultura siempre es el resultado de su gente y de su adaptación al medio que escogió para vivir, Al geólogo Rualdo Menegat (de quien hablas en tu blog) le escuché una frase que se me quedó grabada en la memoria, decía que una cultura no es más que la adecuada lectura del paisaje donde se asienta. Por esto donde sea que nos toque ir, tratamos de conocer a la gente, conocer su historia, su manera de construir, así no solo respetamos al lugar sino que aprendemos, ellos ya resolvieron muchos temas que nos encargan resolver, como los condicionamientos climáticos, el manejo de los materiales de la zona, la relación con el relieve y el suelo y la relación de las personas con su arquitectura, el cómo intiman con su medio construido.
Por otro lado, yo nací en Arequipa en una casona arequipeña de la calle “La Merced”, si bien de niño viví en Puno, me formé arquitecto en Arequipa y vivo en Arequipa, la arquitectura arequipeña forma parte de mi formación de cuna.




A través de los años algunos elementos estilísticos en tu diseño han ido cambiando ¿Qué es lo que ha cambiado en tu práctica profesional? ¿Qué es lo que has mantenido?
No sé, hay cosas que antes se hacía y que ahora se extraña, antes la arquitectura local era más artesanal, uno experimentaba más con los materiales, con sus características térmicas, con sus posibilidades estructurales y sobre todo con el objetivo de hacer arquitectura de calidad pero con costos muy bajos; por otro lado debo reconocer que la propuesta arquitectónica de nuestro taller todavía no era propia, había todavía mucha influencia de otras arquitecturas, lo puedes ver en el pequeño patio receptor del “Sol de Mayo”, donde colocamos un muro que fue expresamente un humilde homenaje a Barragán, lo dibujamos como un muro perforado con un arco y una vez dibujado nos dimos cuenta que ese muro era más de Barragán que nuestro, por eso decidimos trasformar el arco en una perforación ortogonal. Había también un poco de inseguridad por eso caía algunas veces en la redundancia de lo evidente, de subrayar lo evidente.



Hoy en día, el proceso constructivo es más automático, más rápido, nuestro país se mueve más rápido, algunas veces comento (con cierta tristeza) con mis estudiantes que la arquitectura ahora ya no se construye, se ensambla.

Pero nuestra reflexión sigue afianzada en el respeto a la cultura, en la sinceridad de los materiales, que pueden ser tremendamente potentes a la hora de expresar la arquitectura. Intentamos ser menos redundantes, tratamos de ser muy sutiles en la composición de nuestra arquitectura, nos dejamos llevar por el lugar, el barrio, el paisaje, creemos que la arquitectura no debe ser grandilocuente ni objetual, más bien creemos que es mejor acomodar nuestra arquitectura a un contexto determinado para intentar mejorarlo a irrumpir prepotentemente.

RESTAURANTE SOL DE MAYO (1996-97)



La renovación del restaurante Sol de Mayo, recoge el estilo aplicado en la Maison D'Elise, hotel que además pertenece a los mismos dueños. Sin bien existen algunos elementos recurrentes como el uso de muros macizos y bóvedas, éstos evidencian una mayor estilización, dando lugar a algunos artificios más contemporáneos.


Por ejemplo, la separación de la bóveda del muro, ya que esta descansa sobre pilares cilíndricos, permite el uso de luz vertical rasante, que evidencia el dramatismo de las imperfecciones en la textura de la pared. Estas imperfecciones, estudiadas y hechas adrede, por cierto, coadyuvan a establecer un vínculo con la arquitectura tradicional arequipeña, si ie el espacio es meramente contemporáneo.


En este local Berolatti muestra su admiración por la obra del arquitecto mexicano Luis Barragán, de quien se presta el uso de las fuentes trabajadas sobre planos perpendiculares.


¿Cuáles son tus referentes de arquitectura internacional?
Siempre he admirado a Louis Kahn, creo que le debemos mucho a Le Corbusier, la contundencia de la arquitectura de Mies siempre me ha cautivado. De los arquitectos latinoamericanos, en primer lugar a Barragán, de cómo integra en su arquitectura elementos tradicionales y vernáculos sin dejar de ser fuertemente moderno, su sensibilidad para con la luz y el color me enseñan mucho; el uso casi artesanal de los materiales de Rogelio Salmona y nunca dejaré de admirar a Oscar Niemeyer y la gran plasticidad de su arquitectura.
Y de los arquitectos locales, debo referirme a Alvaro Pastor. No tuve la suerte de tenerlo como profesor en la universidad, pero si he tenido la suerte de construir alguno de sus proyectos, esto me dio la oportunidad de interactuar con él, creo que sin pensarlo me ha enseñado mucho.


PROTOTIPO DE VIVIENDA DE PASTORES EN LLALLI, PUNO, 2011


- ¿Cuál es tu experiencia en el proyecto de vivienda para pastores alto andinos que has planteado en Puno?
Es un proyecto muy interesante, en él propone una alternativa de vivienda saludable a las familias de pastores de camélidos sudamericanos especialmente alpacas que viven por encima de los 4000 m.s.n.m. Primero en esos lugares el clima es muy frío ventoso y seco; esto obliga a que la familia se desintegre, viviendo el padre en las zonas de pastoreo y la madre con los hijos en los pueblos más bajos donde el clima es más benigno y los niños tienen acceso a las escuelas y servicios. Algunas veces cuando el trabajo lo requiere, la madre ayuda al esposo en las labores de pastoreo, dejando solos a los hijos, con el consecuente desarraigo familiar que esto implica.
El proyecto es promovido y financiado por una empresa textil muy conocida en el medio, la idea es contar con una vivienda más digna en términos de espacio y salubridad, de manera que la familia no se desintegre, que los niños puedan regresar a la casa paterna semanalmente o todos los días dependiendo de la distancia.
Lo primero que pensamos fue en dotar a estas familias de una tipología de vivienda que responda a los patrones de asentamiento propios en el lugar, por eso es que propusimos como unidad de vivienda una “cancha andina”, que consiste en un patio central de 7 x 7 metros flanqueado por tres habitaciones que abrigan el patio y cuarto lado orientado hacia los corrales que hay que vigilar. Este es una tipología ancestral que data de épocas pre incaicas. Se propuso también la implementación de muros trombe para calentar las habitaciones, un paso abrigado entre la cocina y el dormitorio, cocinas mejoradas y un invernadero donde se puedan cultivar hortalizas y criar cuyes (principal fuente de proteína en la sierra peruana).


Planta
Elevaciones
Cortes

Continuará en el siguiente post.

VER TAMBIÉN
- ARQUITECTURA AREQUIPEÑA CONTEMPORÁNEA

CONVERSANDO CON MARCELLO BEROLATTI (2): ARQUITECTURA EDUCACIONAL

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El anterior post estuvo dedicado al trabajo del arquitecto arequipeño Marcello Berolatti relacionado con la arquitectura vernacular y su aplicación para funciones actuales. En esta segunda entrega, presentaré algunas obras de Marcello Berolatti realizadas en un lenguaje contemporáneo. relacionadas a la adaptación a arquitecturas modernas preexistentes para fines educativos.

INSTITUTO DEL SUR (2011-12)



En los últimos años se ha puesto énfasis a la renovación de antiguas estructuras industriales para otros fines como viviendas, oficinas o incluso áreas de exhibición (el Museo Judío Contemporáneo de San Francisco de Libeskind and el Tate Modern en Londres por Herzog y De Meuron son dos ejemplos elocuentes, presentados anteriormente en este moleskine). Hay sin embago pocas referencias de esta adaptación de edificios industriales para fines educativos. Tal es el caso del Insituto del Sur, ubicado en el barrio de Vallecito, Arequipa, en un lote alargado, irregular y de complicada topografía.

En 1998 se crea el Instituto del Sur sobre las instalaciones de la antigua fábrica de cerveza, uno de los más emblemáticos ejemplos de arquitectura industrial del mediados del siglo XX en Arequipa, la cual se organiza en torno a un patio..



El proyecto de Berolatti para la adaptación de estos espacios para fines académicos, evidencia y pone en valor su carácter industrial. Este aspecto se percibe en el esfuerzo por mostrar los elementos estructurales –vigas y columnas metálicas- de la antigua construcción industrial y por resaltarlos con colores diferenciados.






Obviamente, el uso educativo ha sido resuelto teniendo en cuenta la funcionalidad, iluminación y acústica que le son inherentes, pero con el reto de superponerla eficientemente a una estructura preexistente.



En el proyecto de rehabilitación del Instituto del Sur propusiste la puesta en valor del patrimonio industrial. ¿Qué aspectos has considerado para ello?
Varias cosas, lo que más me conmovió de esta nave era la estructura, una estructura metálica de inicios del siglo XX, con vigas en H con remaches y columnas metálicas expuestas; decidimos no ocultar la estructura, más bien la evidenciamos, ahuecamos el entrepiso todo lo que el programa nos permitió para que tanto vigas como columnas se evidenciaran.


La estructuración de nuestra intervención también tuvo que ser metálica, pero por un acto de delicadeza y respeto al edificio original ya no se usaron remaches sino soldadura y al mismo tiempo pintamos las estructuras nuevas de otro color; los cielos rasos acústicos (necesarios por el nuevo uso) se separaron de las vigas ocultando una iluminación indirecta que evidencia en su primer plano a las vigas, dándoles presencia y homenaje. Las paredes laterales de la nave siempre estuvieron revestidas, por lo que decidimos dejarlas así (aunque tuviesen en su interior una preciosa mampostería de ladrillo).
Vista del auditorio
Detalles de la carpintería metálica

UNIVERSIDAD SAN PABLO (2004-09)



"El concepto de interfase se basa en reconocer el punto de contacto entre dos o más sistemas, como el sitio de mayor intercambio de materia, energía e información entre esos sistemas.
Si se detectan las interfases, se atiende lo esencial de los sistemas en interacción. Entrando por las interfases se está más cerca de reconocer prontamente la identidad y la complejidad de esos sistemas.
Proyectar las interfases es proyectar el ADN de un territorio o de una ciudad."
 Rubén Pesci en Ambitectura:



En 1978, a orillas del río Chili se construyó un hotel, proyecto de los arquitectos limeños Cooper, Graña Nicolini. Lamentablemente el edificio fue abandonado y por décadas fue habitado por malvivientes y posteriomente fue utilizado como centro de prácticas de la policía. Era realmente lamentable la condición de abandono de este edificio, ubicado en tan importante locación paisajista. Berolatti asumió entonces el reto de la transformación de esta infraestructura hotelera en una universidad.





Es más, convirtió el proyecto de la universidad en una interfase entre el río y la ciudad, diseñando para ello grandes explanadas verdes como frente ribereño, semienterrando nuevos pabellones de manera que sus techos puedan ser también usados como expansiones de césped y reforzando en lo posible la relación interior-exterior.



Esta relación del edificio con su entorno paisajista tiene también un fin educativo, el fomentar en el estudiante el valor por la naturaleza y el ambiente. De allí que, en algunos casos, el usuario sea expuesto a elementos del medio, como el sol, el viento o la lluvia, así como el murmullo del río.

Al interior, el uso de la luz vertical no solamente provee de una cálida iluminación a las circulaciones, sino que evidencia la rugosidad de la textura en la pared lateral. La luz cenital expresa una conectividad entre el espacio interior y el ambiente externo, casi en una forma filosófica más que meramente funcional. Es también un elemento recurrente en la arquitectura de Berolatti.


¿Cuál es el rol que cumple la Universidad San Pablo con respecto a la ciudad y el río?
Este fue un tema que nos gustó mucho, la Universidad Católica San Pablo (UCSP), compró con asesoramiento de nuestro taller un hotel abandonado por casi 30 años, junto con un terreno de más de veinte mil metros cuadrados en el valle del río Chili, colindando con el Valle de Chilina (sobre el mismo río). Es una locación difícil, por el gran impacto que este edificio tenía con respecto a la campiña.
Nosotros entendimos el tema casi desde el principio como una “interfase” entre la campiña que hay que preservar y defender y la ciudad que tiende (y muchas veces lo logra) a comerse las campiña.

Entonces resolvimos que las intervenciones de remodelación y ampliación deberían ser lo más discretas posible, que deberíamos mitigar en lo que se pudiera el impacto del edificio existente y de las ampliaciones que debieran hacerse. Y siempre pensando que la Universidad debería hacer docencia no solo en sus aulas sino también en la forma cómo se asentaba en un lugar tan difícil.El edificio entonces fue discretamente intervenido y las ampliaciones se concentraron en un pabellón que literalmente se enterró casi en su totalidad, aprovechando un desnivel de aproximadamente 6 metros.


Vista exterior del auditorio
Deatlle de la capilla


Nuevo bloque de aulas en construcción.

En el próximo post finalizaremos este ciclo de conversaciones con Marcello Berolatti algunos ejemplos de su diseño de vivienda unifamiliar. Hasta entonces.

VER TAMBIÉN:
- EDUCACIÓN SUPERIOR.

- PUESTA EN VALOR DE ARQUITECTURA INDUSTRIAL.



CONVERSANDO CON MARCELLO BEROLATTI (3): VIVIENDA UNIFAMILIAR

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Esta es la entrega final dedicada a la obra del arquitecto arequipeño Marcello Berolatti. Las dos primeras estuvieron dedicadas a su apuesta por la arquitectura vernacular y a la conversión de edificios exitentes a edificios académicos respectivamente. El presente post se enfoca en la vivienda unifamiliar de clase media, y la respuesta del arquitecto tanto a las limitaciones económicas y culturales del medio como las limitaciones que se auto impone un arquitecto al diseñar su propia vivienda.

CASA ESTUDIO BEROLATTI (2009-10)


Diseñar la casa propia es a la vez, para todo arquitecto, un sueño y una pesadilla. Y es que nadie conoce sus necesidades personales como el propio arquitecto, pero al plasmar su diseño debe encontrar el balance perfecto entre funcionalidad y belleza, el equilibrio entre algo que mostrar a los clientes y amigos (como lo hizo Frank Lloyd Wright en Oak Park) o más bien buscar el refugio austero que permita al proyectista concentrase sin distracciones (a la manera de Luis Barragán en México).

Enlace

La respuesta de Berolatti se acerca más al segundo caso, optando por una propuesta moderna de proporciones minimalistas.



"- ¿Qué retos implican para un arquitecto el diseñar su propia vivienda?
Entiendo tu pregunta, porque creo que lo más difícil para un arquitecto es tener que afrontar el diseño de su propia casa, ya sea que uno tiene más o menos la libertad de poder proponer libremente o las ganas de poder plasmar allí todo; por esto, la actitud que tomé fue considerar a mi familia como un cliente más, me obligué a separar mi condición de arquitecto de mi condición de usuario, conversé el proyecto con mi esposa para poder llegar al proyecto construido.



En un terreno irregular y de topografía agreste, ubicado en el distrito de Sachaca cerca al Palacio de Goyeneche y al otrora pintoresco balneario de Tingo, Berolatti dispone dos bloques en los que acomoda su estudio arquitectónico y su vivienda. El estudio se ubica a la misma altura de la vivienda, pese a que por topografía se acomoda en un segundo nivel sobre la cochera.



- ¿Cuáles son los conceptos de diseño que has aplicado en tu casa-estudio?
Lo primero que pensé es que debería ser una casa muy sencilla, que debería adaptarse al contexto, con condiciones climáticas adecuadas y espacios agradables para vivir; por otro lado, el terreno ofrecía unas vistas muy agradables hacia la campiña arequipeña y restricciones normativas nos obligaban a retirar la casa al extremo posterior del lote (ahora agradecemos esto), lo que dejaba un área a construir con una orientación poco favorable con respecto al asoleamiento.
Entendí, que debería orientar todas la habitaciones al paisaje, por donde recibirían sol solo en las tardes.

Quedó un espacioso jardín delante , el que balconea al paisaje, para cerrarlo un poco y darle mayor intimidad, se colocó a un costado el volumen de nuestro taller de arquitectura, con ingreso propio desde la calle, pero que de alguna manera participa también del jardín.



Nos hemos preocupado de que la covivencia de ambos volúmenes: taller y casa , no se vean afectados por invasiones a la privacidad que ambos requiren, por lo que, si bien están juntos, tienen cada uno su propia independencia, sin dejar de tener una circulación entre ellos.

El taller es un prisma también muy sencillo, el frente esta abierto hacia un balcón que mira al paisaje y al sol de la tarde, a un costado tiene una ventana horizontal corrida que deja filtrar la luz a nivel del área de trabajo. En el costado opuesto, exite una iluminación cenital, que brinda luz filtrada por paneles translúcidos de policarbonato, lo que la convierte en una lámpara corrida de luz natural y en la noche se convierte en una lampara eléctrica."

La fachada del estudio se halla enmarcada por un marco de concreto que acoge un balcón y una celosía de madera, lo que implica un estudio por otorgar buena calidad bioclimática del interior.



Un detalle interesante al interior del estudio es la ventana en forma de cinta lateral, que ofrece magníficas vistas de la campiña circundante pero que está alineada a la altura de un usuario sentado (un gesto que me recuerda a muchos restaurantes japoneses, que tienen las ventanas hacia el jardín a la altura de los ojos del comensal sentado). “Es un premio para los que trabajan” bromea Marcello. “Los que están de pie sólo ven los techos de las construcciones vecinas”.



La casa está precedida por una explana de césped, que se asienta sobre una antigua terraza agrícola. Aprovechando la topografía, desde afuera este patio está definido por un cerco alto, pero desde adentro, éste sólo es un parapeto de 80 cm.


Fachada lateral



La fachada de la casa hacia la calle es maciza, simple e introvertida, debido a que explota sus mejores visuales hacia el jardín hacia donde se vuelcan también los ambientes sociales y los dormitorios en el segundo nivel.




La casa en sí no ocupa mucha área, pero amplía su sensación espacial gracias a la doble altura en la zona de la sala.





Dos vistas de la sala: Izquierda, una lámpara por Ana María González. Derecha, una pintura de José Alvarez.

Hacia atrás, la circulación se desarrolla como una escalera lineal y transparente ubicada bajo un pozo de luz alargado, lo cual permite una generosa iluminación y una lectura clara del espacio interior. Este es un tema recurrente en otros proyectos de Berolatti, como veremos en la siguiente Casa Vertical.


El clima en nuestra ciudad es seco, por lo que las diferencias de temperatura en el sol y en la sombra son bastante considerables, es por esto que decidí colocar en la parte posterior una gran claraboya lineal que le de un equilibrio térmico a la casa; esta deja pasar el sol y la luz a raudales sobre el pasillo del segundo piso. De allí una cosa llevó a la otra, se propuso una escalera muy ligera para dejar filtrar la luz hasta el primer nivel, se texturó y pintó de amarillo la pared que recibe sol prácticamente todo el día con la finalidad de dramatizar la luz, de manera que sirviera de luminoso telón de fondo a toda la casa.

CASA VERTICAL (2011-12)



Esta casa se ubica en el distrito de Cayma, en un estrecho lote de 18 x 8 m y con una pendiente de 45°. La casa se desarrolla teniendo a la circulación como eje de la composición. Esta se evidencia en un muro curvo que transcurre longitudinalmente al lote y que aparece dramáticamente como un corte a la fachada.


La escalera asciende junto al muro curvo de concreto visto, que hace su aparición cortando la fachada. La luz cenital acompaña la ascensión, y dramatiza la textura del muro de concreto, contrastando con la blancura del resto de la casa. La circulación va hilvanando ambientes sociales tangenciales en los tres niveles.





En el segundo nivel hay un despliegue de elementos simples que conforman un conjunto equilibrado de gran calidad visual: la composición de la columna, el parapeto y las barandas me evocan a la casa Curutchet y su juego de volúmenes bajo la luz (como diría Le Corbusier).


Tal vez el aporte más significativo de la casa es la de haber explotado su espacialidad, logrando una sensación espacial amplia, luminosa y holgada en un tereno estrecho y con muchas limitaciones.



Finalmente, como docente de arquitectura, ¿qué criterios recomendarías a los estudiantes que se adentran a la profesión?
Hace dos días conversaba con los alumnos recién egresados este año y lo que les recomendé fue principalmente que no sucumbieran ante la vorágine de las inversiones inmobiliarias que muchas veces lo que logran no es otra cosa que destrozar la ciudad. Hablábamos también de la tradición, de la cual tenemos mucho que aprender; hablamos de la técnica, que hay que saber utilizar, aprovechar; y hablamos de la ciudad, de la gran responsabilidad que tiene el arquitecto en la ciudad, con los espacios públicos, y que el arquitecto es en gran parte responsable de que la ciudad sea más humana, dependiendo por ejemplo de cuán abiertos al espacio público sean los edificios.Por último estuvimos de acuerdo en que nada de esto tiene sentido si no está basado en una fuerte y profunda reflexión.
VER TAMBIÉN

VIVIENDA UNIFAMILIAR



Junto a Marcello y Luccia, en la casa de los Berolatti

WESTMINSTER PIER PARK, UN ESPACIO FRENTE AL RÍO

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La ciudad de New Westminster, la más antigua que conforma el conglomerado de Metro-Vancouver al Oeste de Canadá, ha inaugurado recientemente un parque lineal en la ribera del río Fraser. El proyecto es un esfuerzo de puesta en valor ambiental y social y se ha constituido en un catalizador de la vida pública y el desarrollo económico de toda el área circundante. El proyecto ha ganado, además, el premio nacional a las Comunidades Sustentables, el premio anual ambiental de la Asociación Canadiense de Administradores Municipales y el premio National Brownnie Award, por el Instituto Urbano Canadiense.

ANTECEDENTES

El parque se construyó sobre el antiguo embarcadero que dio origen a la ciudad de New Westminster, y que posteriormente se convirtió en un área industrial. Cerca de allí se ubicaba la Plaza Lytton, donde se construyó el mercado, fue diseñada por el Coronel Moody y los ingenieros reales en 1893, convirtiéndose en el corazón de la ciudad.


Antes de la realización del proyecto, la ciudad estaba desligada de su frente ribereño. La línea del tren dividía la zona urbana de unos terrenos industriales privados y un aparatoso estacionamiento construido sobre la vía costanera hacían que esta ciudad, otrora un puerto regional importante, le diera la espalda al río Fraser.


EL PROYECTO

En el 2009, la mucipalidad de New Westminster adquirió un área industrial abandonada al lado del río de 3.8 hectáreas, a un precio de 8 millones de CAD. Adicionalmente se requirieron otros 25 millones para la ejecución del parque, gracias a la ayuda federal y gubernamental.


El parque se desarrolla entre las calles Sexta y Elliot, sobre una extensión de 600 m, en los que se incluyen áreas de paseo, juegos infantiles, zonas de césped, áreas de estar, mesas para picnic, canchas de básquet, zonas de arte público, servicios y una gran área de estacionamiento.



Algunos de los aspectos que más valoramos en el diseño del parque fueron su gran flexibilidad para incluir diversas sensaciones para diferente tipo de público: los que quieren correr, los que quieren caminar, los que quieren pararse a contemplar, los que desean sentarse o los que desean echarse... todas estas actividades hilvanadas en una temática cultural y alegórica y una geometría que permite que, apesar de su diversidad, se perciba al parque como una unidad y no como una sucesión inconexa de espacios.


El proyecto es obra del arquitecto paisajista Bruce Hemstock, quien es además residente de New Westminster, y que concibió el parque sobre el tema "El Río, el Pasado, la Gente".



De allí que el parque utiliza elementos reminiscentes del pasado. Por ejemplo, en la llamada Plaza Lytton dentro del parque, una pérgola estilizada evoca la forma del edificio original del mercado de la ciudad, construido en 1893 no lejos de este lugar.



Otra alegoría recurrente son los pilotes, sobre los que el parque se halla sostenido y que, por momentos se hacen evidentes aflorando en la superficie para formar "bosques". Existen un total de 3015 pilotes de madera y 176 pilotes de acero.


Aproximadamente el 55% del área del parque fue construida sobre el agua, reforzando el carácter acuático del parque y subrayando la asociación retórica de los pilotes.

 

Además, grabados fotográficos sobre planchas de metal o una tira metálica que registra los eventos históricos más importantes de la ciudad dan cuenta del compromiso del diseño por buscar un arraigo en la historia del lugar, a la vez que se logra un espacio completamente contemporáneo.


La vegetación también ha sido protagonista en el diseño, ya que ocupa el 30% del área del parque. Además de los 3240 m2 de césped, se ha incluido varios campos con especies nativas, en un gesto que evoca el parque Yorkville, en Toronto. Existen un total de 19 especies arbóreas, 39 arbustivas y 3 especies de césped.


En el corto tiempo desde la apertura del parque, ha habido un efecto catalizador en las áreas aledañas. Por ejemplo, las avejentadas fachadas que enfrentaban al río han empezado a ser recicladas como terrazas y abiertas al público como restaurantes, como se puede ver en estas vistas. El impacto positivo repercutirá también en el valor de los predios aledaños y en la recuperación económica y social de la ciudad.


VER TAMBIÉN

- Áreas ribereñas (Waterfront Development)



Junto a nuestro amigo Santiago Díaz

CENTRO DE VISITANTES VAN DUSEN, MIRADAS INTENSIVAS

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En anterior oportunidad reseñé en este moleskine el nuevo Centro de Visitantes del Jardín Botánico VanDusen en Vancouver, durante su proceso de construcción. En esta oportunidad compartimos algunas vistas de la obra terminada. 





 Las ondulantes superficies reciben al visitante extendiendo sus brazos como un organismo que pareciera alzar vuelo. Sin embargo a lo lejos y desde el parqueo así como desde el interior del jardín, dibujan una topografía que emula las montañas circundantes.

 

 

Todas las circulaciones conducen al hall central, evidenciando la composición centralizada de este edificio cuya planta asume una forma de flor. El lucernario que se hace evidente en la composición de la fachada, aparece como elemento focal del espacio, y es acompañado por una pantalla móvil que protege al lobby de un excesivo asoleamiento.

 
 
El edificio, si bien es la puerta de ingreso al Jardín Botánico, también funciona como una entidad autónoma que incluye actividades educativas (biblioteca y talleres), artísticas (salas de exhibición) y comerciales (una tienda y una agradable cafetería), a las que se puede acceder gratuitamente sin necesidad de ingresar al jardín. Sin embargo, la integración visual del edificio con el jardín es franca y permeable. 


Lo que es menos evidente es la relación del techo verde con el jardín botánico. Como comentamos anteriormente, el jardín se extiende reptando por el techo del edificio, lo cual no solamente provee un hábitat para distintas especies que se alojan en la cobertura, sino también tiene un efecto sobre el control climático al interior del edificio, especialmente en verano.


Esta relación no se muestra al público directamente, y de hecho tuve que apostarme sobre el muro para tomar las fotografías en las que se muestra este jardín en el techo.


El edificio exhibe con franqueza los materiales que lo constituyen, principalmente la madera, el metal el vidrio y el llamado "concreto de tierra" o "eco-concreto", los que si bien corresponden a elementos formal y particularmente diferenciados -techo, paredes- mantienen un diálogo armónico y sugerente. Pero, como comentamos anteriormente, es también importante aquello que no se ve, la tecnología utilizada para hacer de este un referente como edificio sustentable.


DETALLES



  

VER TAMBIÉN:
- ARQUITECTURA Y PAISAJE


Bo01, EL ECO-DISTRITO EN MALMO, SUECIA

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Bo01 es un renombrado y exitoso distrito ecológico ubicado en Malmo, Suecia. Producto de una exhibición de vivienda, alterna diversas tipologías de vivienda de bajo consumo con espacios públicos especialmente diseñados para el contacto social y para el desarrollo y la protección de algunas especies locales.



UBICACIÓN
Malmo es la tercera ciudad sueca, ubicada al sur de ese país escandinavo. Enfrenta al mar de Oresund, un estrecho que lo separa de Dinamarca. Gracias al nuevo puente Oresund, que aparece por momentos sobre el agua y por otros se sumerge, Su trama urbana y su arquitectura evidencia una historia que discurre desde el siglo XIII y que ha dotado al paisaje urbano de Malmo de un delicioso sabor medieval.


A mediados del siglo XIX se formaría un astillero al norte del centro histórico y durante el siglo XX otras fábricas reforzaron el carácter industrial en la economía de la ciudad. Sin embargo en los 90s una crisis económica llevó a la quiebra a estas actividades. Precisamente, el distrito Bo01 está ubicado sobre un antiguo terreno industrial abandonado en el Västra Hamnen (Muelle Oeste) que fue adquirido por el ayuntamiento a fines de los 90s con el fin de desarrollar un distrito ecológico.


ANTECEDENTES
Bo significa "vivir" en sueco y 01 hace referencia a 2001, el año en que se realizó la más grande exposición de vivienda de Europa, desarrollada en un área de 25 has. Decenas de oficinas de arquitectos y paisajistas tuvieron a su cargo el desarrollo de viviendas sustentables y de espacios públicos. Luego de la exposición las viviendas fuero recicladas y ofrecidas al público , logrando su ocupación en más del 90%.



DIVERSIDAD ARQUITECTÓNICA

 La trama urbana, a pesar de estar limitada por las calles paralelas Vastra Varvsgatan y Sundpromenaden, se fractura en un recorrido anguloso y variado, que de alguna forma emula la experiencia medieval de la ciudad original. El plan urbano, diseñado por el arquitecto sueco Klas Tham da como resultado un rosario de plazas, callejuelas y patios cuidadosamente hilvanados.


El muestrario diverso de edificios de, insertos en esta variada secuencia urbana, alberga 1000 unidades de vivienda. Como el lector imaginará, la ubicación de estas viviendas frente al mar en estas latitudes las expone a fuertes vientos. Pude ser testigo de esa situación durante la visita en Octubre, en el que los fríos vientos otoñales me hacía preguntar cómo sería este espacio en los meses de invierno.



Sin embargo, la disposición de las viviendas conforma un frente que se comporta como una barrera y las viviendas interiores se hallan protegidas de los vientos marinos.




El recorrido a través del Bo01 ofrece una surtida variedad tipológica en viviendas de baja, mediana y alta densidad, con una densidad promedio de 40 unidades/hectárea. 
Primera y segunda plantas
Tercera y cuarta plantas
 Desarrollo de una de las unidades

Uno de los bloques de vivienda, desarrollado por  Moore Ruble Yudell Architects & Planners y FFNS Arkitekter

En el centro de la composición destaca visualmente la torre Turning Torso, por Santiago Calatrava, que es el hito más conspicuo en Malmo y al cual dedicaremos el próximo post.


ÉNFASIS EN LA SUSTENTABILIDAD
Los objetivos principales de la exposición fueron desarrollar unidades de vivienda autosuficientes y disminuir las emisiones de Gases de Efecto Invernadero (GEI). Para tal fin se desarrollaron sistemas de generación de energía renovable: turbinas eólicas, 1400 m2 de paneles solares ubicados en los techos y energía térmica proveniente de la planta de biogas que trata desechos previamente clasificados. Estos sistemas cubren el 100% de las necesidades energéticas de distrito.


 
Es más, las viviendas cuentan con paneles que muestran el consumo de energía, a fin de que los propios residentes puedan verificarlo. El agua de lluvia es recolectada, purificada en una planta de tratamiento y reutilizada por la población. Además, los materiales utilizados en la construcción no son dañinos y podrán ser reutilizados luego de su eventual demolición.



ESPACIO PÚBLICO Y PAISAJISMO
Uno de los grandes aciertos del distrito Bo01 es el diseño paisajista de los espacios urbanos, en los que se busca la socialización de los habitantes y la protección de algunas especies nativas. Al interior, se privilegia el tránsito peatonal, que fomenta el encuentro entre los habitantes a la vez que reduce el impacto de la contaminación sonora y ambiental por arte de elementos motorizados.

 

El espacio público consta de 4 partes principales, cada una con un carácter diferente: el canal, el frente marino, 3 parques y el sistema de calles y plazas. El área frente al mar es una gran explanada de madera, desde la que se puede ver, al otro lado del mar la costa de Dinamarca, (precisamente la explanada fue diseñada por el renombrado arquitecto danés Jeppe Aagaard Andersen), es un lugar de encuentro y celebración (claro, cuando el clima lo permite).


 En contraste, los espacios y parques interiores tienen un carácter más pasivo tanto para los residentes como para fomentar la biodiversidad.


El canal sirve también como un colector de las aguas de tormenta, frecuentes en esta zona.



 Diversos arquitectos paisajistas han contribuido a organizar esta secuencia de plazas, jardines, estares, cursos de agua, zonas de exhibición y malecones frente al mar.


 Invernadero café, realizado por la arquitecta paisajista y artista Monika Gora

El tratamiento de estos espacios ha tenido también en cuenta aspectos sustentables, como por ejemplo la elección de pavimentos que permitan un fácil escurrimiento de las lluvias para la reposición del agua subterránea.


 

Se ha dispuesto áreas que permitan acoger algunas especies como aves, murciélagos, peces, insectos, etc. a la vez que algunas plantas silvestres.



 Es una delicia perderse en esta secuencia de espacios que contiene la variada muestra de vivienda; en lo personal valoro mucho la experiencia de recorrido que ofrece sorpresa, serenidad, dramatismo, contraste curiosidad y a la vez armonía.




VER TAMBIÉN:

- ARQUITECTURA Y AMBIENTE

- VIVIENDA MULTIFAMILIAR EXPERIMENTAL




Junto al arquitecto Jeppe Aagaard Andersen, durante la Conferencia Eurpoea del Paisaje, realizada en Malmo y Alnarp, Suecia.
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